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La naturaleza del mundo en el que vivimos hoy en día casi necesita la fusión – una fusión de estilos o ideas distintas en una entidad única. Desde la cocina asiática de fusión hasta la música country de fusión, nuestra cultura se nutre de la combinación de cosas que no necesariamente van juntas. En el mundo de la danza no es diferente. Aunque la fusión de estilos de danza puede ser interesante, puede dificultar la colocación correcta de las rutinas en las categorías de la competición. Los géneros de danza lírica y contemporánea pueden ser increíblemente confusos debido a sus similitudes, por lo que hoy estamos reuniendo las opiniones de los jueces y profesores de la IDA Jen Garaffa, Mary Roberts, Miranda Spada y Max Vasapoli para aclarar cualquier duda que los profesores y coreógrafos puedan tener con respecto a los dos estilos.
Danza contemporánea
Saliendo directamente del programa MFA de la Universidad Estatal de Florida, Mary Roberts considera que la danza contemporánea es «un vehículo de investigación para diseccionar, analizar e interpretar lo que la danza y el movimiento están diciendo y creando culturalmente». La danza contemporánea sigue el linaje de la danza moderna y busca cuestionar y desmantelar las formas de danza anteriores». A menudo, en los concursos de danza, esta explicación más académica puede perderse; sin embargo, es increíblemente importante recordar que la danza contemporánea surgió de las técnicas del ballet, el jazz y el moderno, este último antecesor directo de la danza contemporánea. No tendríamos contemporáneo si no fuera por los pioneros del moderno y el jazz, que buscaron romper los moldes y las expectativas de la danza de ballet tradicional.
Miranda Spada añade: «La danza contemporánea hace mucho hincapié en la comprensión de la música, el ritmo, el espacio que rodea al bailarín y en cómo tomar las líneas técnicas clásicas y hacerlas diferentes. La danza contemporánea tiende a basarse en lo más vanguardista, y puede incluir temas e ideas frente a una historia clara y concisa. Se explora la danza conceptualizada, en la que un bailarín y/o coreógrafo toma una técnica de danza como los niveles, el espacio, los acentos, los patrones, el fraseo, y la utiliza para desarrollar una pieza en lugar de basarse en un tema o idea preconcebida». Menos sobre una historia o narrativa, la danza contemporánea busca no necesariamente entretener, sino educar, provocar y explorar diferentes movimientos.
Cuando coloques tus rutinas en la categoría contemporánea en la competición, debes considerar las siguientes preguntas: ¿está esta pieza centrada en el bailarín? Es decir, ¿he permitido a este bailarín un nivel de exploración personal dentro del movimiento, a través de los medios de improvisación? ¿Existe un tema visual o interno específico que siga esta pieza? ¿He incluido líneas clásicas, pero las he distorsionado de una manera nueva y diferente? ¿Utiliza esta rutina técnicas del programa de modernidad y ballet?
Danza lírica
La danza lírica comenzó como una rama de la danza de jazz, y se denominó originalmente «jazz lírico» por esa razón. Max Vasapoli define la danza lírica como «una combinación de la técnica del ballet y la fluidez de la danza jazz». Un rasgo único de la danza lírica es la conexión emocional y la narración de historias que cobran vida gracias a las letras de las canciones. El movimiento puede ser coreografiado según la interpretación vocal de una canción, no sólo el ritmo».
Con una definición similar, Mary Roberts está de acuerdo y añade: «La danza lírica se da típicamente de coreógrafo a bailarín, con la expectativa de que el bailarín se comprometa con la coreografía tal y como está establecida, pero añadiendo aliento y alma al movimiento desde la interpretación del bailarín. La danza lírica, ya sea en cruceros, en conciertos o en competiciones, se interpreta como una forma de danza de entretenimiento, creada para conectar con el público de una manera específica». El punto importante que hay que recordar sobre la danza lírica, tal y como la conocemos hoy en día, es que busca conectar y entretener a través de un argumento claro a la vez que utiliza elementos de la técnica del ballet y del jazz.
Cuando coloques tus rutinas en la categoría lírica, hazte las siguientes preguntas: ¿esta rutina cuenta una historia que sigue la letra de la música? ¿Mi coreografía requiere que el bailarín la repita exactamente igual en cada actuación? ¿He utilizado elementos de la técnica del ballet y del jazz en la coreografía? ¿Las líneas e imágenes que he creado reflejan claramente la emoción de la pieza?
Como jueces, es increíblemente difícil juzgar una rutina con precisión si no está situada en la categoría correcta. Jen Garaffa afirma: «En lugar de disfrutar del trabajo que hay, los jueces pasan el tiempo intentando averiguar cómo puntuar con justicia algo para lo que no estaban preparados. Imagínate que vas al cine preparado para ver una gran comedia romántica y en su lugar aparece un documental sobre comida: te lleva un tiempo ajustar tu cerebro para estar abierto a eso. Un juez sólo tiene 3 minutos en total para adaptarse, absorber y reaccionar. Si te mantienes fiel al estilo y al género, permite a los jueces disfrutar del trabajo y ofrecer un gran feedback a los bailarines.»
Como coreógrafos, pueden ayudarnos a ayudarles colocando sus rutinas correctamente. Miranda Spada añade: «La danza contemporánea y la lírica se confunden a menudo porque no mucha gente tiene su propia definición personal de cada estilo. Cada coreógrafo y creador ha imprimido su propio tipo de danza contemporánea y nosotros, como sociedad, intentamos encontrar las zonas blancas y negras de ambas. Cuanto más se integra en esta generación de bailarines, más vemos que las danzas líricas compiten en una categoría contemporánea; sólo para decir que lo son, porque la idea de ello suena más difícil, o porque necesitan una categoría extra para colocar una rutina». La categoría abierta existe por esta razón: si tienes una pieza que difumina las líneas de estilo, es el lugar perfecto para introducir la rutina.
Como seres humanos, anhelamos las categorías: nos ayudan a dar sentido al mundo que nos rodea. Cuando esas categorías comienzan a entrelazarse, nosotros, como educadores de danza, debemos equilibrar la fina línea que separa la pérdida de la integridad de una técnica de la posibilidad de desarrollar un estilo.
Max Vasapoli lo expresa muy bien cuando dice: «La fusión de estilos permite que la danza siga evolucionando. Sin embargo, el criterio de las competiciones de danza dicta la diferenciación. Aprender las sutiles diferencias entre los estilos es una herramienta importante para que los bailarines se conviertan en intérpretes y colaboradores más fuertes. Uno de los muchos valores de la educación en danza es aprender cómo se «sienten» los diferentes estilos al bailar a través de la memoria muscular. Conceptos y temas similares unen a los dos estilos, pero sus intenciones son intrínsecamente únicas»
Fotos: «Contemporáneo» – Bailarina: Jennilee Paez/Rising Stars Dance Academy. Coreógrafa – Juez de la IDA Jackie Nowicki – proporcionada por ASH
«Lírica» – Bailarina: Gabriella Papa/American Dance Academy. Coreógrafo: Kailee Combs & Juez IDA Jessica Olinik – proporcionado por ASH