Cuando el término «Americana» se incluyó en el prestigioso diccionario Merriam-Webster en 2011, el director ejecutivo de la Asociación de Música Americana, Jed Hilly, bromeó diciendo que venderían camisetas blasonadas con la palabra, junto con el eslogan «¡Búscalo!». «Todavía está un poco fuera del radar», añadió Hilly, «porque no somos supercomerciales».
En los cinco años siguientes, el panorama musical se transformó a medida que la música americana se convirtió en una propiedad de moda de buena fe. El disco Americana de Chris Stapleton, Traveller, fue el séptimo álbum más vendido de 2016, con unas ventas que alcanzaron casi el millón y medio de copias, situándose justo por detrás de los discos de las megaestrellas del pop Adele, Beyoncé y Rihanna.
Merriam-Webster define la música Americana como «un género de la música americana que tiene sus raíces en la música folk y country temprana». El panorama de estas raíces es amplio y abarca el country y el western, los Apalaches, el gospel, el roots-rock, el folk, el bluegrass, el R&B y el blues. Los grupos de música americana suelen estar formados por instrumentos acústicos, pero pueden contar con una banda eléctrica completa.
Los primeros músicos de folk y gospel sentaron las bases de la música country y americana, pero algunos de los planos modernos proceden del movimiento de swing occidental de los años 20 y 30, y de su talismán, Bob Wills, cuya música claramente tejana ganó popularidad nacional en los años 30. La canción emblemática de Wills y sus Texas Playboys, «San Antonio Rose», ha sido versionada cientos de veces, por todos, desde John Denver hasta Clint Eastwood. Wills tuvo una influencia directa en Willie Nelson y le ayudó a dar forma a su visión integradora de la música.
Nelson ha rendido un homenaje efusivo a Wills y también ha reconocido una deuda mayor con uno de los auténticos pioneros de la música: Hank Williams. Williams, que sólo tenía 29 años cuando murió, el 1 de enero de 1953, hizo mucho en su corta vida, incluidos los 29 éxitos que grabó, como ‘Hey, Good Lookin’, ‘Why Don’t You Love Me?’ y ‘Long Gone Lonesome Blues’. En 1999, la Smithsonian Institution lo reconoció como un referente, cuando en su primer foro sobre música country -A Tribute To Hank Williams- rindió homenaje a este enigmático icono y a lo que había hecho para crear los cimientos de la música country moderna.
Al igual que muchos músicos de antes de la guerra, Williams aprendió a cantar en el coro de una iglesia (en Alabama) y su música sintetizaba los estilos musicales de su entorno en el Sur profundo: el swing del Oeste, la música de montaña de los Apalaches, el honky-tonk, el country blues y la música gospel. Pero fue su notable don para escribir canciones narrativas desgarradoras y confesionales, como «Lovesick Blues», lo que lo distinguió como un artesano de la canción de gran talento.
Williams fue uno de los primeros cantautores estadounidenses en expresar, en letras directas y elegíacas, las intensas emociones personales, los sueños y los sinsabores, de la gente común. Leonard Cohen calificó su forma de componer como «sublime», y Bob Dylan dijo que «las canciones de Hank eran las reglas del arquetipo de la composición poética». La obra de Williams ha sido versionada por artistas tan diversos como Louis Armstrong, Elvis Presley y Al Green.
Williams inspiró a legiones de músicos: leyendas del country como Johnny Cash, que grabó todo un álbum de homenaje al icono; cantantes como George Jones; fuerzas creativas de la talla de Gram Parsons; e incluso estrellas del rock moderno como Beck, Keith Richards y Tom Petty. Cuando Ryan Adams y sus compañeros delalt.country de los años 80 y 90 estaban encontrando su camino, volvieron a recurrir al hombre capaz de escribir una obra maestra como «I’m So Lonesome I Could Cry». Lucinda Williams dijo: «Escuchaba a Hank desde que tengo uso de razón. Su música fue una de las primeras a las que estuve expuesta».
Bebedor empedernido y de palabra clara, Williams fue quizás el primer rebelde de la música country, un rasgo emulado por las autoproclamadas estrellas del country fuera de la ley de los años 70, que llevaron parte de la actitud rebelde de la música punk a la corriente principal del country. Hank Williams era Americana 70 años antes de que la palabra se popularizara.
La música cambia cuando los géneros chocan, y otro hombre que se adelantó a su tiempo al unir diferentes corrientes musicales fue Ingram Cecil Connor III, que adoptó el nombre artístico de Gram Parsons. Parsons, nacido en Florida, era un gran fan de Elvis Presley de niño y formó su primera banda, The Pacers, en el Bolles High School de Jacksonville a principios de los 60. Su compañero de estudios Luke Lewis, que llegó a ser Presidente de Universal Music Nashville, dijo que escuchar el álbum Modern Sounds In Country And Western Music de Ray Charles en 1962 -que es un glorioso ejemplo de música americana- tuvo una gran influencia en ambos. «Probablemente fue la primera vez que alguno de los dos tuvo una idea de la música country», dijo Lewis, que luego grabó a Ryan Adams, Lucinda Williams y Johnny Cash.
Parsons tuvo su primer impacto real con The Byrds, para quienes escribió la eterna ‘Hickory Wind’. Desempeñó un papel fundamental en su álbum seminal Sweetheart Of The Rodeo, antes de marcharse con Chris Hillman, en 1969, para formar The Flying Burrito Brothers. The Flying Burrito Brothers, que tocaban una mezcla de música country tradicional y rock, ayudaron a crear lo que se denominó «Cosmic American Music» con sus dos primeros álbumes, The Gilded Palace Of Sin y Burrito Deluxe. «El mayor legado de The Flying Burrito Brothers y Gram es que éramos la banda de country alternativa. No podíamos entrar en la radio country ni en la radio rock. Fuimos la banda de country fuera de la ley durante un breve período», dijo Hillman.
Los Flying Burrito Brothers unieron el country, el rock’n’roll, el R&B, el folk y las influencias del soul, y Parsons ganó mucha confianza al crear algo tan potente. Por aquel entonces, Parsons aprovechaba con entusiasmo cualquier oportunidad de crecer musicalmente. En el verano de 1971 se trasladó al sur de Francia, donde vivió durante un breve periodo en Villa Nellcôte como invitado de su amigo Keith Richards, durante el periodo en el que los Rolling Stones estaban trabajando en su clásico álbum Exile On Main St.
Parsons tocó música country con Richards y aprendió a ampliar sus propios horizontes; los Stones dejaron que los Burritos grabaran la canción ‘Wild Horses’ incluso antes de que se publicara su propia versión. Mick Jagger y la banda tuvieron una gran influencia en la decisión de Parsons de lanzarse en solitario. «Tenía la sensación de que este hombre estaba a punto de sacar algo notable», dijo Richards.
Sus álbumes en solitario, GP y Grievous Angel, fueron efectivamente notables y ayudaron a lanzar la carrera de la co-cantante Emmylou Harris. Ella estaba asombrada por el conocimiento que Parsons tenía de la música country y dijo: «Me estaba aprendiendo todas esas canciones country. Era como un converso religioso. No tenía suficiente».
Hillman cree que con canciones como ‘Sweetheart Of The Rodeo’, Parsons «abrió las puertas» al country-rock, al country alternativo y al auge de la música americana que le siguió. El propio Parsons creía que la música era buena o mala y que no había que preocuparse demasiado por «etiquetar y definir» los tipos de música. Su muerte prematura, a los 26 años, en 1973, privó al mundo de un músico pionero, pero su influencia -en el trabajo de otros músicos y a través de la labor de la Fundación Gram Parsons- planea sobre la música americana que vino a su paso. Los primeros trabajos de Ryan Adams o Jeff Tweedy de Wilco muestran claramente la influencia de canciones como ‘Sin City’ y ‘One Hundred Years from Now’.
Al mismo tiempo que Parsons aprendía sobre Hank Williams, The Band -Robbie Robertson, Levon Helm, Garth Hudson, Richard Manuel y Rick Danko- se curtían como The Hawks. Empezaron como banda de acompañamiento del cantante de rockabilly Ronnie Hawkins, pero pronto empezaron a forjar su propio camino y a adquirir una importancia que habría sido difícil de predecir para los primeros fans de The Hawks. Robertson dijo: «Como The Band nos propusimos tocar la música que habíamos recogido en toda esta experiencia. Tomábamos un poco de gospel de aquí, un poco de música de montaña de allá, un poco de blues del Delta por aquí, un poco de blues de Chicago por allá».
La gira de 1965-66 de The Band con Bob Dylan fue una de las que más cambiaron el juego y fueron infames en la historia de la música, ya que estalló la controversia sobre la decisión de Dylan de lanzar la música folk a la era eléctrica. The Band se alegró de desplegar sus alas musicales y desempeñar su propio papel en la evolución de la música estadounidense. Décadas después, Robertson confesó: «La gente decía: ‘Sois americanos’. Y yo decía: ‘Somos de Canadá. Somos «NorthAmericana, tal vez…»‘ Todavía no estoy seguro de saber lo que es».
Su marca de «North Americana» implicaba las sutiles y conmovedoras evocaciones pastorales de la mitología del sur de Estados Unidos por parte de una banda canadiense en clásicos modernos como ‘Up On Cripple Creek’, ‘The Weight’ y ‘The Night They Drove Old Dixie Down’.
The Band contaba con la superlativa capacidad compositiva de Robertson, la conmovedora voz de Helm y la destreza musical del teclista Hudson. Su álbum de debut, Music From Big Pink, publicado en 1968, empujó a otros músicos, como Eric Clapton y Grateful Dead, hacia un sonido más orientado a las raíces. Con el famoso concierto filmado por Martin Scorsese y apodado The Last Waltz, la banda respaldó brillantemente a artistas como Van Morrison, Joni Mitchell, Muddy Waters y Neil Diamond, demostrando que podían tocar cualquier cosa con cualquiera.
Cuando Clapton los escuchó por primera vez, a finales de los 60, fue un punto de inflexión en su desilusión con Cream. Al igual que The Band había reaccionado contra la psicodelia con un sonido de vuelta a las raíces, Clapton formó Blind Faith como un movimiento de reacción, antes de seguir explorando la Americana en su trabajo con Derek And The Dominos, que incluía a Duane Allman en la guitarra slide.
En 2017, Clapton dijo a una audiencia en el Festival Internacional de Cine de Toronto: «Me dieron un acetato de Music From Big Pink en Inglaterra y me sacudió hasta la médula. Yo estaba en Cream en ese momento, ya con la noción de que no iba en la dirección correcta, y pensé: Bueno, esto es lo que es. Sabía quién era Robbie Robertson pero no me di cuenta de que era su grupo. Pensé que simplemente habían aparecido. Pensaba que eran todos del Delta del Mississippi… fueron unos magníficos héroes para mí. Me acerqué a improvisar con ellos y me dijeron: ‘Nosotros no improvisamos, escribimos canciones y las tocamos’. Pensé: «Dios mío, estos tipos van muy en serio».
La rueda casi cerró el círculo en 1999, cuando Helm grabó el álbum en directo Ramble At the Ryman’ como parte del Americana Music Festival And Conference, un reconocimiento a su influencia en la Americana y a la forma en que The Band había inspirado directamente a músicos como Ryan Adams, Lee Ann Womack, Rosanne Cash y The Allman Brothers Band.
Como hemos visto, los iconos de la Americana se remontan a los padres y madres fundadores de la música country, titanes como Bob Wills, Hank Williams, Woody Guthrie y Patsy Cline. Pero en los años 70 y 80 un grupo de grandes modernos decidió crear su propio legado. Había individuos con talento que araban sus propios campos -como Guy Clark, Glen Campbell, Don Williams, Dolly Parton, John Prine y Alan Jackson-, pero lo más parecido a un supergrupo de americana llegó en 1984. Willie Nelson, por entonces un veterano de la escena de la composición de Nashville que se había convertido en uno de los músicos más distintivos de la era moderna, se convirtió en el catalizador de una nueva dirección en la música country cuando ayudó a persuadir a otros grandes del country como Johnny Cash, Waylon Jennings y Kris Kristofferson para que se unieran como «forajidos».
Se autodenominaron The Highwaymen (tomando su nombre de una canción de Jimmy Webb) y rindieron homenaje a héroes del pasado con versiones de canciones de Woody Guthrie y Hank Williams. Los Highwaymen fueron calificados con frecuencia como «el Monte Rushmore de la música country», lo que llevó a Emmylou Harris a decir que «en realidad tienen que estar ahí arriba en la gran roca con los presidentes». Su influencia fue enorme y los vínculos continúan: El guitarrista de The Highwaymen, Robby Turner, trabaja ahora con Chris Stapleton.
Durante el periodo de actividad de The Highwaymen (1984 a 1995), comenzó a surgir una nueva forma de música americana. Al igual que The Band había reaccionado a las tendencias imperantes de la música popular trascendiéndolas con sus propias canciones y estilo de interpretación, los músicos que llegaron a encarnar el boom del alt.country a finales de los 80 y los 90 se consideraban a sí mismos como un desafío al establishment imperante de la música country. Como dijo Lucinda Williams: «
Steve Earle, que grabó un cuarteto de álbumes brillantes entre 1986 y 1990 (Guitar Town, Exit 0, Copperhead Road y The Hard Way) era un espíritu afín a Williams, y ambos formaron parte de lo que también se conoció como el boom del «country insurgente» de finales de los 80, junto con estrellas emergentes como Rodney Crowell y Del McCoury. Copperhead Road fue el álbum que realmente introdujo a Earle en el creciente público europeo. La canción que da título al disco es una gran narración sobre un cazador de lunas que cambia la base de su producto para cultivar algo más aromático, y demostró que la forma de componer de Earle tenía el poder narrativo de escritores de la vieja escuela como Woody Guthrie, Lefty Frizzell y Hank Snow.
Earle dijo que, aunque él y Lucinda Williams fueron apodados «los nuevos forajidos», el núcleo de lo que hacían era hacer un tipo de música diferente, más que una rebelión social. «No se trataba de las drogas que tomábamos ni de los problemas en los que nos metíamos por aquel entonces», dijo Earle, «se trataba de la libertad artística».
Guitar Town salió a la luz en 1986, el mismo año en que aparecieron por primera vez kd lang, Dwight Yoakam y Lyle Lovett, con su maravilloso álbum de debut autotitulado, en MCA. Lovett dijo: «En ese periodo de tiempo había muchas cosas que no se consideraban un fichaje tradicional de Nashville que se firmaban. El grupo de Minnesota The Jayhawks, cuyas armonías y sonido twang-rock sentaron algunas de las bases de la música americana moderna, también publicó su álbum de debut en 1986 y no tardó en ganar muchos seguidores en Europa. Cuando Ryan Adams empezó a hacer música americana con el grupo Whiskeytown, dijo que se dio cuenta de que había otras personas que estaban «a la moda de Gram Parsons» y citó a The Jayhawks como influencia. Whiskeytown se formó en 1994, en Carolina del Norte, y grabó tres álbumes de estudio antes de que Adams lo dejara en el año 2000 para lanzar su carrera en solitario y tomar tantas direcciones musicales interesantes.
Lucinda Williams publicó un par de álbumes en los años 80 pero, tras un largo periodo de relativa oscuridad, captó la atención del mundo de la música con su magnífico álbum de 1998 Car Wheels On A Gravel Road, su primer disco que se convirtió en oro. El álbum contiene una serie de canciones hipnóticas y emotivas que suenan tan bien en el siglo XXI como cuando se grabaron. Williams, que ha hecho otros discos excelentes, como Essence y Blessed, dijo de Car Wheels…: «No quería volver a hacer el mismo disco. Intentaba buscar un cierto sonido vocal que sentía que no había conseguido en ninguno de mis álbumes hasta ese momento».
Tal vez no sea una coincidencia que Joni Mitchell concediera una entrevista el año de la publicación del álbum en la que decía: «Solía ser monástica, casi. Ahora soy como un tibetano que ha descubierto las hamburguesas y la televisión. Me estoy poniendo al día con la música americana».
Williams forma parte de una fantástica herencia de mujeres cantautoras de música americana que han escrito algunas de las letras más poderosas de la música country moderna. Siguiendo la tradición de grandes artistas como Kitty Wells, June Carter Cash, Dolly Parton, Loretta Lynn, Patsy Cline, Bonnie Raitt, Linda Ronstadt y Emmylou Harris, las décadas de los 80 y los 90 vieron el surgimiento de una serie de formidables artistas femeninas de la música americana, como Reba McIntyre, Mary Chapin Carpenter, Julie Miller, Mary Gauthier y Abigail Washburn. Una de las más destacadas fue Nanci Griffith, una poeta de la canción, que se sentía tan segura escribiendo sus propias composiciones como interpretando las palabras de otros buenos compositores de Americana como Robert Earl Keen y Tom Russell.
La tendencia del talento femenino continuó en los años 90, cuando intérpretes innovadoras como Gretchen Peters, Iris DeMent, Sheryl Crow, Rita Hosking, Dar Williams, Lee Ann Womack, Lori McKenna, Ani DiFranco y Gillian Welch empezaron a hacer álbumes tan estupendos.
Una de las compositoras más prometedoras que surgió en este periodo fue Patty Griffin, que había formado parte de la escena folk local de Boston hasta que apareció en el radar de la industria con su notable debut en A&M de 1996, Living With Ghosts. Griffin ha seguido haciendo álbumes potentes y conmovedores, y se ha adentrado en el gospel con Downtown Church, ganador del Grammy en 2011. Siguen apareciendo y prosperando nuevos e interesantes talentos, como Sarah Jarosz, Aoife O’Donovan, Ruth Moody, Angeleena Presley, Maddie And Tae y la cantante y compositora de Lady Antebellum, Hillary Scott.
Pero la vieja guardia no se ha quedado atrás. Dolly Parton regresó al bluegrass con algunos álbumes impresionantes en el cambio de siglo, y el álbum de Loretta Lynn de 2004, Van Lear Rose, fue sensacional. Jack White, autor musical y cerebro de The White Stripes, sólo tenía dos años cuando Lynn había grabado su anterior álbum, en 1977: un homenaje a Patsy Cline. Lynn y White formaban una pareja improbable, pero este último ayudó a llevar la música de Lynn a un nuevo público cuando produjo el aclamado regreso de la artista, que entonces tenía 72 años.
Van Lear Rose reflejó otras facetas de la música americana moderna: su originalidad e individualidad. La música puede abarcar todo, desde el ingenio mordaz de Lyle Lovett hasta las baladas rockeras de Drive-By Truckers, la observación social de James McMurty, Danny Schmidt, Todd Snider y Jason Isbell, hasta las emotivas canciones de Billy Joe Shaver, Dierks Bentley, Chris Stapleton, Sturgill Simpson y Amos Lee, así como talentos menos conocidos como Robby Hecht y Richard Shindell.
Es difícil decir con exactitud quiénes fueron los inspiradores y originadores de la música americana, tal es la riqueza de su diversa herencia, pero no sería exagerado decir que la americana pasa por bandas tan diversas como Grateful Dead y Los Lobos. Neil Young, junto con Crosby, Stills And Nash, no son etiquetados inmediatamente como una banda de Americana, pero ciertamente ayudaron a impulsar la popularidad del rock moderno basado en las raíces.
Además, los orígenes de la Americana zigzaguean a través de los estados de la nación, desde los desiertos sureños de ‘Willin’ de Little Feat hasta el Delta del Mississippi de ‘Dixie Chicken’. Un reflejo de sus raíces es la forma en que la Americana Music Trail ofrece a los turistas una experiencia que abarca desde el centro de Muscle Shoals, en Alabama, hasta los bares de música country de Nashville y los garitos de jazz de Nueva Orleans.
A veces un artista no country con alma puede capturar la música americana a través de su interpretación de una gran canción. En su álbum de Blue Note Records Feels Like Home, Norah Jones enorgullece a Townes Van Zandt con una hermosa versión de su canción ‘Be Here To Love Me’. La megaestrella de los Grammy, Alison Krauss, tiene un ojo muy hábil para seleccionar lo mejor de la canción americana moderna. Krauss ha versionado canciones de artistas tan diversos como Willie Nelson, Richard Thompson, Shawn Colvin, Sidney Cox, Mindy Smith, James Taylor, Tim O’Brien, Jackson Browne y Tom Waits, y su incomparable voz puede incluso aportar algo nuevo a una canción clásica de Woody Guthrie.
Krauss también formó parte del triunfante álbum de la banda sonora de O Brother, Where Art Thou?, producido por T Bone Burnett para los hermanos Coen. Dan Tyminski, miembro de la banda de Krauss, creó un clásico moderno con su versión de ‘Man Of Constant Sorrow’, en un álbum en el que la leyenda del bluegrass Ralph Stanley canta una inquietante versión de ‘O Death’. Stanley ofreció la música americana en su forma más cruda y poderosa, como una voz directa de los siglos pasados.
El álbum Revival de Gillian Welch, también producido por Burnett, se adentró en la herencia americana. Revival se grabó en Nashville en el Woodland Sound, que debía su lugar en el mapa musical a álbumes de los 70 como Will The Circle Be Unbroken de The Nitty Gritty Dirt Band. Burnett incluso practicó la grabación de la voz de Welch en una antigua máquina Wollensak, de las que utilizaba Hank Williams. Welch, un auténtico artista de la música americana, ha hecho mucho por mantener fresca y relevante una época pasada de la música.
Burnett, por cierto, cree que la era moderna de la música digital ha ayudado al progreso de la música americana porque permite a los aficionados acceder a la fuente musical original para algunas de las versiones contemporáneas de las canciones. Dice: «El público moderno, al tener tanto que extraer, es mucho más inteligente de lo que se le atribuye… y con la música antigua, se puede reinventar en cualquier momento»
Los mejores músicos jóvenes intentan tanto honrar como reinventar la música de sus héroes. Kacey Musgraves, cuyo álbum Same Trailer Different Park fue un éxito impresionante en 2013, dice que su «punto de cruce ideal de la música» son The Beach Boys, Lee Ann Womack y John Prine.
La banda de Texas Midland, cuyo álbum de debut, On The Rocks, se publicó en septiembre de 2017, fue aclamada por Billboard por traer a la era moderna un sonido contemporáneo de «George Strait ochentero y nuevo tradicionalista». Puede que Midland, y los talentosos The Cadillac Three, no sean estrictamente Americana, pero ambos aportan el mismo tipo de sello Americana -frescura y empatía- a la música country. The Cadillac Three han sido producidos por el talentoso Dave Cobb, que ha hecho un gran trabajo con Chris Stapleton, Lindi Ortega, Colter Wall, Brandi Carlile, Jason Isbell y Amanda Shires.
Está claro que la Americana va viento en popa. El auge de los servicios de streaming, como Spotify, hace que el género sea accesible y tenga una visibilidad mayoritaria, aunque no se escuche en las emisoras de radio tradicionales de música country. Además, han surgido multitud de festivales que acompañan al AmericanaFest anual de Nashville, que celebrará su 19ª edición en septiembre de 2018. Entre los recién llegados está The Long Road. Se anuncia como un festival de «country, americana y raíces» y se lanza en el Reino Unido ese mismo mes. Los festivales se han convertido en clave para la evolución de nuevos talentos.
Desde 2010, la Americana es una categoría reconocida por la Academia de la Grabación. Levon Helm fue el primer ganador de un Grammy Americana (reclamando otro en 2012), y el premio también ha sido ganado dos veces por Jason Isbell. Mavis Staples to, Bonnie Raitt, Emmylou Harris, Rodney Crowell y Rosanne Cash también han sido ganadores. La naturaleza omnipresente de la Americana se mostró en la victoria en 2016 de la leyenda de Stax Records William Bell. Robert Plant, el antiguo líder de Led Zeppelin, que ha grabado tanto con Alison Krauss como con Patty Griffin, dijo que «no hay límites en cuanto a dónde puede llegar la Americana».
La naturaleza polifacética de la Americana continuará a medida que se extienda por los continentes. Cuando la compañía oficial de listas de éxitos del Reino Unido recompensó a la música americana con una lista de álbumes, entre los 10 primeros puestos se encontraban Ryan Adams, Lucinda Williams y el dúo de hermanos suecos First Aid Kit. En la actualidad, existen asociaciones de música americana en el Reino Unido y Australia, algo muy distinto a lo que ocurrió en 1999, cuando un grupo de DJs de radio, trabajadores de sellos discográficos y periodistas musicales se reunieron de manera informal en la conferencia de la industria musical South By Southwest, en Austin (Texas), para debatir cómo promover la música que amaban y decidieron formar una organización.
Jimmie Fadden, de The Nitty Gritty Dirt Band, es citado en el libro The Americana Revolution, diciendo que «Americana fue un intento de agrupar un montón de formas inexplicables de música de raíces de una manera que pudiera ser encapsulada, presentada a una audiencia, con la comprensión de que tiene un nombre».
El nombre es ahora significativo. La música americana es progresiva y vanguardista, y uno de los géneros musicales más vendidos en cuanto a álbumes -superando al R&B, el hip-hop y el dance en 2016, según Billboard- y aclamado por pesos pesados de la cultura. La novelista Ann Patchett, ganadora del premio PEN/Faulkner, declaró recientemente a The New York Times que el Americana es «la escena musical más cool de la actualidad».
El nuevo Americana seguirá, en palabras de Hank Williams, «mostrando a la gente un nuevo baile», pero venga lo que venga, los músicos siempre tendrán una historia atesorada a la que recurrir. Alguien que resume esto es el extraordinario Ry Cooder, que lleva más de medio siglo haciendo música americana brillante. El último álbum de Cooder, The Prodigal Son (en Fantasy Records), incluye una versión de la canción de Stanley Carter «Harbour Of Love», un tema grabado por primera vez en los años 50 para Mercury Records. «Hay una especie de ánimo de reverencia que se apodera de ti cuando tocas y cantas estas canciones», dijo.
Esa reverencia y entusiasmo es la razón por la que la música de raíces americanas seguirá floreciendo.
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