Como cineastas, debemos nuestra pasión a los pioneros del cine y la fotografía, y luego a los cineastas que les siguieron. Creo en mirar hacia atrás para innovar y avanzar, para inspirarse y para inspirar. Llevo mi inspiración conmigo dondequiera que vaya, dondequiera que trabaje, y transmito mi inspiración a quienes me rodean en el plató y en mi equipo de HA.
En el post de hoy, me gustaría presentaros a un cineasta en ciernes que ha formado parte de nuestro Equipo HA y que se ha hecho un nombre como cineasta durante los últimos años, Brendan Sweeney. Es de Pittsburgh, pero no se lo tendré en cuenta. Ja, ja. Llegó a Los Ángeles para perseguir su sueño y trae su creatividad y pasión por el cine -especialmente el de la vieja escuela- a nuestra sede cada día, ¡y se lo agradecemos! Su última película «Impossibility:Possibility» Y ahora va a compartir con todos vosotros su pasión y dónde empezó el cine. Le encanta hablar y compartir la historia del cine y es tan importante recordar dónde hemos estado para poder forjar nuevos caminos de hacia dónde ir.
¡Llévatelo Sweeney!
La película fotográfica es una tira o lámina de base de plástico transparente recubierta por una cara con una emulsión de gelatina que contiene cristales de haluro de plata microscópicamente pequeños y sensibles a la luz. El tamaño y otras características de los cristales determinan la sensibilidad, el contraste y la resolución de la película. (Karlheinz Keller et al. «Photography» en Ullmann’s Encyclopedia of Industrial Chemistry, 2005, Wiley-VCH, Weinheim.)
Entonces, espera, ¿dónde hay un sensor? ¿Qué pasa con los 1’s y los 0’s? ¿Cómo puedo ver lo que estoy fotografiando? ¿Puedo comprobar mi exposición con falso color?
La mayoría de ustedes probablemente recuerdan los días de la película al menos en un sentido fotográfico. En un momento de nuestra industria, la utilización de la película de celuloide era la única opción para nuestros proyectos. No era una selección del tipo de sensor de imagen, era una selección del tipo de película. La película era el «sensor de imagen», el proceso químico que contenía las imágenes. La elección consistía en qué película querías utilizar para contar tus historias y qué objetivos querías combinar con ella. Las cosas no estaban inmediatamente delante de ti como lo están hoy en el mundo digital. No había monitores para comprobar el enfoque o los niveles de IRE. Era un mundo en el que se miraba a través del objetivo mediante un visor óptico y se veía la escena en su perspectiva inalterada.
Estos eran los días del cine… Un mundo en el que el director de fotografía podía ser uno con la cámara y ningún productor podía cuestionar lo que estaba haciendo. Era un juego mental, una época de verdadera previsualización, y de poner a prueba tus habilidades.
¿Por qué hablo tan bien del cine? Bueno, antes de entrar en mi amor personal por el cine, hablemos de su historia y de su importancia para la industria en la que trabajamos hoy.
UNA BREVE MIRADA AL PASADO
La primera película fotográfica disponible al público se llamó, Daguerrotipo. Esta película fue introducida por primera vez en 1839 por Louis-Jacques-Mandé Daguerre y se mantuvo en el mercado durante unos 20 años hasta que se desarrollaron métodos de fotografía más nuevos y baratos. En la década de 1850, la fotografía con placa de vidrio se convirtió en el estándar para la mayoría de las cámaras del sector. Con una mejor calidad óptica que los primeros plásticos transparentes y el daguerrotipo, se convirtió en el mejor método para los fotógrafos hasta que George Eastman entró en escena. En 1885, George presentó el primer «rollo de película fotográfica flexible», pero esta película era en realidad papel con revestimiento. El primer rollo de plástico transparente entró en el mercado en 1889 y estaba hecho de «celuloide» de nitrocelulosa altamente inflamable o ahora conocido como «película de nitrato». Este es el material del que todo el mundo ha oído hablar en la historia del cine y de cómo se incendiaba!
Aquí es donde Eastman Kodak Company se convirtió en la institución que lideró el movimiento de la película fotográfica y cómo se debía hacer en la fotografía. Todo el mundo ha oído hablar al menos de Kodak y de su larga historia en las películas cinematográficas. Para mí, es una de las mejores empresas americanas que han existido.
EL NACIMIENTO DE UNA INDUSTRIA
Empecemos a hablar de cómo se recogió la película fotográfica y se colocó en el escenario de la película cinematográfica. El cortometraje más antiguo que se ha grabado data de 1888 y se llama Roundhay Garden Scene.
«Roundhay Garden Scene»
Esta escena corta fue grabada por el inventor Louis Le Prince. Se rodó en Oakwood Grange, en Roundhay, Leeds, y se cree que es la película más antigua que se conserva. Con su aspecto blanco y negro, es increíble ver lo lejos que hemos llegado, desde nuestros humildes comienzos en el oficio hasta nuestras producciones multimillonarias. Al ver obras como ésta, uno sólo puede imaginarse dónde estaremos dentro de otros cien años, hacia dónde trascenderá este medio y cómo nos definirá.
El cine se afianzó realmente durante el impulso del Kinetoscopio de Thomas Edison y el Cinematógrafo de los hermanos Lumiere. Estos dos inventos impulsaron lo que en su momento era sólo una novedad y ayudaron a crear los cimientos de nuestra industria actual. El Kinetoscopio se inventó por primera vez y era un dispositivo de exhibición de imágenes en movimiento para una sola persona; no era un proyector de cine, pero introdujo el enfoque básico que se convertiría en el estándar para toda la proyección cinematográfica antes de la llegada del vídeo, al crear la ilusión de movimiento transportando una tira de película perforada con imágenes secuenciales sobre una fuente de luz con un obturador de alta velocidad.
La familia Lumiere ya era un gigante en la industria de la fotografía y se enteró de lo que Edison y su equipo estaban haciendo en Estados Unidos. Debido a su ubicación en Europa, decidieron tomar su concepto, pero querían poder presentar una imagen en movimiento a varias personas a la vez. Crearon una máquina que no sólo podía capturar una imagen en movimiento, sino que era capaz de imprimirla y proyectarla para un público más amplio. Lo sorprendente es que su invento sería aproximadamente ¼ del tamaño del de Edison y establecería una necesidad comercial para su producto.
Las primeras películas de los hermanos Lumiere
Debido a la naturaleza compacta de su cámara, abrió nuevas formas de componer tomas, así como formas de mover la cámara. Los cineastas llevaron esta cámara por todo el mundo y transportaron al público a lugares que en ese momento la gente nunca había visto. Era electrizante y la cantidad de películas producidas a lo largo de los años por los hermanos Lumiere se contaba por miles. Ellos elaboraron los primeros planos de cómo debía contarse una historia utilizando este nuevo medio. Durante un período de la historia del cine, éste se convirtió en el instrumento estándar para realizar el trabajo.
Si quieres saber más sobre los Hermanos Lumiere, echa un vistazo a estos dos podcasts de Tracy V. Wilson y Holly Frey en Things You Missed In History Class:
Los Hermanos Lumiere, Parte 1:
Los hermanos Lumiere, parte 2:
LOS AÑOS DEL SILENCIO
¡A medida que avanzaban los años 1900, el cine se convirtió en la forma de arte del siglo XX a batir! Las productoras surgieron de la nada, entraron en escena nuevos cineastas y nacieron las celebridades. De 1910 a 1927 fueron los años de las películas narrativas mudas estructuradas -llamadas «películas de varios rollos» (que pronto se llamarían largometrajes)- que se convirtieron en la norma para el público de todo el mundo. El medio pronto se equiparó a los espectáculos teatrales y fue una salida para adaptar las novelas a la gran pantalla. En 1916 había más de 21.000 salas de cine sólo en Estados Unidos.
Durante cerca de dos décadas, el cine mudo atravesó los altibajos de la propaganda de la Primera Guerra Mundial, floreció en los países europeos y, a continuación, se inició una nueva evolución del cine…
ERA DEL SONIDO ANTES DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL
Con la popularidad comercial y cultural casi instantánea del cine entre el público de todo el mundo, se hizo evidente la necesidad de algo nuevo tras casi dos décadas de éxito con las películas mudas. En 1900, tuvo lugar en París la primera exhibición pública conocida de películas sonoras sincronizadas proyectadas. Esta fue la primera base de lo que nos acostumbraríamos en el siglo XXI.
Borde de una copia de película de 35 mm que muestra las bandas sonoras. La tira más externa (a la izquierda de la imagen) contiene la pista SDDS como imagen de una señal digital; la siguiente contiene las perforaciones utilizadas para conducir la película a través del proyector, con la pista Dolby Digital, las áreas grises con el logotipo Dolby Double-D, entre ellas. Las dos pistas de la banda sonora analógica de la siguiente tira son bilaterales de área variable, donde la amplitud se representa como una forma de onda. Por lo general, se codifican utilizando la matriz Dolby Stereo para simular cuatro pistas. Por último, en el extremo derecho, se ve el código de tiempo utilizado para sincronizar con un CD-ROM la banda sonora DTS.
En 1919, el inventor estadounidense Lee Dee Forest solicitó varias patentes que allanarían el camino hacia la primera tecnología de sonido óptico sobre película. Estos nuevos avances se aplicarían a un entorno comercial.
Con un mayor desarrollo en 1923, se presentó al público la primera proyección comercial de un cortometraje con «sonido sobre película». Cuando se introdujeron las películas sonoras con diálogos sincronizados, se acuñó inmediatamente el nombre de «películas sonoras» o «talkies». Al principio se utilizaron exclusivamente en el ámbito de los cortometrajes y los largometrajes tardaron en adoptar esta tecnología.
Hasta octubre de 1927 no llegó al mercado el primer largometraje que utilizaba esta tecnología. Fue la producción de Warner Bros. Pictures, The Jazz Singer. Fue un gran éxito de público en todo el país y se realizó con Vitaphone, que en aquel momento era la marca líder en tecnología de sonido en disco.
A medida que crecía la demanda de «talkies» por parte del público, el sistema de estudios se dio cuenta de que esto había llegado para quedarse y tenían que seguir el ejemplo. En la década de 1930, las películas habladas eran un fenómeno mundial y ayudaron a asegurar la posición de Hollywood como uno de los centros de influencia cultural y comercial más importantes del mundo.
El color y la nueva ola
El color en el cine siempre fue la dirección a la que la industria estaba tratando de llegar. La primera cinematografía en color fue mediante sistemas de color aditivo como el patentado por Edward Raymour Turner en 1899 y probado en 1902. El primer sistema de color aditivo de éxito comercial fue Kinemacolor. Era un sistema simplificado que utilizaba una película en blanco y negro para la fotografía y luego proyectaba dos o más imágenes de componentes a través de diferentes filtros de color. El proceso floreció entre 1908 y 1913.
Alrededor de 1920, se desarrollaron los primeros procesos prácticos de color sustractivo y se introdujeron en la industria. Al igual que el Kinemacolor, también utilizaba la película en blanco y negro para fotografiar múltiples imágenes de origen filtradas en color y el producto final era una impresión multicolor que no requería un equipo de proyección especial.
En 1932, el mayor avance en la película en color fue la introducción del proceso Technicolor de tres bandas. El Technicolor se remonta a 1916 y fue mejorado a lo largo de varias décadas. Se convirtió en el segundo proceso de color más importante, por detrás del Kinemacolor, y se utilizó principalmente en la producción de Hollywood desde 1922 hasta 1952. El Technicolor era conocido por su aspecto hermoso y único. Su color altamente saturado se convirtió en el aspecto nostálgico que el público quería ver. El Technicolor se utilizó habitualmente en películas como El mago de Oz (1939), Lo que el viento se llevó (1939) y en películas de animación como Blancanieves y los siete enanitos (1937).
En 1932, el mayor avance en el cine en color fue la introducción del proceso Technicolor de tres bandas. El Technicolor se remonta a 1916 y fue mejorado durante varias décadas. Se convirtió en el segundo proceso de color más importante, por detrás del Kinemacolor, y se utilizó principalmente en la producción de Hollywood desde 1922 hasta 1952. El Technicolor era conocido por su aspecto hermoso y único. Su color altamente saturado se convirtió en el aspecto nostálgico que el público quería ver. El Technicolor se utilizó habitualmente en películas como El mago de Oz (1939), Lo que el viento se llevó (1939) y en películas de animación como Blancanieves y los siete enanitos (1937).
El color en el cine continuó creciendo en popularidad hasta convertirse en la norma para las películas. En el siglo XXI, es raro que tengamos una película completa en blanco y negro. El color se ha hecho un hueco en nuestras mentes como espectadores y ha llegado para quedarse.
LA IMPORTANCIA DEL CINE
Entonces, ¿por qué estoy repasando la historia de esto? Seguramente has escuchado algo de ella, entonces ¿cómo se traduce esto en la importancia del cine? Bueno, digámoslo así… el cine es el medio original. Es lo que los grandes utilizaron durante más de 100 años y, por las razones que sean, ha sido relegado por el digital.
El digital es ahora el rey de la colina, pero ¿es algo bueno? No es ni bueno ni malo. Hemos abierto las puertas a una nueva generación de cineastas que nunca habrían podido obtener una película. Hemos dado voz a personas que potencialmente nunca habrían podido expresarse. El medio digital es la herramienta que necesitamos para abrir la industria a los que quieren participar. Nos ha ayudado a entender una forma diferente de hacer películas y siempre es estupendo tener «opciones» a la hora de hacer películas.
Bueno, tomémonos un segundo para hablar de esas «opciones»…
En 2014, una de las empresas de cine en negativo en color de toda la vida cerró su producción de películas. Eso era Fujifilm, el fabricante de ETERNA, y lo que algunos consideran un hermoso competidor de Kodak. Ahora nos quedamos con un material descatalogado con el que potencialmente nunca tendremos la oportunidad de volver a rodar.
Entonces, ¿por qué es un problema? El problema es que hemos perdido una «opción» para el rodaje. El único negativo de color que queda es la línea Kodak Vision3 y Wittner Agfachrome 200D para la inversión de color. A excepción de algunas pequeñas marcas experimentales, esto es todo lo que nos queda para la película en color. Oh, me olvidé de mencionar que Kodak se declaró en bancarrota en 2012 y casi perdimos eso también…
Mi problema con el digital es que ha permitido que las masas se olviden fácilmente de lo que es la «película», su papel en cómo el cine llegó a ser hasta ahora, y lo que ha representado. En menos de una década, el cine estuvo a punto de morir a patadas. Si no fuera porque un grupo de élites de Hollywood se unió, habríamos perdido un medio, una forma de arte y una manera de pensar.
Aquí están las opiniones de algunos cineastas sobre el cine:
Hoyte van Hoytema (Tinker Tailor Soldier Spy, Interstellar, Her)
El debate en sí es estúpido, ¿sabes? Una de las peores cosas ha sido el debate, porque asume que hay un «mejor» y un «peor», que hay un «ganador» y un «perdedor». Yo no lo veo así en absoluto. Esa polarización y presentación de que hay algo mejor y algo peor es simplemente ridícula. Cualquiera puede dar una razón de por qué algo es bueno o malo en un sentido técnico. Pero la razón por la que cineastas como Christopher Nolan ruedan en película, no tiene nada que ver con «mejor» o «peor». Sólo tiene que ver con un gusto muy personal. Todo el mundo quiere un tipo de lienzo diferente. A algunas personas les gusta pintar con pintura al óleo y a otras les gusta pintar con pintura acrílica y a otras les gusta pintar con mierda de vaca, ¿sabes? Toda esa discusión es inútil, y lo único que ha provocado esa discusión es que la gente que no sabe nada del tema empiece a presionar por un formato. Un formato que poco a poco se va quedando obsoleto y que aleja a mucha gente de esa opción en el futuro, lo cual es muy triste, porque creo que esa opción debería estar disponible para gente como Chris o Quentin Tarantino o Scorsese o Spielberg, quien sea, o Paul Thomas Anderson. Sus elecciones en cuanto a la forma de rodar no son siempre una elección técnica.
(«‘Interstellar’ cinematógrafo sobre la base de la película de Nolan y el rodaje de Bond en la película»)
Martin Scorsese (Goodfellas, Casino, The Departed)
Tenemos muchos nombres para lo que hacemos: cine, películas, películas. Y… película. Nos llaman directores, pero más a menudo nos llaman cineastas. Cineastas. No estoy sugiriendo que ignoremos lo obvio: la alta definición no viene, está aquí. Las ventajas son numerosas: las cámaras son más ligeras, es mucho más fácil rodar de noche, disponemos de muchos más medios para modificar y perfeccionar nuestras imágenes. Además, las cámaras son más asequibles: ahora se pueden hacer películas por muy poco dinero. Incluso los que todavía rodamos en película terminamos en HD, y nuestras películas se proyectan en HD. Así que podríamos estar fácilmente de acuerdo en que el futuro está aquí, que la película es engorrosa e imperfecta y difícil de transportar y propensa al desgaste y la decadencia, y que es hora de olvidar el pasado y decir adiós… realmente, eso podría hacerse fácilmente. Demasiado fácilmente.
Parece que siempre se nos recuerda que el cine es, después de todo, un negocio. Pero el cine también es una forma de arte, y los jóvenes que se sienten impulsados a hacer películas deberían tener acceso a las herramientas y los materiales que fueron los cimientos de esa forma de arte. ¿Se le ocurriría a alguien decir a los jóvenes artistas que tiren sus pinturas y lienzos porque los iPads son mucho más fáciles de llevar? Por supuesto que no. En la historia del cine, sólo un porcentaje minúsculo de las obras que componen nuestra forma de arte no se ha rodado en película. Todo lo que hacemos en HD es un esfuerzo por recrear el aspecto del cine. El cine, incluso ahora, ofrece una paleta visual más rica que la alta definición. Además, tenemos que recordar que la película sigue siendo la mejor y única forma de preservar las películas. No tenemos ninguna garantía de que la información digital vaya a durar, pero sabemos que la película sí lo hará, si se almacena y se cuida adecuadamente.
Nuestra industria, nuestros cineastas, se unieron a Kodak porque sabíamos que no podíamos permitirnos el lujo de perderla, como hemos perdido tantas otras películas. Esta noticia es un paso positivo hacia la preservación de la película, la forma de arte que amamos.
(«Martin Scorsese escribe una carta de apoyo a Kodak y a los soportes de película»)
Muchos de los cineastas a los que admiramos hoy en día tienen su opinión al respecto. La guerra continúa con el debate «película vs. digital», pero ese no es el punto al que quiero llegar. Se trata de la importancia de mantener tantas opciones como sea posible. Cuantas menos opciones tengamos, menos formas de expresarnos vamos a tener. Como cineasta, sé que no quiero estar atado creativamente debido a productos descatalogados.
EL FUTURO DEL CINE
A medida que avanzamos en el camino de la digitalización del resto del mundo, veo un futuro brillante para el cine. En los últimos dos años hemos visto un resurgimiento de la «película» en la industria y el interés de un grupo demográfico más joven. Kodak ha escapado de las garras de una muerte casi segura y ya no está en quiebra. Cada vez son más los largometrajes que optan por rodar completamente en película o por un enfoque híbrido con el digital. Las producciones independientes desean un aspecto vintage y nostálgico y buscan equipos que sepan trabajar con este medio. Cada vez son más las películas que incorporan proyecciones en película y el público que acude a disfrutar de ellas
Estamos creando un mundo en el que AMBOS medios pueden convivir y trabajar juntos. Este es el futuro que veo y acaba de llegar. Con la apertura de nuevos laboratorios de procesado por parte de Kodak en EE.UU. y el Reino Unido, así como el restablecimiento de Ektachrome, espero que esto suponga una oportunidad para que Arri y Panavision anuncien una nueva cámara de cine. A medida que los directores y los directores de fotografía siguen presionando, es sólo una tendencia al alza para la película y su sostenibilidad.
Incluso Blackmagic Design, uno de los mayores fabricantes de cámaras de cine digital, también está siendo noticia en el ámbito «cinematográfico» de la industria. En los últimos dos años ha adquirido la empresa de escáneres de película Cintel y ha presentado su primer escáner de película 4K. El elegante escáner Cintel de Blackmagic Design puede colgarse en una pared y se conecta sin esfuerzo a través de Davinci Resolve. Esto crea una vía para escaneos rentables para los cineastas que buscan entrar en la puerta.
EN CONCLUSIÓN
Supongo que mi punto aquí es estudiar lo que ha venido antes que nosotros y probar las herramientas que los grandes usaron. Tanto si te quedas con la película como si decides seguir siendo completamente digital, al menos habrás probado el medio y comprenderás su importancia. Podría estar todo el día hablando de que no hay mejor sensación que la de oír rodar la película por la cámara, que no hay nada más satisfactorio que ver cómo la imagen cobra vida cuando vuelve del laboratorio. Es una experiencia mágica, pero lo que yo diga nunca te hará entenderlo, hasta que salgas y lo pruebes.
Tenemos que seguir creando formas de capturar una imagen en movimiento. Si hay nuevas formas de utilizar el vídeo de 360 grados de RV, pues añadámoslo a la caja de herramientas. Necesitamos un futuro sin limitaciones y eso comienza con nosotros preservando, no despreciando.
Una última cosa… las cámaras digitales buscan replicar la «película». Por qué no se filma en película en lugar de pretenderlo? Salgan y hagan una película!
Saludos,
Brendan Sweeney
www.brendanjsweeney.com
@brenjamessween