Als der Begriff „Americana“ 2011 in das renommierte Merriam-Webster-Wörterbuch aufgenommen wurde, scherzte der Geschäftsführer der Americana Music Association, Jed Hilly, dass sie T-Shirts mit dem Wort und dem Slogan „Look it up!“ verkaufen würden. „Es ist immer noch ein bisschen unauffällig“, fügte Hilly hinzu, „weil wir nicht super kommerziell sind.“
In den folgenden fünf Jahren veränderte sich die Musiklandschaft, als Americana-Musik zu einem echten Verkaufsschlager wurde. Chris Stapletons Americana-Album Traveller war das siebte meistverkaufte Album des Jahres 2016 und lag mit fast anderthalb Millionen verkauften Exemplaren nur knapp hinter den Alben der Pop-Megastars Adele, Beyoncé und Rihanna.
Merriam-Webster definiert Americana-Musik als „ein Genre der amerikanischen Musik, das seine Wurzeln in der frühen Folk- und Country-Musik hat“. Das Panorama dieser Wurzeln ist breit gefächert und umfasst Country und Western, Appalachian, Gospel, Roots-Rock, Folk, Bluegrass, R&B und Blues. Americana-Bands bestehen in der Regel aus akustischen Instrumenten, können aber auch mit einer kompletten Elektroband auftreten.
Frühe Folk- und Gospel-Musiker haben den Boden für Country- und Americana-Musik bereitet, aber einige der modernen Entwürfe stammen von der Western-Swing-Bewegung der 20er und 30er Jahre und ihrem Talisman Bob Wills, dessen eindeutig texanische Musik in den 30er Jahren landesweit populär wurde. Das Markenzeichen von Wills und seinen Texas Playboys, „San Antonio Rose“, wurde Hunderte Male gecovert, von John Denver bis Clint Eastwood. Wills hatte einen direkten Einfluss auf Willie Nelson und trug dazu bei, seine umfassende Sicht auf die Musik zu formen.
Nelson hat Wills überschwänglich Tribut gezollt und auch anerkannt, dass er einem der echten Pioniere der Musik mehr zu verdanken hat: Hank Williams. Williams, der erst 29 Jahre alt war, als er am 1. Januar 1953 starb, hat in seinem kurzen Leben so viel erreicht, darunter 29 Hits wie „Hey, Good Lookin“, „Why Don’t You Love Me?“ und „Long Gone Lonesome Blues“. Die Smithsonian Institution würdigte ihn 1999 als Leitfigur, als sie in ihrem ersten Forum über Country-Musik – A Tribute To Hank Williams – diese rätselhafte Ikone und das, was er getan hatte, um die Grundlagen der modernen Country-Musik zu schaffen, ehrte.
Wie viele Musiker der Vorkriegszeit lernte Williams in einem Kirchenchor (in Alabama) zu singen, und seine Musik vereinte die Musikstile seiner Umgebung im tiefen Süden – Western Swing, Bergmusik aus den Appalachen, Honky-Tonk, Country Blues und Gospelmusik. Aber es war seine bemerkenswerte Gabe, herzzerreißende, bekenntnishafte, erzählende Songs wie „Lovesick Blues“ zu schreiben, die ihn als äußerst talentierten Songschreiber auszeichneten.
Williams war einer der ersten amerikanischen Singer-Songwriter, der in direkten und elegischen Texten die intensiven persönlichen Gefühle, die Träume und den Herzschmerz des einfachen Volkes ausdrückte. Leonard Cohen nannte sein Songwriting „sublim“, und Bob Dylan sagte: „Hank’s songs were the archetype rules of poetic songwriting.“ Williams‘ Werk wurde von so unterschiedlichen Künstlern wie Louis Armstrong, Elvis Presley und Al Green gecovert.
Williams inspirierte Legionen von Musikern: Country-Legenden wie Johnny Cash, der ein ganzes Tribut-Album für die Ikone aufnahm; Sänger wie George Jones; kreative Kräfte wie Gram Parsons; und sogar moderne Rockstars wie Beck, Keith Richards und Tom Petty. Als Ryan Adams und seine Alt-Country-Kollegen in den 80er und 90er Jahren ihren Weg fanden, wandten sie sich erneut an den Mann, der ein Meisterwerk wie „I’m So Lonesome I Could Cry“ schreiben konnte. Lucinda Williams sagte: „Ich höre Hank, so lange ich mich zurückerinnern kann. Seine Musik war eine der ersten, mit der ich in Berührung kam.“
Der trinkfeste und geradlinige Williams war vielleicht der erste Rebell der Country-Musik, eine Eigenschaft, die von den selbsternannten Outlaw-Country-Stars der 70er Jahre nachgeahmt wurde, die etwas von der rebellischen Haltung der Punk-Musik in den Mainstream der Country-Musik brachten. Hank Williams war Americana, 70 Jahre bevor der Begriff in den allgemeinen Sprachgebrauch einging.
Musik verändert sich, wenn Genres aufeinandertreffen, und ein weiterer Mann, der seiner Zeit voraus war, indem er verschiedene Musikrichtungen zusammenführte, war Ingram Cecil Connor III, der den Künstlernamen Gram Parsons annahm. Der in Florida geborene Parsons war als Kind ein großer Elvis-Presley-Fan und gründete in den frühen 60er Jahren an der Bolles High School in Jacksonville seine erste Band, The Pacers. Sein Mitschüler Luke Lewis, der später Präsident von Universal Music Nashville wurde, sagte, dass das Album Modern Sounds In Country And Western Music von Ray Charles aus dem Jahr 1962 – an sich schon ein glorreiches frühes Beispiel für Americana-Musik – einen großen Einfluss auf beide hatte. „Es war wahrscheinlich das erste Mal, dass einer von uns beiden eine Ahnung von Country-Musik hatte“, sagte Lewis, der später Ryan Adams, Lucinda Williams und Johnny Cash aufnahm.
Parsons hatte seinen ersten wirklichen Einfluss bei The Byrds, für die er das zeitlose ‚Hickory Wind‘ schrieb. Er spielte eine zentrale Rolle bei ihrem bahnbrechenden Album Sweetheart Of The Rodeo, bevor er 1969 mit Chris Hillman die Flying Burrito Brothers gründete. Die Flying Burrito Brothers, die eine Mischung aus traditioneller Country-Musik und Rock spielten, trugen mit ihren ersten beiden Alben, The Gilded Palace Of Sin und Burrito Deluxe, dazu bei, etwas zu schaffen, das als „Cosmic American Music“ bezeichnet wird. „Das größte Vermächtnis von The Flying Burrito Brothers und Gram ist, dass wir die alternative Country-Band waren. Wir konnten weder im Country-Radio noch im Rock-Radio gespielt werden. Wir waren für eine kurze Zeit die Outlaw-Country-Band“, sagte Hillman.
Die Flying Burrito Brothers verbanden Country, Rock’n’Roll, R&B, Folk und Soul-Einflüsse, und Parsons gewann viel Selbstvertrauen durch die Schaffung von etwas so Starkem. Zu dieser Zeit ergriff Parsons eifrig jede Gelegenheit, sich musikalisch weiterzuentwickeln. Im Sommer 1971 zog er nach Südfrankreich, wo er für kurze Zeit in der Villa Nellcôte als Gast seines Freundes Keith Richards lebte, als die Rolling Stones an ihrem Klassiker Exile On Main St. arbeiteten.
Parsons spielte mit Richards Country-Musik und lernte, seinen eigenen Horizont zu erweitern; die Stones ließen die Burritos den Song ‚Wild Horses‘ aufnehmen, noch bevor ihre eigene Version veröffentlicht worden war. Mick Jagger und die Band hatten einen starken Einfluss auf Parsons‘ Entscheidung, solo zu spielen. „Ich hatte einfach das Gefühl, dass dieser Mann etwas Bemerkenswertes herausbringen würde“, sagte Richards.
Seine Soloalben, GP und Grievous Angel, waren in der Tat bemerkenswert und halfen, die Karriere von Co-Sängerin Emmylou Harris zu starten. Sie war erstaunt über Parsons‘ Kenntnisse der Country-Musik und sagte: „Ich lernte all diese Country-Songs. Ich war wie eine religiöse Konvertitin.
Hillman glaubt, dass Parsons mit Liedern wie „Sweetheart Of The Rodeo“ „die Schleusen geöffnet“ hat für den Country-Rock, den alternativen Country und den darauf folgenden Americana-Boom. Parsons selbst war der Meinung, dass Musik entweder gut oder schlecht sei und man sich nicht zu sehr um die „Etikettierung und Definition“ von Musikarten kümmern müsse. Sein früher Tod im Alter von 26 Jahren im Jahr 1973 beraubte die Welt eines bahnbrechenden Musikers, aber sein Einfluss – in der Arbeit anderer Musiker und durch die Arbeit der Gram Parsons Foundation – schwebt über der Americana-Musik, die in seinem Kielwasser entstand. Die frühen Arbeiten von Ryan Adams oder Jeff Tweedy von Wilco zeigen deutlich den Einfluss von Liedern wie „Sin City“ und „One Hundred Years from Now“.
Zur gleichen Zeit, als Parsons von Hank Williams lernte, begann die Band – Robbie Robertson, Levon Helm, Garth Hudson, Richard Manuel und Rick Danko – als The Hawks. Sie begannen als Begleitband des Rockabilly-Sängers Ronnie Hawkins, schlugen aber bald ihren eigenen Weg ein und erlangten eine Bedeutung, die für die frühen Fans von The Hawks nur schwer vorhersehbar war. Robertson sagte: „Als The Band wollten wir die Musik spielen, die wir durch all diese Erfahrungen gesammelt hatten. Wir nahmen ein bisschen Gospel von hier, ein bisschen Bergmusik von dort, ein bisschen Delta-Blues hier, ein bisschen Chicago-Blues dort.“
Die 1965-66er Tournee der Band mit Bob Dylan war eine der aufsehenerregendsten und berüchtigtsten in der Musikgeschichte, als eine Kontroverse über Dylans Entscheidung ausbrach, die Folkmusik ins elektrische Zeitalter zu führen. Die Band war froh, ihre musikalischen Flügel auszubreiten und ihren eigenen Beitrag zur Entwicklung der amerikanischen Musik zu leisten. Jahrzehnte später gestand Robertson: „Die Leute sagten: ‚Ihr seid Americana‘. Und ich antwortete: ‚Wir kommen aus Kanada. Ich bin mir immer noch nicht sicher, ob ich weiß, was das ist.“
Ihre Art von „North Americana“ beinhaltete die subtilen und bewegenden pastoralen Beschwörungen der Mythologie des amerikanischen Südens durch eine kanadische Band in modernen Klassikern wie „Up On Cripple Creek“, „The Weight“ und „The Night They Drove Old Dixie Down“.
Die Band verfügte über die überragenden Songschreiberfähigkeiten von Robertson, die gefühlvolle Stimme von Helm und die musikalische Fingerfertigkeit des Keyboarders Hudson. Ihr Debütalbum Music From Big Pink, das 1968 erschien, gab anderen Musikern, darunter Eric Clapton und Grateful Dead, den Anstoß zu einem eher roots-orientierten Sound. Bei dem berühmten Konzert, das von Martin Scorsese gefilmt und als The Last Waltz betitelt wurde, begleitete die Band brillant Künstler wie Van Morrison, Joni Mitchell, Muddy Waters und Neil Diamond und zeigte, dass sie mit jedem alles spielen konnte.
Als Clapton sie Ende der 60er Jahre zum ersten Mal hörte, war das ein Wendepunkt in seiner Enttäuschung über Cream. So wie The Band mit einem Back-to-the-Roots-Sound auf die Psychedelia reagiert hatte, gründete Clapton Blind Faith als Gegenbewegung, bevor er mit Derek And The Dominos, zu denen Duane Allman an der Slide-Gitarre gehörte, die Americana weiter erforschte.
Im Jahr 2017 erzählte Clapton einem Publikum beim Toronto International Film Festival: „Ich bekam in England eine Kassette mit Music From Big Pink und es hat mich bis ins Mark erschüttert. Ich war zu der Zeit bei Cream und hatte schon das Gefühl, dass es nicht in die richtige Richtung ging, und ich dachte: Das ist es also. Ich wusste, wer Robbie Robertson war, aber ich wusste nicht, dass das ihre Gruppe war. Ich dachte, sie wären einfach aufgetaucht. Ich dachte, sie kämen alle aus dem Mississippi-Delta… sie waren großartige Helden für mich. Ich ging zu ihnen, um mit ihnen zu jammen, und sie sagten: ‚Wir jammen nicht, wir schreiben Songs und spielen die Songs. Ich dachte: Mein Gott, diese Jungs meinen es wirklich ernst.“
Das Rad schloss sich 1999 fast von selbst, als Helm im Rahmen des Americana Music Festival And Conference das Live-Album Ramble At the Ryman“ aufnahm, eine Anerkennung seines Einflusses auf Americana und der Art und Weise, wie The Band Musiker wie Ryan Adams, Lee Ann Womack, Rosanne Cash und The Allman Brothers Band direkt inspiriert hatte.
Wie wir gesehen haben, reichen die Ikonen der Americana bis zu den Gründervätern und -müttern der Country-Musik zurück, zu Titanen wie Bob Wills, Hank Williams, Woody Guthrie und Patsy Cline. Doch in den 70er und 80er Jahren beschloss eine Gruppe moderner Größen, ihr eigenes Vermächtnis zu schaffen. Es gab talentierte Einzelpersonen, die ihre eigenen Felder beackerten – darunter Guy Clark, Glen Campbell, Don Williams, Dolly Parton, John Prine und Alan Jackson -, aber das, was einer Americana-Supergruppe am nächsten kam, entstand 1984. Willie Nelson, ein Veteran der Songwriter-Szene in Nashville, der sich zu einem der profiliertesten Musiker der Neuzeit entwickelt hatte, wurde zum Katalysator für eine neue Richtung der Country-Musik, als er half, die Country-Größen Johnny Cash, Waylon Jennings und Kris Kristofferson davon zu überzeugen, sich als „Outlaws“ zusammenzuschließen.
Sie nannten sich The Highwaymen (in Anlehnung an einen Song von Jimmy Webb) und zollten den Helden der Vergangenheit mit Coversongs von Woody Guthrie und Hank Williams Tribut. Die Highwaymen wurden häufig als „der Mount Rushmore der Country-Musik“ bezeichnet, was Emmylou Harris zu der Aussage veranlasste, „sie müssten eigentlich da oben auf dem großen Felsen mit den Präsidenten stehen“. Ihr Einfluss war enorm, und die Verbindungen bestehen weiter: Der Steel-Gitarrist von The Highwaymen, Robby Turner, arbeitet heute mit Chris Stapleton zusammen.
In der Zeit, in der The Highwaymen aktiv waren (1984 bis 1995), kam eine neue Form der Americana-Musik auf. So wie The Band auf die vorherrschenden Trends in der populären Musik reagiert hatte, indem sie sie mit ihren eigenen Songs und ihrem eigenen Stil überwanden, sahen sich die Musiker, die in den späten 80er und 90er Jahren den Alt-Country-Boom verkörpern sollten, als Herausforderer des vorherrschenden Country-Musik-Establishments. Wie Lucinda Williams es ausdrückte: „
Steve Earle, der zwischen 1986 und 1990 ein Quartett brillanter Alben (Guitar Town, Exit 0, Copperhead Road und The Hard Way) aufnahm, war ein Seelenverwandter von Williams, und beide gehörten zusammen mit aufstrebenden Stars wie Rodney Crowell und Del McCoury zu dem, was Ende der 80er Jahre als „aufrührerischer Country“-Boom bekannt wurde. Copperhead Road war das Album, mit dem Earle einem wachsenden europäischen Publikum bekannt wurde. Der Titeltrack ist eine großartige Erzählung über einen Moonshiner, der seine Produktbasis ändert, um etwas Duftenderes anzubauen, und zeigte, dass Earles Songwriting die erzählerische Kraft von Schriftstellern alten Stils wie Woody Guthrie, Lefty Frizzell und Hank Snow hatte.
Earle sagte, dass, obwohl er und Lucinda Williams als „die neuen Outlaws“ bezeichnet wurden, der Kern dessen, was sie taten, darin bestand, eine andere Art von Musik zu machen, und nicht in sozialer Rebellion. „Es ging nicht um die Drogen, die wir nahmen, und den Ärger, in den wir damals gerieten“, sagte Earle, „es ging um künstlerische Freiheit.“
Guitar Town erschien 1986, im selben Jahr, in dem auch KD Lang, Dwight Yoakam und Lyle Lovett mit seinem wunderbaren, selbstbetitelten Debütalbum bei MCA auftauchten. Lovett sagte: „In dieser Zeit wurden viele Sachen unter Vertrag genommen, die man nicht als traditionelles Nashville-Signing bezeichnen würde. Man sah Leute, die die Chance hatten, eine Platte zu machen, und das war eine sehr coole Sache.“
Die in Minnesota ansässige Band The Jayhawks, die mit ihren Harmonien und ihrem Twang-Rock-Sound einen Teil der Blaupause für die moderne Americana-Musik schufen, veröffentlichten 1986 ebenfalls ihr Debütalbum und gewannen bald eine starke Anhängerschaft in Europa. Als Ryan Adams mit der Band Whiskeytown begann, Americana-Musik zu machen, stellte er fest, dass es andere Leute gab, die „auf Gram Parsons standen“, und nannte The Jayhawks als einen Einfluss. Whiskeytown wurden 1994 in North Carolina gegründet und nahmen drei Studioalben auf, bevor Adams im Jahr 2000 seine Solokarriere startete und viele interessante musikalische Richtungen einschlug.
Lucinda Williams veröffentlichte in den 80er Jahren einige Alben, aber nach einer langen Zeit der relativen Unbekanntheit erregte sie die Aufmerksamkeit der Musikwelt mit ihrem großartigen Album Car Wheels On A Gravel Road von 1998, ihrem ersten Album, das Goldstatus erreichte. Das Album enthält eine Reihe fesselnder, gefühlvoller Songs, die auch im 21. Jahrhundert noch genauso aktuell klingen wie damals, als sie aufgenommen wurden. Williams, die noch weitere hervorragende Alben wie Essence und Blessed veröffentlicht hat, sagte über Car Wheels…: „Ich wollte nicht noch einmal ein gleich klingendes Album machen. Ich habe versucht, einen bestimmten stimmlichen Klang zu erreichen, den ich bis dahin auf keinem meiner Alben erreicht hatte.“
Es ist vielleicht kein Zufall, dass Joni Mitchell im Jahr der Veröffentlichung des Albums ein Interview gab, in dem sie sagte: „Früher war ich fast ein Mönch. Jetzt bin ich wie ein Tibeter, der Hamburger und Fernsehen entdeckt hat. Ich hole Americana nach.“
Williams ist Teil eines fantastischen Erbes weiblicher Americana-Singer-Songwriter, die einige der kraftvollsten Texte der modernen Country-Musik verfasst haben. In der Tradition von Größen wie Kitty Wells, June Carter Cash, Dolly Parton, Loretta Lynn, Patsy Cline, Bonnie Raitt, Linda Ronstadt und Emmylou Harris erlebten die 80er und 90er Jahre den Aufstieg einer Reihe beeindruckender Americana-Künstlerinnen, darunter Reba McIntyre, Mary Chapin Carpenter, Julie Miller, Mary Gauthier und Abigail Washburn. Eine der markantesten war Nanci Griffith, eine Poetin in Liedern, die ihre eigenen Kompositionen ebenso souverän schrieb wie sie die Texte anderer guter Americana-Songwriter wie Robert Earl Keen und Tom Russell interpretierte.
Der Trend zu weiblichen Talenten setzte sich in den 90er Jahren fort, als innovative Interpreten wie Gretchen Peters, Iris DeMent, Sheryl Crow, Rita Hosking, Dar Williams, Lee Ann Womack, Lori McKenna, Ani DiFranco und Gillian Welch begannen, so großartige Alben zu machen.
Eine der vielversprechendsten Songwriterinnen, die in dieser Zeit auftauchten, war Patty Griffin, die Teil der lokalen Bostoner Folkszene gewesen war, bis sie mit ihrem bemerkenswerten A&M-Debüt Living With Ghosts von 1996 auf dem Radar der Branche erschien. Griffin hat weiterhin kraftvolle und gefühlvolle Alben veröffentlicht und sich mit dem 2011 mit einem Grammy ausgezeichneten Downtown Church dem Gospel zugewandt. Spannende neue Talente wie Sarah Jarosz, Aoife O’Donovan, Ruth Moody, Angeleena Presley, Maddie And Tae und Lady Antebellum-Sängerin und Songwriterin Hillary Scott treten weiterhin auf und gedeihen.
Aber die alte Garde ist nicht zurückgeblieben. Dolly Parton kehrte um die Jahrhundertwende mit einigen umwerfenden Alben zum Bluegrass zurück, und Loretta Lynns Album „Van Lear Rose“ von 2004 war sensationell. Jack White, musikalischer Schöpfer und Mastermind der White Stripes, war erst zwei Jahre alt, als Lynn 1977 ihr letztes Album aufnahm: eine Hommage an Patsy Cline. Lynn und White waren ein unwahrscheinliches Paar, aber White trug dazu bei, Lynns Musik einem neuen Publikum nahe zu bringen, als er das umjubelte Comeback der damals 72-Jährigen produzierte.
Van Lear Rose spiegelt andere Facetten der modernen Americana-Musik wider – ihre Originalität und Individualität. Die Musik kann alles umfassen, vom bissigen Witz eines Lyle Lovett über die rockigen Balladen der Drive-By Truckers, die sozialen Beobachtungen von James McMurty, Danny Schmidt, Todd Snider und Jason Isbell bis hin zu den ergreifenden, emotionalen Liedern von Billy Joe Shaver, Dierks Bentley, Chris Stapleton, Sturgill Simpson und Amos Lee, aber auch weniger bekannte Talente wie Robby Hecht und Richard Shindell.
Es ist schwer zu sagen, wer genau die Inspirationen und Urheber der Americana-Musik waren, so reich ist ihr vielfältiges Erbe, aber es wäre nicht übertrieben zu sagen, dass Americana sich durch so unterschiedliche Bands wie Grateful Dead und Los Lobos zieht. Neil Young und Crosby, Stills und Nash werden nicht sofort als Americana-Bands bezeichnet, aber sie haben sicherlich dazu beigetragen, die Popularität des modernen Roots-Rocks zu fördern.
Darüber hinaus verlaufen die Ursprünge von Americana im Zickzackkurs durch die Bundesstaaten, von den südlichen Wüsten in Little Feats „Willin'“ bis zum Mississippi-Delta in „Dixie Chicken“. Die Wurzeln der Musik spiegeln sich in der Art und Weise wider, wie der Americana Music Trail Touristen ein Erlebnis bietet, das vom Muscle Shoals Zentrum in Alabama bis zu den Country Music Bars von Nashville und den Jazz Joints von New Orleans reicht.
Manchmal kann ein gefühlvoller Nicht-Country-Künstler die Americana-Musik durch seine Interpretation eines großen Songs einfangen. Auf ihrem Blue Note Records-Album Feels Like Home macht Norah Jones Townes Van Zandt mit einer wunderschönen Version seines Songs „Be Here To Love Me“ alle Ehre. Der Grammy-Megastar Alison Krauss hat ein äußerst geschicktes Auge für die Auswahl der besten modernen Americana-Songwriter. Krauss hat Songs von so unterschiedlichen Künstlern wie Willie Nelson, Richard Thompson, Shawn Colvin, Sidney Cox, Mindy Smith, James Taylor, Tim O’Brien, Jackson Browne und Tom Waits gecovert – und ihre unvergleichliche Stimme kann sogar einem klassischen Woody-Guthrie-Song etwas Neues verleihen.
Krauss war auch maßgeblich an dem triumphalen Soundtrack-Album O Brother, Where Art Thou? beteiligt, das T Bone Burnett für die Coen-Brüder produzierte. Krauss‘ Bandmitglied Dan Tyminski schuf mit seiner Version von „Man Of Constant Sorrow“ einen modernen Klassiker auf einem Album, auf dem Bluegrass-Legende Ralph Stanley eine eindringliche Version von „O Death“ singt. Stanley bot Americana-Musik in ihrer schärfsten, kraftvollsten Form, wie eine Stimme direkt aus vergangenen Jahrhunderten.
Gillian Welchs Revival, ebenfalls von Burnett produziert, knüpfte an das Erbe von Americana an. Revival wurde in Nashville bei Woodland Sound aufgenommen, das seinen Platz auf der musikalischen Landkarte solchen 70er-Jahre-Alben wie Will The Circle Be Unbroken von The Nitty Gritty Dirt Band verdankte. Burnett übte sogar die Aufnahme von Welchs Stimme auf einer alten Wollensak-Maschine, wie sie einst von Hank Williams benutzt wurde. Welch, ein authentischer Americana-Künstler, hat viel dazu beigetragen, eine vergangene Ära der Musik frisch und relevant zu halten.
Burnett glaubt übrigens, dass das moderne Zeitalter der digitalen Musik der Americana-Musik zum Fortschritt verholfen hat, weil es den Fans ermöglicht, die Originalmusik für einige der zeitgenössischen Versionen von Songs anzuzapfen. Er sagte: „Das moderne Publikum ist, weil es aus so vielen Quellen schöpfen kann, viel versierter, als man ihm zutraut… und mit alter Musik kann man sie jederzeit neu erfinden.“
Die besten jungen Musiker versuchen, die Musik ihrer Helden sowohl zu ehren als auch neu zu erfinden. Kacey Musgraves, deren Album Same Trailer Different Park 2013 ein überwältigender Erfolg war, sagt, ihr „idealer Kreuzungspunkt der Musik“ seien die Beach Boys, Lee Ann Womack und John Prine.
Die in Texas ansässige Band Midland, deren Debütalbum On The Rocks im September 2017 erschien, wurde von Billboard dafür gelobt, dass sie einen zeitgenössischen „George-Strait-80er-Jahre-New-Traditionalist“-Sound in die moderne Ära bringt. Midland und die talentierten The Cadillac Three sind vielleicht nicht im engeren Sinne Americana, aber beide bringen die gleichen Americana-Merkmale – Frische und Einfühlungsvermögen – in die Country-Musik. The Cadillac Three wurden von dem äußerst talentierten Dave Cobb produziert, der bereits mit Chris Stapleton, Lindi Ortega, Colter Wall, Brandi Carlile, Jason Isbell und Amanda Shires großartige Arbeit geleistet hat.
Es ist klar, dass sich Americana immer mehr durchsetzt. Das Aufkommen von Streaming-Diensten wie Spotify bedeutet, dass das Genre zugänglich und im Mainstream präsent ist, auch wenn es nicht von den traditionellen Country-Radiosendern gespielt wird. Hinzu kommt, dass neben dem jährlichen AmericanaFest in Nashville, das im September 2018 zum 19. Mal stattfindet, eine Reihe von Festivals entstanden sind. Zu den Newcomern gehört The Long Road. Das Festival, das sich selbst als „Country-, Americana- und Roots-Festival“ bezeichnet, startet im selben Monat in Großbritannien. Die Festivals sind zu einem Schlüssel für die Entwicklung neuer Talente geworden.
Seit 2010 ist Americana eine Kategorie, die von der Recording Academy anerkannt wird. Levon Helm war der erste Gewinner eines Americana-Grammys (und erhielt 2012 einen weiteren), und auch Jason Isbell hat den Preis bereits zweimal gewonnen. Auch Mavis Staples, Bonnie Raitt, Emmylou Harris, Rodney Crowell und Rosanne Cash wurden bereits ausgezeichnet. Wie allumfassend Americana ist, zeigte der Sieg der Stax-Records-Legende William Bell 2016. Robert Plant, der ehemalige Frontmann von Led Zeppelin, der sowohl mit Alison Krauss als auch mit Patty Griffin aufgenommen hat, sagte: „Es gibt keine Grenzen, wohin Americana gehen kann“.
Die Vielseitigkeit von Americana wird sich fortsetzen, während sie sich über Kontinente hinweg ausbreitet. Als Americana von der Official Charts Company in Großbritannien mit einer eigenen Albumliste belohnt wurde, befanden sich unter den Top 10 Ryan Adams, Lucinda Williams und das schwedische Geschwisterduo First Aid Kit. Heute gibt es im Vereinigten Königreich und in Australien Americana Music Associations – ein
weiter Schritt im Vergleich zu 1999, als sich eine Gruppe von Radio-DJs, Mitarbeitern von Plattenfirmen und Musikjournalisten auf der Musikindustriekonferenz South By Southwest in Austin, Texas, informell traf, um darüber zu diskutieren, wie sie die Musik, die sie liebten, fördern könnten, und beschloss, eine Organisation zu gründen.
Jimmie Fadden von der Nitty Gritty Dirt Band wird in dem Buch The Americana Revolution mit den Worten zitiert, dass „Americana ein Versuch war, eine Menge unerklärlicher Formen von Roots-Musik auf eine Art und Weise zusammenzufassen, die man in Worte fassen und einem Publikum präsentieren konnte, das verstand, dass sie einen Namen hatte“.
Der Name ist heute wichtig. Americana-Musik ist progressiv und innovativ und eines der meistverkauften Musikgenres für Alben – laut Billboard übertraf sie 2016 R&B, Hip-Hop und Dance – und wird von kulturellen Schwergewichten gefeiert. Die mit dem PEN/Faulkner-Preis ausgezeichnete Romanautorin Ann Patchett sagte kürzlich der New York Times, dass Americana „die coolste Musikszene von heute“ sei.
New Americana wird weiterhin, in den Worten von Hank Williams, „den Leuten einen brandneuen Tanz zeigen“, aber was auch immer kommen mag, die Musiker werden immer eine wertvolle Geschichte haben, auf die sie zurückgreifen können. Jemand, der dies verkörpert, ist der bemerkenswerte Ry Cooder, der wohl seit mehr als einem halben Jahrhundert brillante Americana-Musik macht. Cooders neuestes Album The Prodigal Son (Fantasy Records) enthält eine Coverversion des Stanley Carter-Songs Harbour Of Love“, den er in den 50er Jahren für Mercury Records aufgenommen hat. „Es gibt eine Art ehrfürchtige Stimmung, die sich einstellt, wenn man diese Songs spielt und singt“, sagt er.
Diese Ehrfurcht und Begeisterung ist der Grund, warum die Americana-Roots-Musik weiterhin florieren wird.
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