Nationalität: Amerikaner. Geboren: Concord, Kalifornien, 9. Juli 1956. Ausbildung: Besuchte die California State University in Sacramento. Familie: Verheiratet 1) mit Samantha Lewes, 1978 (geschieden 1985), zwei Kinder; 2) mit der Schauspielerin Rita Wilson, 1988, Söhne: Chester, Truman Theodore. Berufliche Laufbahn: Praktikant beim Great Lakes Shakespeare Festival, Cleveland, Ohio, und Schauspieler bei der Riverside Shakespeare Company, New York City; 1980 Filmdebüt in He Knows You’re Alone; Fernsehauftritte u. a. in Bosom Buddies, 1980-82, Happy Days, 1982, und Family Ties, 1983-84. Auszeichnungen: Bester Schauspieler, Los Angeles Film Critics, für Big und Punchline, 1988; Oscar für den besten Darsteller, für Philadelphia, 1993, und Forrest Gump, 1994. Agent: c/o Creative Artists Agency, 9830 Wilshire Blvd, Beverly Hills, CA 90212, U.S.A.
Filme als Schauspieler:
1980
Er weiß, dass du allein bist (Mastrioianni) (als Elliot)
1982
Mazes and Monsters (Stern-for TV)
1984
Splash (Ron Howard) (als Allan Bauer); Bachelor Party (Israel) (als Rick Gasko); Der Puppenmacher (Petrie-für TV)
1985
Der Mann mit dem einen roten Schuh (Dragoti) (als Richard); Volunteers (Meyer) (als Lawrence Bourne III)
1986
Die Geldgrube (Benjamin) (als Walter Fielding); Nothing in Common (Garry Marshall) (als David Basner); Everytime We Say Goodbye (Mizrahi) (als David)
1987
Dragnet (Mankiewicz) (als Pep Streebek)
1988
Big (Penny Marshall) (als Josh Baskin); Punchline (Seltzer) (als Steven Gold)
1989
The ‚Burbs (Dante) (als Ray Peterson); Turner und Hooch (Spottiswoode) (als Scott Turner)
1990
The Bonfire of the Vanities (De Palma) (als Sherman McCoy); Joe versus the Volcano (Shanley) (als Joe Banks)
1992
Radio Flyer (Donner) (als Erzähler); A League of Their Own (Penny Marshall) (als Jimmy Dugan)
1993
Schlaflos in Seattle (Ephron) (als Sam Baldwin); Philadelphia (Jonathan Demme) (als Andrew Beckett)
1994
Forrest Gump (Zemeckis) (Titelrolle)
1995
Apollo 13 (Ron Howard) (als Jim Lovell); Toy Story (Lasseter) (als Stimme von Woody); The Celluoid Closet (Epstein und Friedman-doc) (als Interviewpartner)
1997
Ich bin dein Kind (doc) (Reiner-für TV)
1998
Von der Erde zum Mond (Carson, Field-mini) (als Jean-Luc Despont); Saving Private Ryan (Spielberg) (als Captain John Miller); You’ve Got Mail (Ephron) (als Joe Fox III)
1999
Toy Story 2 (Brannon, Lasseter) (als Stimme von Woody); The Green Mile (Darabont) (als Paul Edgecomb)
Film als Regisseur:
1989
Geschichten aus der Gruft
1993
A League of Their Own: „The Monkey’s Curse“ (für TV); Fallen Angels: „I’ll Be Waiting“ (für TV)
1996
That Thing You Do (+ ro, sc)
1998
From the Earth to the Moon, Part 1 (für TV + pr +sc on parts 6,7,11,12)
Publikationen
Von HANKS: Artikel-
Interview, in Films (London), Juli 1984.
Interview, in Photoplay (London), September 1984.
Interview, in Time Out (London), 26. Oktober 1988.
Interview mit Beverly Walker, in Film Comment (New York), März/April 1989.
„An Interview with Geena Davis“, in Interview (New York), März 1992.
Interview mit Brendan Lemon, in Interview (New York), Dezember 1993.
„A Philadelphia Story“, Interview mit Brad Gooch, in Advocate, 14. Dezember 1993.
„Peaking Tom“, Interview mit Brian D. Johnson, in Maclean’s (Toronto), 11. Juli 1994.
„I Wonder, How Did This Happen To Me?“, Interview mit Andrew Duncan, in Radio Times (London), 16. September 1995.
„What on Earth Do I Do Next?“ Interview mit Jane E. Dickson, in Radio Times (London), 1. Februar 1997.
„Hanks for the Memories,“ Interview mit Trevor Johnston, in Time Out (London), 22. Januar 1997.
Über HANKS: Bücher-
Trakin, Roy, Tom Hanks: Journey to Stardom, 1987; rev. ed.1995.
Salamon, Julie, The Devil’s Candy: „The Bonfire of the Vanities“ Goes to Hollywood, Boston, 1991.
Wallner, Rosemary, Tom Hanks: Academy Award-Winning Actor, Edina, Minnesota, 1994.
Pfeiffer, Lee, The Films of Tom Hanks, Secaucus, New Jersey, 1996.
Quinlan, David, Tom Hanks: a Career in Orbit, B. T. Batsford Limited, 1998.
McAvoy, Jim, Tom Hanks, Broomall, 1999.
Über HANKS: Artikel-
Current Biography 1989, New York, 1989.
Troy, C., „It’s a Cool Gig“, in American Film (Hollywood), April 1990.
DeNicolo, David, „Right behind Mr. Nice Guy Lurks an Edgy Tom Hanks“, in New York Times, 20. Juni 1993.
Conant, Jennet, „Tom Hanks Wipes That Grin off His Face“, in Esquire (New York), Dezember 1993.
Andrew, Geoff & Floyd, Nigel, „No Hanky Panky: The ‚Philadelphia‘ Story/Straight Acting,“ in Time Out (London), 23. Februar 1994.
Ebert, Roger, „Thanks, Hanks,“ in Playboy (Chicago), Dezember 1994.
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Es ist ein Klischee der Presse-Agentur, dass Komödianten immer auf der Suche nach einer „Strecke“ sind, um sich als ernsthafte Schauspieler neu zu definieren. Viel seltener ist die bemerkenswerte Wandlung von Tom Hanks vom mäßig erfolgreichen Sitcom-Co-Star zu einem der beliebtesten Schauspieler Amerikas, der wie nur Spencer Tracy zwei Oscars in Folge als bester Schauspieler gewonnen hat. Nachdem er seine eigene komödiantische Persönlichkeit fest etabliert hatte, übernahm Hanks Rollen, die bewusst gegen seinen Typus zu spielen schienen oder ihn als Subtext verwendeten, während er ihn in einigen jüngeren Rollen, vor allem in seiner Rolle als freundlicher Gefängniswärter vom Lande in The Green Mile, scheinbar ganz aufgegeben hat. Weniger ein Komiker mit schauspielerischem Talent als ein Schauspieler mit einer schrägen Sensibilität, die sich für komische Rollen eignet, gelang Hanks besser als jedem anderen komischen Schauspieler seiner Generation der Übergang zu dramatischen Hauptrollen.
Wenn man auf den Film Splash von 1984 zurückblickt, der dem jungen Schauspieler seine erste Hauptrolle und sofortigen Ruhm einbrachte, stellt man fest, dass er keine „Lehrlings“-Performance abliefert, die nur flüchtige Einblicke in seine zukünftige Leinwandpersönlichkeit bietet, sondern vielmehr eine vollwertige Tom-Hanks-Performance. Schon jetzt ist die unverwechselbare Kombination aus Schüchternheit und kühlem Wissen zu erkennen. Er nutzt sein leicht pummeliges, jungenhaftes Gesicht mit dem schiefen, verschmitzten Lächeln voll aus; insbesondere beherrscht er eine große Vielfalt an Gesichtsreaktionen auf das bizarre oder unausstehliche Verhalten anderer (die unverschämten Pläne eines Bruders, die Unhöflichkeit eines Wissenschaftlers, eine Meerjungfrau, die einen Hummer mitsamt Schale isst), so als führe er einen inneren Dialog mit sich selbst. In der Szene, in der die Meerjungfrau den Heiratsantrag des Jünglings ablehnt, sieht man auch einen Vorgeschmack auf die sarkastische Wut, die er in seinen dramatischen Rollen in Nothing in Common und Punchline noch deutlicher zeigen wird. Er ist oft dann am lustigsten, wenn seine Figur am unglücklichsten ist, wie in der Hochzeitsszene, wo die Fragen der Gäste nach seiner abwesenden Verlobten (die ihn gerade zurückgewiesen hat) zunehmend verärgerte Reaktionen hervorrufen.
Splash etabliert auch eine Lieblingssituation für eine Tom-Hanks-Komödie: eine relativ normale, einigermaßen kultivierte Person, die mit erstaunlich wenig Hysterie auf die absurdesten Situationen reagiert: hier eine Meerjungfrau, später ein einstürzendes Haus, unheimliche Nachbarn, ein unausstehlicher Hund, ein Menschenopfer für einen Vulkan oder die Wechselfälle des Friedenskorps. Mit der besonderen Ausnahme von Big entwickeln die leichten Komödien die Person Hanks nicht weiter, sondern wiederholen sie nur; in der Tat bieten sie nur einen blassen Abglanz des Originals, wenn das Drehbuch und die Regie schwach sind, wie in The ‚Burbs.
Hanks‘ jungenhaftes Aussehen und seine manchmal schelmische Art eigneten sich für Rollen, in denen ein unreifer Jugendlicher, der nicht so sehr gefühllos als rücksichtslos oder egozentrisch ist, erwachsen werden muss. In Volunteers muss der unfreiwillige Held des Friedenskorps (wenn auch nur oberflächlich) erwachsen werden; in Nothing in Common ist ein selbst als „kindisch und egoistisch“ bezeichneter Werbefachmann noch kein „richtiger Erwachsener“ geworden, weil er durch die Entfremdung von seinen Eltern emotional verhaftet ist; und in Punchline ist ein Möchtegern-Komiker (wieder) von seinem Vater entfremdet und nur zu einer ödipalen Schwärmerei für eine ältere Frau fähig. Sogar in Sleepless in Seattle, wo der ältere Hanks ein Witwer mit einem kleinen Sohn ist und nichts von seinem Ungestüm hat, verlangt die Rolle von ihm, dass er die ängstlichen Tage als Junge, in denen er die „Regeln“ für Verabredungen neu lernen musste, noch einmal durchspielt.
Das Thema der Reife wird am interessantesten in Big behandelt, der die immerwährende Anziehungskraft des amerikanischen Kindmannes auf amerikanische Frauen und auf das populäre Filmpublikum kritisiert (und gleichzeitig aus dieser Anziehungskraft Kapital schlägt). Um einen 13-Jährigen im Körper eines Mannes darstellen zu können, muss Hanks die hippe Seite seiner Person völlig ausblenden, aber es bleibt überraschend viel von Hanks‘ Art übrig: die Schüchternheit, die wachsame Aufmerksamkeit, die Momente des Überschwangs und der Verspieltheit. Vielleicht ist die wirklich neue Dimension in dieser Rolle der gelegentliche Moment nackter Verletzlichkeit, vor allem in der bewegenden Szene der ersten Nacht des Mannes in einem unheimlichen Hotel.
Im selben Jahr wie Big veröffentlicht, bietet Punchline eine von Hanks‘ komplexesten dramatischen Leistungen. Neben einigen virtuosen Szenen, wie dem emotionalen Zusammenbruch auf der Bühne und der komisch-pathetischen „Singin‘ in the Rain“-Nummer, gelingt es Hanks hier, aus einer extrem sprunghaften Figur Szene für Szene etwas Beständiges zu machen, ganz abgesehen davon, dass er Sympathie für einen oft ungehobelten Egoisten entwickelt. Bei seiner Darstellung eines schwulen Anwalts mit AIDS in dem Lehrstück Philadelphia könnte der Zyniker einwenden, dass ein Großteil seines körperlichen Verfalls durch Make-up erreicht wird und dass ein Großteil der Kraft seines „Maria Callas“-Monologs, der praktisch eine Arie für sich ist, von der eigenen Stimme der Diva und der nahezu expressionistischen Beleuchtung und den hohen Kamerawinkeln des Regisseurs stammt. Aber natürlich muss man dem Schauspieler zugute halten, dass er die Momente des überwältigenden Schreckens, der Entschlossenheit, Gerechtigkeit zu erreichen, der sardonischen Bitterkeit und – mit einem Hauch des jungenhaften Lächelns von Hanks in der Szene im Zeugenstand – der idealistischen Liebe zum Gesetz vermittelt. Von seinen anderen dramatischen Rollen aus der Zeit vor Gump gelingt es Hanks nur in Das Feuer der Eitelkeiten, in dem er tapfer einen Akzent der Oberschicht trägt, der aber durch ein schlecht durchdachtes Drehbuch (und übrigens auch durch sein eigenes unpatriotisches Aussehen) sabotiert wird, keinen kohärenten Charakter zu schaffen, obwohl er zumindest in der Szene, in der er die Partygäste vertreibt, eine großartige Darbietung von Empörung zeigt.
Was seine Verkörperung des „Einfaltspinsels“ Forrest Gump angeht, so muss es genügen zu sagen, dass Hanks hinter dem amerikanisch-gotischen Stirnrunzeln und der fast monotonen Darstellung eine bemerkenswert subtile Palette von Stimmlagen und Blicken findet, um ein Innenleben für eine Fantasiefigur zu suggerieren – einen, der bereits „alt“ im Leiden ist, aber nie vom Kummer erdrückt wird, einen alten Seefahrer, der Amerika eine Geschichte zu erzählen hat, aber keine Schuld zu sühnen. Das Gewicht, das hinter jeder Wiederholung von „Das ist alles, was ich dazu zu sagen habe“ steht; die leiseste Andeutung von wissender Missbilligung in Anspielungen auf Richard Nixon; die seltenen Ausbrüche von Freude beim Wiedersehen mit Leutnant Dan: diese und zahllose andere Details fügen Schattierungen zu dem hinzu, was eine steife allegorische Figur hätte sein können.
Es ist bezeichnend für Hanks‘ Status als allamerikanische Ikone nach Gump, dass seine anständige, solide Leistung als anständiger, solider Astronaut in Apollo 13 weithin als Oscar-verdächtig gepriesen wurde, und er erhielt eine Nominierung für etwas, das man als Studie über heldenhaften Anstand bezeichnen könnte, nämlich für Saving Private Ryan. Es ist lehrreich, seine Leistung mit der von Lee Marvin in Samuel Fullers The Big Red One (1980) zu vergleichen, einer anderen Geschichte aus dem Zweiten Weltkrieg über einen Mann, der eine kleine Gruppe von Soldaten durch den Kampf führt. Marvins griesgrämiger Veteran, der ebenso anständig ist, aber das Wesen des harten Sarge verkörpert, ist Welten (aber wirklich nur eine Generation) von Hanks‘ und der Drehbuchautoren trocken-ironischem, aber fast knallhartem Captain Miller entfernt. Miller ist fest genug, um glaubhaft zu befehlen, sensibel genug, um weinend zusammenzubrechen, wenn die anderen Soldaten ihn nicht sehen können, fähig zur Empörung, wenn einer seiner Männer den Befehl zur „Rettung“ eines kleinen Mädchens missachtet, und auch zu ironischem Geplänkel mit seinen Männern, eine von Hanks‘ reicheren Rollen. Sie erlaubt ihm große Reden, wenn er versucht, die Anzahl der Männer zu rechtfertigen, die er unter seinem Kommando verloren hat, und subtile Momente, wenn er – auf ganz unterschiedliche Weise und mit unterschiedlichem Tonfall – zwei verschiedenen Gefreiten Ryans (der erste ist der falsche Mann) mitteilt, dass alle seine Brüder im Kampf gefallen sind. Als der erste Ryan merkt, dass er sich geirrt hat, fragt er unter Tränen: „Heißt das, dass meine Brüder in Ordnung sind?“ Millers Antwort: „Ja, ich bin sicher, dass es ihnen gut geht“, ist in ihrer an Sarkasmus grenzenden Ironie und ihrem Abscheu über die ganze Situation eine reine Hanks-Rolle, ohne den Charakter zu verletzen.
Hanks‘ einzige insgesamt „leichte“ Rolle in den letzten Filmen war die Stimme von Woody in den Toy Story-Filmen. Natürlich handelt es sich bei You’ve Got Mail um eine romantische Komödie, aber anstatt die Figur aus Schlaflos in Seattle, seinem letzten Film mit Meg Ryan, zu wiederholen, ist er erfrischend (in den eigenen Worten der Figur) ein arroganter, boshafter und herablassender „Mr. Nasty“, ein Megabuchhändler, der die Gelegenheit genießt, Ryans vornehmes Geschäft in der Nachbarschaft zu ruinieren. Die Handlung verlangt, dass die Anständigkeit, die der Figur zugrunde liegt, in der anonymen E-Mail-Freundschaft mit Ryan zum Vorschein kommt, und dass er nach seiner anfänglichen Empörung darüber, dass sein elektronischer Brieffreund sein unerträglicher Geschäftsfeind ist, sein Herz ändert; aber glücklicherweise wird Hanks nie schmierig und ruft nie seine alte knabenhafte Niedlichkeit ab, wenn seine Figur zu einem verfolgenden Liebhaber wird. (Er erinnert uns auch nie an James Stewart, eine andere amerikanische Ikone, der 1940 die Originalrolle in The Shop Around The Corner spielte). Tatsächlich bleibt er sogar bis zum Schluss ein wenig rotzig.
Während überzeugend heilige und zurückhaltende amerikanische Helden auf der Leinwand immer Mangelware sind, kann man hoffen, dass Hanks nicht zu viele solcher Rollen wählt. Am einprägsamsten bleibt er, wenn er in Rollen mit einer seltsamen Mischung aus Komödie und Drama ein Risiko eingeht, wie der Komiker in Punchline, sein Gump oder – eine echte Charakterrolle – sein betrunkener Baseballtrainer in A League of Their Own.
-Joseph Milicia