„Every Picture Tells a Story“. Zweifellos kennen Sie den Song von Rod Stewart, aber halten Sie jemals inne, wenn Sie mit Ihrer Kamera vor die Tür gehen, um darüber nachzudenken, was diese Worte bedeuten? Was, so fragen Sie sich, will ich mit jedem Bild sagen? Muss ich mehr Bilder machen, um die Botschaft, die die Welt sehen und hören soll, zu gestalten? Und schließlich fragen Sie sich vielleicht: Muss ich die Bilder in einen Wortschwall tauchen oder sollte ich sie für sich selbst sprechen lassen?
Ich habe sechs Fotografen aus dem ganzen Land und der ganzen Welt gefragt, wie sie das Konzept der Fotostory interpretieren. Hier sind ihre Gedanken zu diesem Thema, zusammen mit einer Auswahl von Bildern, die die Essenz der Fotostory aus ihrer Sicht widerspiegeln. Besuchen Sie ihre Websites, um ein vollständiges Bild zu erhalten.
Die Fotostory: Ein Bild oder viele?
Meine erste Frage bezieht sich auf die Anzahl der Bilder, die für eine wirkungsvolle Fotostory erforderlich sind. Der Fotojournalist und Dokumentarfilmer Dave Yoder (daveyoder.com) macht den Anfang. In einer Serie, „Fashionista“, wirft Yoder einen einzigartigen Blick auf die Welt der Mode. Wir sehen keine phantasievollen Laufstege. Stattdessen sehen wir die ungeschminkte Wahrheit.
„Ich glaube, es besteht kein Zweifel daran, dass ein einziges Bild eine Geschichte erzählen kann“, beginnt Yoder, „auch wenn es wahrscheinlich eine sehr kurze sein wird. Wenn wir über Aufnahmen für eine Veröffentlichung sprechen, gibt es so viele Faktoren, die sowohl innerhalb als auch außerhalb der Kontrolle des Fotografen liegen, wie z. B. das Medium, das für die Übertragung des Fotos oder der Fotos verwendet wird, wie viel Platz zur Verfügung steht oder ob man überhaupt seine beste Arbeit abliefert, indem man das Foto wählt, das zusammenfasst und resümiert, anstatt eines, das den Betrachter ein wenig hungrig zurücklässt, das ästhetisch ansprechender ist oder sogar einfach auf eine Art und Weise ‚besser‘ ist, die keiner verbalisierten Erklärung geschuldet ist.“
Er fährt fort: „Einige der ikonischsten fotojournalistischen Bilder hinterlassen eine Spur von unbeantwortbaren Fragen. Ich glaube, dass der Fotograf die Pflicht hat, ehrlich darüber zu sein, um welche Art von Arbeit es sich bei seiner Fotografie handelt, und dass er den besten Versuch der Wahrhaftigkeit schuldet.“
Dieselbe Frage stellte ich dem Tier- und Naturfotografen John Hyde (wildthingsphotography.com). Hyde fängt die Wildnis Alaskas auf eine Art und Weise ein, die die Geschichte des Überlebens unter den härtesten Bedingungen erzählt. Seine Serie über Wölfe zum Beispiel gibt uns einen Einblick in diese Raubtiere, die wir nie im Zoo und selten im Fernsehen zu sehen bekommen würden und die oft von Isolation und Einsamkeit geprägt sind.
„Zweifellos kann ein einziges Foto eine Geschichte erzählen“, meint Hyde. „Es gibt viele Bilder aus dem letzten Jahrhundert, die genau aus diesem Grund zu fotografischen Ikonen geworden sind. Eine der wertvollsten Eigenschaften eines solchen Bildes ist vielleicht, dass es nicht nur eine Emotion oder ein soziales oder ökologisches Thema beispielhaft darstellt, sondern dass es in der Lage ist, alle Sprachbarrieren zu überwinden. Es ist ein Bild, das alle berührt, die es betrachten.
„Wenn ich mit der Arbeit an einer bestimmten Geschichte beginne“, fügt er hinzu, „ist es mein Ziel, diese Erfahrung mit anderen zu teilen. Ich möchte ein Gefühl des Staunens, ein Gefühl für einen Ort schaffen. Vor allem hoffe ich, dass meine Fotografien anderen helfen, fundiertere Entscheidungen zu treffen, wenn sie die Auswirkungen unserer Spezies auf die natürliche Welt und ihre wilden Bewohner in Betracht ziehen.“ (Lesen Sie hier das Shutterbug-Profil von John Hyde.)
Der Fotograf von Weltraumstarts, Ben Cooper (launchphotography.com), hat sich ebenfalls zu diesem Thema geäußert. Cooper sagt kurz und bündig, was viele von uns denken: „Manche Bilder sagen definitiv mehr als tausend Worte“, wie das Sprichwort besagt. (Ready Shutterbug’s profile of Ben Cooper here.)
Wie finden Sie Ihre Geschichten?
Diese Frage stelle ich der Dokumentarfotografin Jill Freedman (jillfreedman.com), und sie gibt eine augenöffnende Antwort.
„Eines Tages war ich zufällig mit einer Gruppe von Leuten zusammen, von denen eine Zirkusartistin war, die uns von ihren Zirkuserfolgen erzählte“, erinnert sich Freedman. „Und das brachte mich auf eine Idee… Es gab einen Zirkus, der außerhalb von Philadelphia spielte, und diese Person kannte eine der Hauptpersonen. Wir liehen uns ein Auto und fuhren nach Philadelphia, und ich erhielt die Erlaubnis, mit dem Zirkus zu fahren und ihn zu fotografieren.“ Das Ergebnis ist ein detaillierter Blick auf einen Zirkus, den wir weder vorher noch nachher gesehen haben.
Eine weitere bahnbrechende Fotostory dreht sich um die Feuerwehrleute von New York City, wie Freedman erzählt: „Die Fotostory über die New Yorker Feuerwehrleute entstand, als ich in einer Kneipe in Greenwich Village saß, die ich häufig besuchte. Ab und zu kam ein Feuerwehrmann herein, und er inspirierte mich zu dieser Geschichte. Er öffnete mir die Tür zu der Feuerwache, in der er gearbeitet hatte, und auch zu anderen.“
„Nach dieser Geschichte erhielt ich Anfragen, ob ich eine Geschichte über Polizisten machen könnte, was ich zunächst ablehnte“, fährt sie fort. „Doch dann kam mir die Idee, die gute Seite der New Yorker Polizisten zu zeigen, im Gegensatz zu dem Bild, das oft gezeichnet wurde. Und ich habe recherchiert. Im Hinterkopf hatte ich die eine grundlegende Frage, die bestimmen würde, wie ich diese Fotostory weiterverfolgen würde: Was bedeutet es, ein Polizist in New York City zu sein? Und das war meine Motivation.“ Auch mit diesen beiden Fotostorys gelingt es Freedman, uns eine Seite von New York und seinen Menschen zu zeigen, die wir bisher noch nicht gesehen haben.
Für ihre Serie „People and Other Animals“ wählt Freedman einen völlig anderen Ansatz, indem sie Bilder aus verschiedenen Situationen heraussucht, um eine Geschichte (kein Wortspiel beabsichtigt) mit einem gemeinsamen Thema zu weben. (Lesen Sie hier das Shutterbug-Profil von Jill Freedman.)
Der Kunstfotograf Cole Thompson (colethompsonphotography.com) geht die Fotogeschichte aus einem anderen Blickwinkel an. „Ich habe mir nie vorgenommen, eine Geschichte zu erzählen“, verrät er. „Ich plane nie. Ich bereite mich nie vor. Ich gehe einfach los und suche nach Inspiration. Mir ist klar geworden, dass mir die Planung den Spaß an der Sache nimmt, weil sie mir das Gefühl gibt, eine Aufgabe zu erfüllen. Ich habe festgestellt, dass es zwei Zutaten gibt, die für mich ein erfolgreiches Projekt ausmachen: Leidenschaft und Vision. Diese Bilder sind Darstellungen dessen, was ich in meinem Kopf sehe, was sich dann darauf auswirkt, wie ich das Motiv fotografiere und wie ich das Bild bearbeite.
„Wenn ich ein Bild oder eine Serie mache, denke ich nie daran, wie der Betrachter die Bilder interpretieren wird. Ich schaffe für mich selbst, und das ist meine einzige Überlegung.
Thompsons eindringliche Serie über Auschwitz-Birkenau entstand rein zufällig, völlig ungeplant, und doch gelingt es ihm, ein Gefühl der Trauer, des Mitleids und des Unglaubens zu wecken. Diese Gefühle tauchen auf, wachsen und verschlingen uns, während wir von einem Bild zum nächsten gehen. (Lesen Sie hier das Shutterbug-Profil von Cole Thompson.)
Wie erzählt man eine Fotogeschichte, die den Betrachter anspricht?
Viele von uns kennen Anuar Patjane (anuarpatjane.com) für seine tiefgründigen Unterwasseraufnahmen, aber dieser Fotograf hat noch eine ganz andere Seite. Er ist auch, wie er sagt, ein Dokumentarist und Anthropologe mit der Kamera, der verschiedene Kulturen aus unerwarteten Blickwinkeln erforscht.
„Das muss man mit dem Herzen machen, nicht nach rationalen Regeln und Formeln“, antwortet Patjane auf meine Frage. „Man muss sich wirklich auf die Emotionen und die Brücke zwischen dem Motiv und dem Betrachter konzentrieren, und der beste und einzige Weg, das zu tun, ist, Zeit in sein Motiv einzutauchen. Ganz gleich, ob es sich um das Meer, einen Berg oder eine Stadt handelt, wenn man sie nur oberflächlich betrachtet, wird man nichts erreichen. Werden Sie nass im Salzwasser oder spüren Sie die Kälte, bis Sie Ihre Finger nicht mehr spüren können. Wenn du nur bereit bist, das Durchschnittliche und Angenehme zu erleben, wird deine Arbeit mittelmäßig sein und du wirst nicht in der Lage sein, sie visuell zu erzählen, weil du sie nicht wirklich gefühlt hast.“ (Lesen Sie hier Shutterbugs Profil von Anuar Patjane.)
Abschließende Worte
Fotojournalismus bedeutet nicht, „sichere“ Bilder zu machen. Es geht darum, ein Bild zu machen, das Menschen zum Reden bringt. Und genau hier kommt die Fotostory ins Spiel. Ob als einzelnes Foto oder als Bildserie und oft umgeben von Worten, die das Gesehene vertiefen, ohne den Inhalt zu verwässern – die Fotostory löst einen Dialog aus, der mit dem Fotografen beginnt und mit dem Betrachter endet.
In unserer kleinen „Fotostory“ haben Fotografen verschiedener Disziplinen ihre individuellen Ansichten zum Ausdruck gebracht. Aus Platzgründen können wir nicht alle Kommentare wiedergeben, aber wir können aus dem, was wir gesammelt haben, einige grundlegende Dinge zusammenfassen. Kurz gesagt, es gibt gemeinsame Elemente. So gehen beispielsweise eine gute Komposition und ein aussagekräftiger Inhalt Hand in Hand, um beim Betrachter Anklang zu finden. Aber jeder Fotograf nähert sich der Fotostory aus einer anderen Perspektive, sei es das Thema der Story, die Beleuchtung, der Aufnahmewinkel oder irgendeine andere der zahllosen Variablen – und genau das macht sie für jeden Einzelnen einzigartig.
Die Moral von der Geschicht‘ ist: Beschränken Sie sich nicht auf das, was die Leute von Ihnen erwarten. Gehen Sie hinaus und machen Sie die Fotostory zu Ihrer eigenen. Öffnen Sie den Menschen die Augen mit dem, was Sie mit Ihrer Kamera zu sagen haben. Beginnen Sie mit einem Ziel, oder auch nicht, aber seien Sie aufmerksam und ergreifen Sie Gelegenheiten, wenn sie sich ergeben.
Jack Neubart (jackneubart.com, Instagram: @pixelperfexion) hat im Laufe der Jahre zahlreiche Bücher und Artikel über Fotografie verfasst.