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Die Natur der Welt, in der wir heute leben, erfordert beinahe eine Fusion – eine Verschmelzung verschiedener Stile oder Ideen zu einer einzigartigen Einheit. Von der asiatischen Fusionsküche bis zur Country-Rap-Fusion-Musik – unsere Kultur lebt von der Kombination von Dingen, die nicht unbedingt zueinander passen würden. In der Welt des Tanzes ist das nicht anders. Eine Verschmelzung von Tanzstilen kann zwar interessant sein, aber es kann schwierig sein, die Routinen bei Wettbewerben korrekt in Kategorien einzuordnen. Die Genres des lyrischen und des zeitgenössischen Tanzes können aufgrund ihrer Ähnlichkeiten unglaublich verwirrend sein. Deshalb haben wir heute die Meinungen der IDA-Juroren und Lehrer Jen Garaffa, Mary Roberts, Miranda Spada und Max Vasapoli zusammengetragen, um alle Fragen zu klären, die Lehrer und Choreografen zu den beiden Stilen haben könnten.
Zeitgenössischer Tanz
Direkt aus dem MFA-Programm der Florida State University kommend, betrachtet Mary Roberts den zeitgenössischen Tanz als „ein Forschungsinstrument, um zu analysieren und zu interpretieren, was Tanz und Bewegung kulturell aussagen und schaffen. Der zeitgenössische Tanz folgt der Linie des modernen Tanzes und versucht, frühere Tanzformen zu hinterfragen und zu demontieren. Bei Tanzwettbewerben geht diese eher akademische Erklärung oft verloren, aber es ist unglaublich wichtig, sich daran zu erinnern, dass der zeitgenössische Tanz aus den Techniken des Balletts, des Jazz und des Modern Dance hervorgegangen ist, wobei letzterer ein direkter Vorläufer des zeitgenössischen Tanzes ist. Es gäbe keinen zeitgenössischen Tanz ohne die Pioniere des Modern und Jazz, die versuchten, die Formen und Erwartungen des traditionellen Balletttanzes zu durchbrechen.
Miranda Spada fügt hinzu: „Beim zeitgenössischen Tanz liegt der Schwerpunkt auf dem Verständnis von Musik, Rhythmus und dem Raum, der den Tänzer umgibt, und darauf, wie man klassische technische Linien aufgreift und sie anders gestaltet. Zeitgenössischer Tanz basiert eher auf der Avantgarde und kann Themen und Ideen im Gegensatz zu einer klaren, prägnanten Geschichte beinhalten. Es wird konzeptuelles Tanzen erforscht, bei dem ein Tänzer und/oder Choreograf eine Tanztechnik wie Ebenen, Raum, Akzente, Muster und Phrasierung verwendet, um daraus ein Stück zu entwickeln, anstatt sich auf ein vorgefaßtes Thema oder eine Idee zu verlassen. Beim zeitgenössischen Tanz geht es weniger um eine Geschichte oder Erzählung, sondern vielmehr darum, zu unterhalten, zu erziehen, zu provozieren und verschiedene Bewegungen zu erforschen.
Wenn du deine Routinen bei einem Wettbewerb in die Kategorie „Zeitgenössischer Tanz“ einordnest, musst du dir folgende Fragen stellen: Ist das Stück tänzerzentriert? Das heißt, habe ich dem Tänzer eine Ebene der persönlichen Erkundung innerhalb der Bewegung durch die Mittel der Improvisation ermöglicht? Gibt es ein bestimmtes visuelles oder internes Thema, dem das Stück folgt? Habe ich klassische Linien aufgenommen, sie aber auf eine neue und andere Weise verzerrt? Werden in dieser Übung Techniken aus dem modernen Tanz und dem Ballett verwendet?
Lyrischer Tanz
Der lyrische Tanz entstand als ein Ableger des Jazz-Tanzes und wurde ursprünglich als „lyrischer Jazz“ bezeichnet. Max Vasapoli definiert den lyrischen Tanz als „eine Kombination aus der Technik des Balletts und der Fluidität des Jazz Dance“. Ein einzigartiges Merkmal des lyrischen Tanzes ist die emotionale Verbindung und das Erzählen von Geschichten, die durch die Liedtexte zum Leben erweckt werden. Die Bewegung kann auf die gesangliche Darbietung eines Liedes choreografiert werden, nicht nur auf den Rhythmus.“
Mary Roberts stimmt mit einer ähnlichen Definition überein und fügt hinzu: „Lyrischer Tanz wird typischerweise vom Choreographen an den Tänzer weitergegeben, mit der Erwartung, dass der Tänzer sich an die Choreographie hält, wie sie vorgegeben ist, aber der Bewegung durch die Interpretation des Tänzers Atem und Seele hinzufügt. Lyrischer Tanz, ob auf Kreuzfahrtschiffen, in Konzerten oder bei Wettbewerben, ist eine Form des Unterhaltungstanzes, die das Publikum auf besondere Weise ansprechen soll. Das Wichtigste am lyrischen Tanz, wie wir ihn heute kennen, ist, dass er versucht, durch eine klare Handlung zu verbinden und zu unterhalten, während er Elemente des Balletts und der Jazz-Technik verwendet.
Wenn du deine Choreographien in die Kategorie Lyrischer Tanz einordnest, solltest du dir folgende Fragen stellen: Erzählt diese Choreographie eine Geschichte, die dem Text der Musik folgt? Erfordert meine Choreographie, dass der Tänzer sie bei jedem Auftritt genau gleich wiederholt? Habe ich in der Choreografie Elemente aus der Ballett- und Jazztechnik verwendet? Geben die Linien und Bilder, die ich kreiert habe, die Emotionen des Stücks klar wieder?
Als Preisrichter ist es unglaublich schwierig, eine Kür genau zu beurteilen, wenn sie nicht in die richtige Kategorie eingeordnet ist. Jen Garaffa sagt: „Anstatt sich an der Arbeit zu erfreuen, verbringen die Preisrichter ihre Zeit damit, herauszufinden, wie sie etwas fair bewerten können, auf das sie nicht vorbereitet waren. Stellen Sie sich vor, Sie gehen ins Kino und wollen eine großartige romantische Komödie sehen, und stattdessen läuft eine Essensdokumentation – es dauert eine Weile, bis sich Ihr Gehirn darauf eingestellt hat. Ein Juror hat insgesamt nur 3 Minuten Zeit, sich darauf einzustellen, es aufzunehmen und zu reagieren. Wenn man dem Stil und dem Genre treu bleibt, können die Juroren die Arbeit genießen und den Tänzern ein gutes Feedback geben.“
Als Choreographen könnt ihr uns helfen, euch zu helfen, indem ihr eure Routinen richtig platziert. Miranda Spada fügt hinzu: „Zeitgenössischer und lyrischer Tanz werden oft verwechselt, weil nicht viele Menschen ihre eigene persönliche Definition für jeden Stil haben. Jeder Choreograf und Schöpfer hat seine eigene Art von zeitgenössischem Tanz geprägt, und wir als Gesellschaft versuchen, die schwarzen und weißen Bereiche beider zu finden. Je mehr es in diese Generation von Tänzern integriert wird, desto mehr sehen wir, dass lyrische Tänze in einer zeitgenössischen Kategorie konkurrieren, nur um zu sagen, dass sie es sind, weil es schwieriger klingt, oder weil sie eine zusätzliche Kategorie brauchen, um eine Routine zu platzieren. Die offene Kategorie gibt es aus diesem Grund – wenn man ein Stück hat, das die Grenzen zwischen den Stilen verwischt, ist dies der perfekte Ort, um die Routine einzureichen.
Als Menschen sehnen wir uns nach Kategorien – sie helfen uns, der Welt um uns herum einen Sinn zu geben. Wenn diese Kategorien beginnen, miteinander zu verschmelzen, müssen wir als Tanzpädagogen den schmalen Grat zwischen dem Verlust der Integrität einer Technik und der Entwicklung eines Stils ausbalancieren.
Max Vasapoli drückt es gut aus, wenn er sagt: „Die Verschmelzung von Stilen ermöglicht es dem Tanz, sich weiterzuentwickeln. Das Kriterium der Tanzwettbewerbe verlangt jedoch eine Differenzierung. Das Erlernen der subtilen Unterschiede zwischen den Stilen ist ein wichtiges Instrument für Tänzer, um stärker zu werden und besser zusammenzuarbeiten. Einer der vielen Werte einer Tanzausbildung besteht darin, zu lernen, wie sich die verschiedenen Stile durch das Muskelgedächtnis beim Tanzen „anfühlen“. Ähnliche Konzepte und Themen verbinden die beiden Stile, aber ihre Intentionen sind in sich einzigartig.“
Fotos: „Contemporary“ – Tänzerin: Jennilee Paez/Rising Stars Dance Academy. Choreograph – IDA-Jurorin Jackie Nowicki – zur Verfügung gestellt von ASH
„Lyrical“ – Tänzerin: Gabriella Papa/American Dance Academy. Choreograph: Kailee Combs & IDA-Jurorin Jessica Olinik – zur Verfügung gestellt von ASH