Som filmskabere skylder vi vores passion til pionererne inden for film og fotografi, og derefter til de filmskabere, der fulgte efter. Jeg tror på at se tilbage for at innovere og bevæge sig fremad, for at blive inspireret og FOR at inspirere. Jeg tager min inspiration med mig, uanset hvor jeg går hen, uanset hvor jeg arbejder, og jeg giver min inspiration videre til dem omkring mig på settet og i mit HA Team.
I dagens indlæg vil jeg gerne præsentere jer alle for en spirende filmskaber i sin egen ret, som har været en del af vores HA Team og har gjort sig et navn som filmskaber i de sidste par år, Brendan Sweeney. Han kommer fra Pittsburgh, men det vil jeg ikke lægge ham til last! Ha ha! Han kom til Los Angeles for at forfølge sin drøm, og han bringer sin kreativitet og passion for film – især old school film – til vores hovedkvarter hver dag, og det takker vi ham for! Hans seneste film “Impossibility:Possibility” Og nu vil han dele sin passion med jer alle sammen, og hvor filmen begyndte. Han elsker at tale om og dele filmens historie, og det er så vigtigt at huske, hvor vi har været, så vi kan skabe nye veje for, hvor vi skal hen.
Take it away Sweeney!
Fotografisk film er en strimmel eller et ark af gennemsigtig plastfilmbase, der på den ene side er belagt med en gelatineemulsion indeholdende mikroskopisk små lysfølsomme sølvhalogenidkrystaller. Størrelsen og andre egenskaber ved krystallerne bestemmer filmens følsomhed, kontrast og opløsning. (Karlheinz Keller et al. “Photography” i Ullmann’s Encyclopedia of Industrial Chemistry, 2005, Wiley-VCH, Weinheim.)
Så vent, hvor er en sensor? Hvad med 1’er og 0’er? Hvordan kan jeg se, hvad jeg optager? Kan jeg kontrollere min eksponering med falske farver?
De fleste af jer husker sikkert filmens dage, i det mindste i fotografisk forstand. På et tidspunkt i vores branche var brugen af celluloidfilm den eneste mulighed for vores projekter. Det var ikke et valg af typen af billedsensor, det var et valg af typen af film. Film var den “billedsensor”, den kemiske proces, som indeholdt dine billeder. Valget bestod i, hvilket filmmateriale du ville bruge til at fortælle dine historier, og hvilke objektiver du ville kombinere med det. Tingene lå ikke umiddelbart foran dig, som de gør i dag i den digitale verden. Der var ingen skærme til at kontrollere fokus eller IRE-niveauer. Det var en verden, hvor man kiggede gennem linsen ved hjælp af en optisk søger og så scenen i dens uforandrede perspektiv.
Dette var filmens dage … En verden, hvor filmfotografen kunne være ét med kameraet, og ingen producent nogensinde kunne sætte spørgsmålstegn ved, hvad han eller hun lavede. Det var et mentalt spil, en tid med ægte previsualisering og hvor man satte sine evner på prøve.
Så hvorfor taler jeg så godt om film? Jo, før jeg kommer ind på min personlige kærlighed til film – lad os diskutere dens historie og dens betydning for den industri, vi arbejder i i dag.
Et kort kig ind i fortiden
Den første offentligt tilgængelige fotografiske film blev kaldt Daguerreotype. Denne film blev først introduceret i 1839 af Louis-Jacques-Mandé Daguerre og holdt markedet i omkring 20 år, indtil der blev udviklet nyere/billigere metoder til fotografering. I 1850’erne blev glaspladefotografering standard for de fleste kameraer på området. Med en bedre optisk kvalitet end de tidlige transparente plasttyper og Daguerreotype blev dette den bedste metode for fotograferne, indtil George Eastman trådte ind på scenen. I 1885 introducerede George den første “fleksible fotografiske rullefilm”, men denne film var i virkeligheden papir med en belægning på. Den første gennemsigtige plastrulle kom på markedet i 1889 og var fremstillet af letantændelig nitrocellulose-“celluloid” eller nu kendt som “nitratfilm”. Dette er det stof, som alle har hørt om i filmhistorien, og hvordan det ville brænde!
Det var her Eastman Kodak Company blev den institution, der førte an i bevægelsen inden for fotografisk film, og hvordan det skulle foregå i fotografiet. Alle har i det mindste hørt om Kodak og deres lange historie inden for filmfilm. For mig er de en af de største amerikanske virksomheder, der nogensinde har eksisteret!
DEN FØDSEL AF EN INDUSTRI
Okay, lad os begynde at diskutere, hvordan fotografisk film blev samlet op og placeret i indstillingen af filmfilm. Den ældste optegnede kortfilm stammer fra 1888 og hedder Roundhay Garden Scene.
“Roundhay Garden Scene”
Denne korte scene blev optaget af opfinderen Louis Le Prince. Filmen blev optaget på stedet i Oakwood Grange i Roundhay i Leeds og menes at være den ældste bevarede film, der findes. Med sit sorte & hvide, rå look – det er utroligt at se, hvor langt vi er kommet fra vores ydmyge begyndelse i håndværket til vores produktioner, der nu koster flere millioner dollars. Når man ser værker som dette, kan man kun forestille sig, hvor vi vil være om yderligere hundrede år, hvor dette medie vil udvikle sig hen, og hvordan det vil definere os.
Filmen fik for alvor fodfæste under fremstødet fra Thomas Edisons Kinetoskop og brødrene Lumieres Cinematograf. Disse to opfindelser satte skub i det, der dengang blot var en nyhed, og var med til at skabe grundlaget for vores industri i dag. Kinetoskopet blev først opfundet og var en enkeltpersons fremvisningsanordning til bevægelige billeder – det var ikke en filmprojektor, men introducerede den grundlæggende fremgangsmåde, der skulle blive standard for al filmfremvisning før videoens fremkomst ved at skabe illusionen af bevægelse ved at overføre en strimmel perforeret film med sekventielle billeder over en lyskilde med en lukker med høj hastighed.
Lumiere-familien var allerede en gigant inden for fotografibranchen og fik nys om, hvad Edison og hans hold var i gang med i USA. På grund af deres europæiske beliggenhed besluttede de sig for at tage hans koncept til sig, men ønskede at kunne præsentere et bevægeligt billede for flere personer på én gang. De udviklede en maskine, der ikke blot kunne optage et bevægeligt billede, men som også kunne udskrive og projicere det til et større publikum. Det utrolige er, at deres opfindelse ville være ca. ¼ så stor som Edisons, og at de ville skabe et kommercielt behov for deres produkt.
Brødrene Lumieres tidlige film
Da deres kamera var så kompakt, åbnede det nye måder for folk at komponere optagelser på – og også måder at flytte kameraet på. Filmfolk bragte dette kamera over hele verden og transporterede publikum til steder, som folk på det tidspunkt aldrig havde set før. Det var elektrificerende, og antallet af film, som brødrene Lumiere producerede i årenes løb, var i tusindvis! De udarbejdede de tidlige tegninger for, hvordan en historie skulle fortælles ved hjælp af dette nye medie. I en periode i filmens historie blev dette det standardinstrument til at få arbejdet gjort.
Hvis du vil lære mere om Lumiere-brødrene, kan du tjekke disse to podcasts af Tracy V. Wilson og Holly Frey på Things You Missed In History Class:
The Lumiere Brothers, Part 1:
The Lumiere Brothers, Part 2:
THE SILENT YEARS
Som årene skred frem i 1900-tallet, blev filmproduktion den kunstform, der skulle slås i det 20. århundrede! Produktionsselskaber sprang ud af jorden, nye filmskabere kom ind på scenen, og berømtheder blev født. 1910-1927 var årene med strukturerede stumme fortællende film – kaldet “Multiple-Reel Films” (som snart blev kaldt spillefilm) – som blev normen for publikum over hele verden. Mediet blev snart ligestillet med teaterforestillinger og var en mulighed for at tilpasse romaner til det store lærred. I 1916 var der mere end 21.000 biografer alene i USA.
I omkring to årtier gennemgik stumfilm op- og nedture i forbindelse med propagandaen under 1. verdenskrig, blomstrede i de europæiske lande, og derefter indvarslede en ny udvikling af filmen…
PRE-WORLD WAR II SOUND ERA
Med filmens næsten øjeblikkelige kommercielle og kulturelle popularitet hos publikum over hele verden blev det klart, at vi havde brug for noget nyt efter næsten to årtiers succes med stumfilm. I 1900 fandt den første kendte offentlige fremvisning af projicerede synkroniserede lydfilm sted i Paris. Dette var det tidlige grundlag for det, som vi ville blive vant til i det 21. århundrede.
Kant af et 35 mm filmprint, der viser lydsporene. Den yderste strimmel (til venstre i billedet) indeholder SDDS-sporet som et billede af et digitalt signal; den næste indeholder de perforeringer, der blev brugt til at drive filmen gennem projektoren, med Dolby Digital-sporet, de grå områder med Dolby Double-D-logoet, mellem dem. De to spor af det analoge lydspor på den næste strimmel er bilaterale variable områder, hvor amplituden er repræsenteret som en bølgeform. Disse er generelt kodet ved hjælp af Dolby Stereo matrixing for at simulere fire spor. Endelig ses yderst til højre den timecode, der bruges til at synkronisere med en DTS soundtrack CD-ROM.
I 1919 ansøgte den amerikanske opfinder Lee Dee Forest om flere patenter, der skulle bane vejen for den første optiske lyd på film-teknologi. Disse nye fremskridt ville blive anvendt i en kommerciel sammenhæng.
Med yderligere udvikling i 1923 blev publikum præsenteret for den første kommercielle visning af en kortfilm med “lyd på film”. Da lydfilm med synkroniseret dialog blev introduceret, blev det straks betegnet som “talking pictures” eller “talkies”. I første omgang blev de udelukkende brugt til kortfilm, og det tog et stykke tid, før spillefilm fik fat i denne teknologi.
Det tog indtil oktober 1927, før den første spillefilm, der benyttede denne teknologi, kom på markedet. Det var Warner Bros. Pictures’ produktion The Jazz Singer. Den blev et stort hit blandt publikum i hele landet og blev produceret med Vitaphone, som på det tidspunkt var det førende mærke inden for lyd på skive-teknologi.
Da publikums efterspørgsel efter “talkies” voksede, blev det klart for studieteknikerne, at dette var kommet for at blive, og de måtte følge trop. I 1930’erne var talkies et globalt fænomen og var med til at sikre Hollywoods position som et af verdens vigtigste kulturelle/kommercielle indflydelsescentre.
FARVE OG DEN NYE VØLGE
Farve i spillefilm har altid været den retning, som industrien forsøgte at komme hen imod. Den første farvefilm var ved hjælp af additive farvesystemer som det, der blev patenteret af Edward Raymour Turner i 1899 og afprøvet i 1902. Det første kommercielt vellykkede additive farvesystem var Kinemacolor. Det var et forenklet system, der brugte sort-hvid film til fotografering og derefter projicerede to eller flere komponentbilleder gennem forskellige farvefiltre. Processen blomstrede mellem 1908 og 1913.
Omkring 1920 blev de første praktiske subtraktive farveprocesser udviklet og introduceret i industrien. Ligesom Kinemacolor benyttede den også sort-hvid film til at fotografere flere farvefiltrerede kildebilleder, og slutproduktet var et flerfarvet print, der ikke krævede noget særligt projektionsudstyr.
I 1932 var det største fremskridt inden for farvefilm introduktionen af Technicolor-processen med tre striber. Technicolor daterede sig først tilbage til 1916 og blev forbedret over flere årtier. Den blev den næststørste farveproces efter Kinemacolor og blev mest brugt i Hollywood-produktioner fra 1922 til 1952. Technicolor var kendt for sit smukke, unikke udseende. Dens stærkt mættede farver blev vores nu nostalgiske udseende, som publikum ønskede at se. Technicolor blev ofte brugt i film som Troldmanden fra Oz (1939), Borte med blæsten (1939) og i animationsfilm som Snehvide og de syv dværge (1937).
I 1932 var det største fremskridt inden for farvefilm introduktionen af tre-stribe Technicolor-processen. Technicolor daterede sig først tilbage til 1916 og blev forbedret over flere årtier. Den blev den næststørste farveproces efter Kinemacolor og blev mest brugt i Hollywood-produktioner fra 1922 til 1952. Technicolor var kendt for sit smukke, unikke udseende. Dens stærkt mættede farver blev vores nu nostalgiske udseende, som publikum ønskede at se. Technicolor blev almindeligvis brugt i film som Troldmanden fra Oz (1939), Borte med blæsten (1939) og i animationsfilm som Snehvide og de syv dværge (1937).
Farve i spillefilm fortsatte med at vokse i popularitet, indtil det blev normen for spillefilm. I det 21. århundrede er det sjældent, at vi får en komplet sort-hvid film. Farve har skåret sin plads ind i vores bevidsthed som publikum, og den er kommet for at blive.
FILMENS VIGTIGT
Så hvorfor gennemgår jeg historien om dette? Du har sikkert hørt noget af det, så hvordan kan det oversættes til filmens betydning? Tja, lad os sige det på denne måde … film er det oprindelige medie. Det er det, som de store har brugt i over 100+ år, og af en eller anden grund – det er blevet forvist på grund af det digitale.
Digitalt er nu kongen af bakken, men er det en god ting? Det er hverken godt eller skidt! Vi har åbnet sluserne for en ny generation af filmskabere, som aldrig ville have været i stand til at få film. Vi har givet folk en stemme, som potentielt aldrig ville have været i stand til at udtrykke sig før. Det digitale medie er det værktøj, som vi har brug for til at åbne branchen for dem, der ønsker at deltage. Det har hjulpet os til at forstå en anden måde at lave film på, og det er altid godt at have “muligheder”, når man laver film.
Nå, men lad os tage et øjeblik til at tale om disse “muligheder”…
I 2014 fik vi et af de gamle farvenegativfilmfirmaer til at lukke sin produktion af film ned. Det var Fujifilm, producenten af ETERNA, og hvad nogle anser for at være en smuk konkurrent til Kodak. Nu står vi tilbage med et udgået lager, som vi potentielt aldrig får mulighed for at fotografere med igen.
Så hvorfor er dette et problem? Problemet er, at vi har mistet en “mulighed” for at lave film. Det eneste tilbageværende farvenegativ, der er tilbage, er Kodak Vision3-serien og Wittner Agfachrome 200D til farveomvending. Med undtagelse af nogle små eksperimenterende film er dette ALT, hvad vi har tilbage af farvefilm. Åh, glemte jeg at nævne, at Kodak indgav konkursbegæring i 2012, og at vi næsten også mistede den…
Mit problem med det digitale er, at det har gjort det muligt for masserne let at glemme, hvad “film” er, dens rolle i, hvordan filmproduktion kom til at være indtil nu, og hvad den har stået for. På mindre end et årti blev film næsten sparket ihjel. Hvis det ikke var for en gruppe Hollywood-eliter, der gik sammen, ville vi potentielt have mistet et medie, en kunstform og en måde at tænke på.
Her er, hvad nogle filmskabere har at sige om film:
Hoyte van Hoytema (Tinker Tailor Soldier Spy, Interstellar, Her)
Debatten i sig selv er bare dum, forstår du? En af de værste ting har været debatten, fordi den forudsætter, at der er et “bedre” og et “værre”, at der er en “vinder” og en “taber”. Det er slet ikke sådan, jeg ser på det. Denne polarisering og præsentation af, at der er noget bedre og noget værre, er bare latterlig. Enhver kan give en grund til, hvorfor noget er godt eller dårligt i teknisk forstand. Men grunden til, at filmskabere som Christopher Nolan optager på film, har intet at gøre med “bedre” eller “dårligere”. Det har bare noget at gøre med meget personlig smag. Alle ønsker en anden slags lærred. Nogle mennesker kan lide at male med oliemaling, og andre kan lide at male med akrylmaling, og andre kan lide at male med ko-lort, forstår du? Hele den diskussion er nytteløs, og det eneste, den diskussion har fremkaldt, er, at folk, der ikke ved noget om det, begynder at lobbye for et format. Et format bliver bare langsomt forældet og holder en masse mennesker fra det valg i fremtiden, hvilket er meget trist, for jeg synes, at folk som Chris eller Quentin Tarantino eller Scorsese eller Spielberg, hvem som helst, eller Paul Thomas Anderson bør have det valg. Deres valg af, hvorfor de tager film, er ikke altid et teknisk valg.
(“‘Interstellar’ cinematographer on grounding Nolan’s movie and shooting Bond on film”)
Martin Scorsese (Goodfellas, Casino, The Departed)
Vi har mange navne for det, vi laver – biograf, film, motion pictures. Og … film. Vi bliver kaldt instruktører, men oftere bliver vi kaldt filmskabere. Filmfolk. Jeg foreslår ikke, at vi ignorerer det indlysende: HD er ikke på vej, det er her. Fordelene er mange: kameraerne er lettere, det er meget lettere at optage om natten, vi har mange flere midler til rådighed til at ændre og perfektionere vores billeder. Og kameraerne er blevet mere overkommelige: Det er nu virkelig muligt at lave film for meget få penge. Selv de af os, der stadig optager på film, laver film i HD, og vores film bliver projiceret i HD. Så vi kunne sagtens blive enige om, at fremtiden er her, at film er besværlig og ufuldkommen og vanskelig at transportere og udsat for slitage og forfald, og at det er på tide at glemme fortiden og sige farvel – det kunne man faktisk sagtens gøre. Alt for nemt.
Det virker som om, vi hele tiden bliver mindet om, at film trods alt er en forretning. Men film er også en kunstform, og unge mennesker, der er drevet af at lave film, bør have adgang til de værktøjer og materialer, der var byggestenene i denne kunstform. Ville nogen drømme om at fortælle unge kunstnere, at de skal smide deres maling og lærreder væk, fordi iPads er så meget nemmere at have med sig? Selvfølgelig ikke. I filmens historie er det kun en meget lille procentdel af de værker, der udgør vores kunstform, der ikke er optaget på film. Alt, hvad vi laver i HD, er et forsøg på at genskabe filmens udseende. Selv nu tilbyder film en rigere visuel palet end HD. Og vi må huske på, at film stadig er den bedste og eneste måde at bevare film på, som har vist sig at være den eneste gennem tiden. Vi har ingen garanti for, at digitale oplysninger vil holde, men vi ved, at film vil holde, hvis de opbevares og plejes korrekt.
Vores branche – vores filmskabere – samledes bag Kodak, fordi vi vidste, at vi ikke havde råd til at miste dem, på samme måde som vi har mistet så mange andre filmlagre. Denne nyhed er et positivt skridt i retning af at bevare filmen, den kunstform, vi elsker.
(“Martin Scorsese Writes Letter Writes Supporting Kodak and Film Stock”)
En masse af de filmskabere, som vi ser op til i dag, har deres mening om sagen. Krigen raser fortsat med “film vs. digital”-debatten, men det er ikke det punkt, jeg vil komme ind på. Det er vigtigheden af at bevare så mange muligheder som muligt. Jo færre muligheder vi har, jo færre måder vil vi have til at udtrykke os på. Som filmskaber ved jeg, at jeg ikke ønsker at være kreativt bundet på grund af udgåede produkter.
FILMENS FREMTID
I takt med, at vi fortsætter med at digitalisere resten af verden, ser jeg en lys fremtid for film. Inden for de sidste to år har vi set en genopblomstring af “film” i branchen og interesse fra en yngre befolkningsgruppe. Kodak undslap den næsten sikre død og er ikke længere konkurs. Flere og flere filmproduktioner vælger at optage helt på film eller en hybrid tilgang med digital film. Indieproduktioner er på udkig efter et vintage, nostalgisk look og søger crews, der ved, hvordan man arbejder med dette medie. Vi ser flere og flere film, der tilføjer filmprojektioner og publikum, der kommer ud for at nyde dem!
Vi er ved at skabe en verden, hvor BEGGE medier kan leve og arbejde sammen. Det er den fremtid, jeg ser, og den er lige ved at komme. Nu hvor Kodak åbner nye udviklingslaboratorier i USA og Storbritannien og genopliver Ektachrome, håber jeg, at dette fører til en mulighed for Arri og Panavision til at annoncere et nyt filmkamera. I takt med at instruktører og filmfotografer fortsætter med at presse sig selv, er det kun en opadgående tendens for film og dens bæredygtighed.
Selv Blackmagic Design, en af de største producenter af digitale biografkameraer, skaber også overskrifter inden for branchens “film”-område. Inden for de sidste par år har de opkøbt det mangeårige filmscannerfirma Cintel og introduceret deres første 4K-filmscanner. Den slanke og elegante Blackmagic Design Cintel-scanner fra Blackmagic Design kan hænge smukt på en væg og forbindes ubesværet via Davinci Resolve. Dette skaber en mulighed for omkostningseffektive scanninger for filmskabere, der ønsker at komme ind ad døren.
I KONKLUSION
Jeg tror, at hele min pointe her er at studere, hvad der er kommet før os, og prøve de værktøjer, som de store har brugt. Uanset om du holder dig til film eller beslutter dig for at forblive helt digital, har du i det mindste prøvet mediet og forstået dets betydning. Jeg kunne ævle videre hele dagen om, at der ikke er nogen bedre følelse end at høre filmen rulle gennem kameraet, at der ikke er noget mere tilfredsstillende end at se dit billede komme til live, når det kommer tilbage fra laboratoriet. Det er en magisk oplevelse, men det vil jeg aldrig få dig til at forstå, før du selv går ud og prøver det.
Vi er nødt til fortsat at udvikle måder at indfange et bevægeligt billede på. Hvis der er nye måder at udnytte VR 360 graders video på, så lad os tilføje det til værktøjskassen. Vi har brug for en fremtid uden begrænsninger, og det begynder med, at vi bevarer og ikke ignorerer.
En sidste ting … digitale kameraer søger at efterligne “film”. Hvorfor ikke bare skyde på film i stedet for at lade som om? Gå derud og lav en film!
Hilsen,
Brendan Sweeney
www.brendanjsweeney.com
@brenjamessween