Als Filmemacher verdanken wir unsere Leidenschaft den Pionieren des Films und der Fotografie, und dann den Filmemachern, die folgten. Ich glaube daran, zurückzublicken, um innovativ zu sein und voranzukommen, um inspiriert zu werden und um zu inspirieren. Ich nehme meine Inspiration mit, wohin ich gehe und wo immer ich arbeite, und ich gebe meine Inspiration an die Menschen um mich herum am Set und in meinem HA-Team weiter.
Im heutigen Beitrag möchte ich euch einen angehenden Filmemacher vorstellen, der Teil unseres HA-Teams ist und sich in den letzten Jahren einen Namen als Filmemacher gemacht hat: Brendan Sweeney. Er kommt aus Pittsburgh, aber das will ich ihm nicht übel nehmen! Ha ha! Er kam nach Los Angeles, um seinen Traum zu verwirklichen, und bringt seine Kreativität und seine Leidenschaft für den Film – vor allem für den Old-School-Film – jeden Tag in unser Hauptquartier, und wir danken ihm dafür! Sein neuester Film „Impossibility:Possibility“ Und jetzt wird er seine Leidenschaft mit euch allen teilen und darüber sprechen, wie der Film begann. Er liebt es, über die Geschichte des Films zu sprechen und sie mit anderen zu teilen, und es ist so wichtig, sich daran zu erinnern, wo wir gewesen sind, damit wir neue Wege gehen können.
Take it away Sweeney!
Fotofilm ist ein Streifen oder ein Blatt einer transparenten Kunststofffolie, die auf einer Seite mit einer Gelatineemulsion beschichtet ist, die mikroskopisch kleine lichtempfindliche Silberhalogenidkristalle enthält. Die Größe und andere Eigenschaften der Kristalle bestimmen die Empfindlichkeit, den Kontrast und die Auflösung des Films. (Karlheinz Keller et al. „Photography“ in Ullmann’s Encyclopedia of Industrial Chemistry, 2005, Wiley-VCH, Weinheim.)
So wait, where is a sensor? Was ist mit 1en und 0en? Wie kann ich sehen, was ich fotografiere? Kann ich meine Belichtung mit Falschfarben überprüfen?
Die meisten von Ihnen erinnern sich wahrscheinlich noch an die Tage des Films, zumindest im fotografischen Sinne. Zu einem bestimmten Zeitpunkt in unserer Branche war die Verwendung von Zelluloidfilm die einzige Möglichkeit für unsere Projekte. Es ging nicht um die Wahl des Bildsensors, sondern um die Wahl des Films. Der Film war der „Bildsensor“, der chemische Prozess, auf dem die Bilder gespeichert wurden. Die Wahl bestand darin, welches Filmmaterial man verwenden wollte, um seine Geschichten zu erzählen, und welche Objektive man damit kombinieren wollte. Man hatte die Dinge nicht unmittelbar vor Augen, wie es heute in der digitalen Welt der Fall ist. Es gab keine Monitore, um die Schärfe oder die IRE-Werte zu überprüfen. Es war eine Welt, in der man mit einem optischen Sucher durch das Objektiv blickte und die Szene in ihrer unverfälschten Perspektive sah.
Das waren die Tage des Filmemachens… Eine Welt, in der der Kameramann eins mit der Kamera sein konnte und kein Produzent jemals in Frage stellen konnte, was er oder sie tat. Es war ein Gedankenspiel, eine Zeit, in der man seine Fähigkeiten auf die Probe stellen konnte.
Warum spreche ich also so positiv über den Film? Nun, bevor ich auf meine persönliche Liebe zum Film eingehe, sollten wir über seine Geschichte und seine Bedeutung für die Branche sprechen, in der wir heute arbeiten.
EIN KURZER BLICK IN DIE VERGANGENHEIT
Der erste öffentlich verfügbare fotografische Film hieß Daguerreotypie. Dieser Film wurde 1839 von Louis-Jacques-Mandé Daguerre eingeführt und hielt sich etwa 20 Jahre lang auf dem Markt, bis neuere/billigere Methoden der Fotografie entwickelt wurden. In den 1850er Jahren wurde die Glasplattenfotografie zum Standard für die meisten Kameras in diesem Bereich. Da sie eine bessere optische Qualität als die frühen transparenten Kunststoffe und die Daguerreotypie hatte, wurde sie zur besten Methode für Fotografen, bis George Eastman auf den Plan trat. 1885 stellte George Eastman den ersten „flexiblen fotografischen Rollfilm“ vor, bei dem es sich jedoch eigentlich um beschichtetes Papier handelte. Der erste transparente Plastikfilm kam 1889 auf den Markt und bestand aus hochentzündlichem Nitrocellulose-„Zelluloid“, das heute als „Nitratfilm“ bekannt ist. Das ist das Zeug, von dem jeder in der Filmgeschichte gehört hat, und wie es brennen würde!
Das ist der Punkt, an dem die Eastman Kodak Company die Institution wurde, die die Bewegung im fotografischen Film anführte und wie es in der Fotografie gemacht werden sollte. Jeder hat zumindest schon einmal von Kodak und seiner langen Geschichte bei Kinofilmen gehört. Für mich sind sie eine der größten amerikanischen Firmen, die es je gegeben hat!
DIE GEBURT EINER INDUSTRIE
Lassen Sie uns nun damit beginnen, wie der fotografische Film aufgegriffen und in den Rahmen des Kinofilms gestellt wurde. Der älteste aufgezeichnete Kurzfilm stammt aus dem Jahr 1888 und heißt „Roundhay Garden Scene“
„Roundhay Garden Scene“
Diese kurze Szene wurde vom Erfinder Louis Le Prince aufgenommen. Der Film wurde in Oakwood Grange in Roundhay, Leeds, gedreht und ist vermutlich der älteste noch erhaltene Film überhaupt. Es ist erstaunlich, wie weit wir es von unseren bescheidenen Anfängen bis hin zu unseren millionenschweren Produktionen gebracht haben, wenn man den schwarz-weißen & Look betrachtet. Wenn man sich solche Werke ansieht, kann man sich nur vorstellen, wo wir in weiteren hundert Jahren sein werden, wohin sich dieses Medium entwickeln wird und wie es uns definieren wird.
Der Film hat erst durch Thomas Edisons Kinetoskop und den Kinematographen der Gebrüder Lumiere richtig Fuß gefasst. Diese beiden Erfindungen trieben das voran, was damals nur eine Neuheit war, und trugen dazu bei, die Grundlage für unsere heutige Industrie zu schaffen. Das Kinetoskop wurde als erstes erfunden und war ein Gerät zur Vorführung bewegter Bilder für eine einzelne Person – es war kein Filmprojektor, sondern führte den grundlegenden Ansatz ein, der zum Standard für alle Filmprojektionen vor dem Aufkommen von Video werden sollte, indem es die Illusion von Bewegung erzeugte, indem es einen Streifen perforierten Films, der aufeinanderfolgende Bilder trug, über eine Lichtquelle mit einem Hochgeschwindigkeitsverschluss transportierte.
Die Lumiere-Familie war bereits ein Gigant in der Fotobranche und bekam Wind davon, was Edison und sein Team in den Vereinigten Staaten taten. Da sie in Europa ansässig waren, beschlossen sie, sein Konzept zu übernehmen, wollten aber in der Lage sein, ein bewegtes Bild mehreren Personen gleichzeitig zu zeigen. Sie entwickelten eine Maschine, die nicht nur bewegte Bilder einfangen, sondern auch drucken und für ein größeres Publikum projizieren konnte. Das Erstaunliche daran ist, dass ihre Erfindung nur etwa ein Viertel so groß ist wie die von Edison und einen kommerziellen Bedarf für ihr Produkt schafft.
Die frühen Filme der Gebrüder Lumiere
Durch die kompakte Bauweise ihrer Kamera eröffneten sich den Menschen neue Möglichkeiten der Bildkomposition und der Kamerabewegung. Die Filmemacher brachten diese Kamera in die ganze Welt und entführten das Publikum an Orte, die die Menschen zu dieser Zeit noch nie gesehen hatten. Es war elektrisierend, und die Zahl der Filme, die die Gebrüder Lumiere im Laufe der Jahre produzierten, ging in die Tausende! Sie entwarfen die ersten Entwürfe dafür, wie eine Geschichte mit diesem neuen Medium erzählt werden sollte. Für eine gewisse Zeit in der Geschichte des Kinofilms wurde dies das Standardinstrument, um die Arbeit zu erledigen.
Wenn Sie mehr über die Gebrüder Lumiere erfahren möchten, hören Sie sich diese beiden Podcasts von Tracy V. Wilson und Holly Frey auf Things You Missed In History Class an:
The Lumiere Brothers, Part 1:
Die Gebrüder Lumiere, Teil 2:
DIE STILLE JAHRE
Im Laufe der Jahre um 1900 wurde das Filmemachen die Kunstform des 20. Jahrhunderts. Produktionsfirmen schossen aus dem Boden, neue Filmemacher traten auf den Plan, und Berühmtheiten wurden geboren. Die Jahre 1910 bis 1927 waren die Jahre der strukturierten Stummfilme, der so genannten „Multiple-Reel-Filme“ (die bald als Spielfilme bezeichnet wurden), die für das Publikum in aller Welt zur Norm wurden. Das Medium war bald gleichwertig mit Theateraufführungen und bot die Möglichkeit, Romane auf die Leinwand zu bringen. Bis 1916 gab es allein in den Vereinigten Staaten mehr als 21.000 Kinos.
Ungefähr zwei Jahrzehnte lang durchlief der Stummfilm die Höhen und Tiefen der Propaganda des Ersten Weltkriegs, blühte in den europäischen Ländern auf und läutete dann eine neue Entwicklung des Films ein…
VOR DEM ZWEITEN WELTKRIEG
Mit der fast sofortigen kommerziellen und kulturellen Popularität des Kinos bei einem Publikum in der ganzen Welt wurde klar, dass wir nach fast zwei Jahrzehnten des Erfolgs des Stummfilms etwas Neues brauchten. Im Jahr 1900 fand in Paris die erste öffentliche Vorführung von projizierten, synchronisierten Tonfilmen statt. Damit wurde der Grundstein für das gelegt, woran wir uns im 21. Jahrhundert gewöhnen sollten.
Kante einer 35mm Filmkopie, die die Tonspuren zeigt. Der äußerste Streifen (links im Bild) enthält die SDDS-Spur als Bild eines digitalen Signals; der nächste enthält die Perforationen, die verwendet wurden, um den Film durch den Projektor zu treiben, mit der Dolby Digital-Spur, den grauen Bereichen mit dem Dolby-D-Logo, dazwischen. Die beiden Spuren der analogen Tonspur auf dem nächsten Streifen sind beidseitig mit variabler Fläche, wobei die Amplitude als Wellenform dargestellt wird. Diese werden im Allgemeinen mit Dolby Stereo Matrixing kodiert, um vier Spuren zu simulieren. Ganz rechts schließlich ist der Timecode zu sehen, der zur Synchronisierung mit einer DTS-Soundtrack-CD-ROM verwendet wird.
Im Jahr 1919 meldete der amerikanische Erfinder Lee Dee Forest mehrere Patente an, die den Weg zur ersten optischen Tonfilmtechnologie ebneten. Diese neuen Fortschritte sollten in einem kommerziellen Umfeld angewandt werden.
Mit der weiteren Entwicklung im Jahr 1923 wurde dem Publikum die erste kommerzielle Vorführung eines kurzen Kinofilms mit „Ton auf Film“ präsentiert. Als Tonfilme mit synchronisierten Dialogen eingeführt wurden, bezeichnete man sie sofort als „sprechende Filme“ oder „Tonfilme“. Zunächst wurden sie ausschließlich im Kurzfilmbereich eingesetzt, und es dauerte eine Weile, bis sich auch Spielfilme dieser Technik bedienten.
Es dauerte bis Oktober 1927, bis der erste Spielfilm mit dieser Technologie auf den Markt kam. Es handelte sich um die Warner Bros. Pictures-Produktion The Jazz Singer. Der Film war landesweit ein großer Publikumserfolg und wurde mit Vitaphone gedreht, der damals führenden Marke für Tonaufzeichnungstechnologie.
Als die Nachfrage des Publikums nach Tonfilmen wuchs, wurde es für die Studios offensichtlich, dass diese Technologie auf Dauer Bestand haben würde und dass sie dementsprechend reagieren mussten. In den 1930er Jahren war der Tonfilm ein weltweites Phänomen und trug dazu bei, Hollywoods Position als eines der wichtigsten kulturellen und kommerziellen Einflusszentren der Welt zu sichern.
FARBE UND DIE NEUE WELLE
Farbe im Kinofilm war schon immer die Richtung, in die die Industrie zu gehen versuchte. Die erste Farbkinematographie erfolgte mit additiven Farbsystemen, wie dem von Edward Raymour Turner 1899 patentierten und 1902 getesteten. Das erste kommerziell erfolgreiche additive Farbsystem war Kinemacolor. Dabei handelte es sich um ein vereinfachtes System, bei dem ein Schwarz-Weiß-Film für die Fotografie verwendet und dann zwei oder mehr Komponentenbilder durch verschiedene Farbfilter projiziert wurden. Das Verfahren florierte zwischen 1908 und 1913.
Um 1920 wurden die ersten praktischen subtraktiven Farbverfahren entwickelt und in der Industrie eingeführt. Wie bei Kinemacolor wurde auch hier ein Schwarz-Weiß-Film verwendet, um mehrere farbgefilterte Ausgangsbilder zu fotografieren, und das Endprodukt war ein mehrfarbiger Abzug, der keine spezielle Projektionsausrüstung erforderte.
Der größte Fortschritt beim Farbfilm war 1932 die Einführung des Drei-Streifen-Technicolor-Verfahrens. Technicolor geht auf das Jahr 1916 zurück und wurde über mehrere Jahrzehnte hinweg verbessert. Es wurde zum zweitwichtigsten Farbverfahren nach Kinemacolor und wurde von 1922 bis 1952 hauptsächlich in Hollywood-Produktionen eingesetzt. Technicolor war bekannt für seinen wunderschönen, einzigartigen Look. Seine stark gesättigten Farben wurden zu unserem heutigen nostalgischen Look, den das Publikum sehen wollte. Technicolor wurde häufig in Filmen wie Der Zauberer von Oz (1939), Vom Winde verweht (1939) und in Zeichentrickfilmen wie Schneewittchen und die sieben Zwerge (1937) verwendet.
Im Jahr 1932 war der größte Fortschritt im Farbfilm die Einführung des Drei-Streifen-Technicolor-Verfahrens. Technicolor geht auf das Jahr 1916 zurück und wurde über mehrere Jahrzehnte hinweg verbessert. Es wurde zum zweitwichtigsten Farbverfahren nach Kinemacolor und wurde von 1922 bis 1952 hauptsächlich in Hollywood-Produktionen eingesetzt. Technicolor war bekannt für seinen wunderschönen, einzigartigen Look. Seine stark gesättigten Farben wurden zu unserem heutigen nostalgischen Look, den das Publikum sehen wollte. Technicolor wurde häufig in Filmen wie Der Zauberer von Oz (1939), Vom Winde verweht (1939) und in Zeichentrickfilmen wie Schneewittchen und die sieben Zwerge (1937) verwendet.
Farbe im Kinofilm wurde immer beliebter, bis sie zur Norm für Spielfilme wurde. Im 21. Jahrhundert ist es selten, dass wir einen kompletten Schwarz-Weiß-Film zu sehen bekommen. Die Farbe hat sich in unser Bewusstsein als Zuschauer eingeprägt und wird es auch weiterhin tun.
DIE WICHTIGKEIT DES FILMS
Warum gehe ich also die Geschichte dieses Themas durch? Wahrscheinlich haben Sie schon einiges davon gehört. Wie lässt sich das auf die Bedeutung des Films übertragen? Sagen wir es mal so… Film ist das ursprüngliche Medium. Es ist das, was die Großen seit mehr als 100 Jahren nutzen und aus welchen Gründen auch immer – es wurde durch die digitale Technik verdrängt.
Digital ist jetzt der König des Hügels, aber ist das eine gute Sache? Das ist weder gut noch schlecht! Wir haben die Schleusen für eine neue Generation von Filmemachern geöffnet, die nie in der Lage gewesen wäre, einen Film zu erwerben. Wir haben Menschen eine Stimme gegeben, die sich vorher möglicherweise nie hätten ausdrücken können. Das digitale Medium ist das Werkzeug, das wir brauchen, um die Branche für diejenigen zu öffnen, die sich beteiligen wollen. Es hat uns geholfen, eine andere Art und Weise zu verstehen, Filme zu machen, und es ist immer gut, „Optionen“ zu haben, wenn man Filme macht.
Nun, lassen Sie uns kurz über diese „Optionen“ sprechen…
Im Jahr 2014 hat eine der langjährigen Farbnegativ-Filmfirmen ihre Filmproduktion eingestellt. Das war Fujifilm, der Hersteller von ETERNA, und was manche für einen gut aussehenden Konkurrenten von Kodak halten. Jetzt haben wir es mit einem auslaufenden Material zu tun, mit dem wir möglicherweise nie wieder filmen können.
Warum ist das also ein Problem? Das Problem ist, dass wir eine „Option“ für das Filmemachen verloren haben. Die einzigen verbliebenen Farbnegative sind die Kodak Vision3-Reihe und Wittner Agfachrome 200D für die Farbumkehrung. Abgesehen von einigen kleinen, experimentellen Boutique-Filmen sind das ALLE Farbfilme, die uns noch zur Verfügung stehen. Oh, habe ich vergessen zu erwähnen, dass Kodak 2012 Konkurs angemeldet hat und wir auch diesen Film beinahe verloren hätten…
Mein Problem mit der Digitalisierung ist, dass sie es der Masse ermöglicht hat, leicht zu vergessen, was „Film“ ist, welche Rolle er bei der Entstehung des Filmemachens bis heute gespielt hat und wofür er gestanden hat. In weniger als einem Jahrzehnt wurde der Film fast zu Tode getreten. Wenn sich nicht eine Gruppe von Hollywood-Eliten zusammengetan hätte, hätten wir möglicherweise ein Medium, eine Kunstform und eine Denkweise verloren.
Hier sind einige Filmemacher, die etwas über den Film zu sagen haben:
Hoyte van Hoytema (Tinker Tailor Soldier Spy, Interstellar, Her)
Die Debatte an sich ist einfach dumm, weißt du? Eines der schlimmsten Dinge an der Debatte ist, dass sie davon ausgeht, dass es ein „besser“ und ein „schlechter“ gibt, dass es einen „Gewinner“ und einen „Verlierer“ gibt. So sehe ich die Sache überhaupt nicht. Diese Polarisierung und Darstellung, dass es etwas Besseres und etwas Schlechteres gibt, ist einfach lächerlich. Jeder kann begründen, warum etwas im technischen Sinne gut oder schlecht ist. Aber der Grund, warum Filmemacher wie Christopher Nolan auf Film drehen, hat nichts mit „besser“ oder „schlechter“ zu tun. Es hat einfach mit dem ganz persönlichen Geschmack zu tun. Jeder will eine andere Art von Leinwand. Manche Leute malen gerne mit Ölfarben, andere mit Acrylfarben und wieder andere mit Kuhscheiße, verstehen Sie? Diese ganze Diskussion ist nutzlos, und das Einzige, was diese Diskussion bewirkt hat, ist, dass Leute, die keine Ahnung davon haben, anfangen, sich für ein Format einzusetzen. Das ist sehr traurig, denn ich denke, dass Leute wie Chris oder Quentin Tarantino oder Scorsese oder Spielberg, wer auch immer, oder Paul Thomas Anderson diese Wahl haben sollten. Ihre Entscheidung, warum sie filmen, ist nicht immer eine technische Entscheidung.
(„‚Interstellar‘-Kameramann über die Grundlagen von Nolans Film und das Filmen von Bond“)
Martin Scorsese (Goodfellas, Casino, The Departed)
Wir haben viele Namen für das, was wir tun – Kino, Filme, Spielfilme. Und … Film. Man nennt uns Regisseure, aber häufiger werden wir Filmemacher genannt. Filmemacher. Ich will damit nicht sagen, dass wir das Offensichtliche ignorieren sollten: HD ist nicht im Kommen, es ist schon da. Die Vorteile sind zahlreich: Die Kameras sind leichter, es ist viel einfacher, bei Nacht zu filmen, wir haben viel mehr Möglichkeiten, unsere Bilder zu verändern und zu perfektionieren. Und die Kameras sind erschwinglicher: Filme können jetzt wirklich für sehr wenig Geld gemacht werden. Selbst diejenigen von uns, die immer noch auf Film drehen, stellen ihre Filme in HD fertig, und unsere Filme werden in HD projiziert. Wir könnten uns also leicht darauf einigen, dass die Zukunft schon da ist, dass Film umständlich und unvollkommen ist, schwer zu transportieren und anfällig für Abnutzung und Verfall, und dass es an der Zeit ist, die Vergangenheit zu vergessen und sich zu verabschieden – wirklich, das wäre leicht zu machen. Zu leicht.
Es scheint, als würde man uns immer wieder daran erinnern, dass der Film schließlich ein Geschäft ist. Aber Film ist auch eine Kunstform, und junge Menschen, die Filme machen wollen, sollten Zugang zu den Werkzeugen und Materialien haben, die die Grundlage für diese Kunstform waren. Würde irgendjemand im Traum daran denken, jungen Künstlern zu raten, ihre Farben und Leinwände wegzuwerfen, weil iPads so viel leichter zu transportieren sind? Nein, natürlich nicht. In der Geschichte des Kinofilms wurde nur ein winziger Prozentsatz der Werke, die unsere Kunstform ausmachen, nicht auf Film gedreht. Alles, was wir in HD machen, ist ein Versuch, das Aussehen von Film nachzubilden. Film bietet auch heute noch eine reichhaltigere visuelle Palette als HD. Und wir dürfen nicht vergessen, dass Film immer noch die beste und einzige bewährte Methode ist, um Filme zu bewahren. Wir können nicht garantieren, dass digitale Daten überdauern, aber wir wissen, dass Filme überdauern, wenn sie richtig gelagert und gepflegt werden.
Unsere Branche – unsere Filmemacher – haben sich hinter Kodak gestellt, weil wir wussten, dass wir es uns nicht leisten können, sie zu verlieren, so wie wir so viele andere Filmmaterialien verloren haben. Diese Nachricht ist ein positiver Schritt zur Erhaltung des Films, der Kunstform, die wir lieben.
(„Martin Scorsese schreibt Brief zur Unterstützung von Kodak und Filmmaterial“)
Viele der Filmemacher, zu denen wir heute aufschauen, haben ihre Meinung zu diesem Thema. Der Krieg tobt mit der „Film vs. Digital“-Debatte weiter, aber das ist nicht der Punkt, auf den ich hinaus will. Es geht darum, wie wichtig es ist, so viele Möglichkeiten wie möglich zu erhalten. Je weniger Optionen wir haben, desto weniger Möglichkeiten haben wir, uns auszudrücken. Als Filmemacher weiß ich, dass ich nicht aufgrund von Auslaufprodukten in meiner Kreativität eingeschränkt werden möchte.
DIE ZUKUNFT DES FILMS
Wenn wir weiter auf dem Weg der Digitalisierung der restlichen Welt voranschreiten, sehe ich eine glänzende Zukunft für den Film. In den letzten zwei Jahren haben wir ein Wiederaufleben des „Films“ in der Industrie und das Interesse einer jüngeren Bevölkerungsgruppe erlebt. Kodak ist dem fast sicheren Tod entkommen und befindet sich nicht mehr im Konkurs. Immer mehr Filmproduktionen entscheiden sich dafür, komplett auf Film zu drehen oder eine Mischform mit Digitaltechnik zu wählen. Indie-Produktionen sehnen sich nach einem nostalgischen Vintage-Look und suchen nach Crews, die mit dem Medium umgehen können. Immer mehr Filme werden mit Filmprojektionen versehen und das Publikum kommt, um sie zu genießen!
Wir schaffen eine Welt, in der BEIDE Medien zusammen leben und arbeiten können. Das ist die Zukunft, die ich sehe, und sie kommt gerade erst an. Da Kodak in den USA und in Großbritannien neue Entwicklungslabors eröffnet und Ektachrome wiederbelebt, hoffe ich, dass Arri und Panavision eine neue Filmkamera ankündigen werden. Wenn Regisseure und Kameraleute sich weiter anstrengen, kann es mit dem Film und seiner Nachhaltigkeit nur aufwärts gehen.
Auch Blackmagic Design, einer der größten Hersteller von digitalen Kinokameras, macht im „Film“-Bereich der Branche Schlagzeilen. In den letzten Jahren hat das Unternehmen den langjährigen Filmscanner-Hersteller Cintel übernommen und seinen ersten 4K-Filmscanner vorgestellt. Der schlanke und elegante Blackmagic Design Cintel Scanner kann wunderschön an der Wand hängen und lässt sich mühelos über Davinci Resolve anschließen. Dies schafft einen Weg für kostengünstige Scans für Filmemacher, die in die Tür zu bekommen.
ZUSAMMENFASSUNG
Ich denke, ich will damit sagen, dass man studieren sollte, was vor uns war, und die Werkzeuge ausprobieren sollte, die die Großen benutzt haben. Ganz gleich, ob Sie beim Film bleiben oder sich für die digitale Fotografie entscheiden, zumindest haben Sie das Medium ausprobiert und verstehen seine Bedeutung. Ich könnte den ganzen Tag darüber reden, dass es kein besseres Gefühl gibt, als den Film durch die Kamera rollen zu hören, dass es nichts Befriedigenderes gibt, als zu sehen, wie das Bild zum Leben erwacht, wenn es aus dem Labor zurückkommt. Es ist eine magische Erfahrung, aber wenn ich das sage, werden Sie es nicht verstehen, bevor Sie es nicht selbst ausprobiert haben.
Wir müssen weiterhin Wege finden, um bewegte Bilder einzufangen. Wenn es neue Möglichkeiten gibt, VR 360-Grad-Videos zu nutzen, dann sollten wir sie in den Werkzeugkasten aufnehmen. Wir brauchen eine Zukunft ohne Einschränkungen, und das fängt damit an, dass wir bewahren und nicht vernachlässigen.
Eine letzte Sache… Digitalkameras versuchen, den „Film“ zu kopieren. Warum nicht einfach auf Film drehen, anstatt so zu tun als ob? Geh da raus und mach einen Film!
Grüße,
Brendan Sweeney
www.brendanjsweeney.com
@brenjamessween