Struktur der Kurzfilmerzählung
„Diese Geschöpfe sind unter uns, obwohl sie sich morphologisch nicht von uns unterscheiden; wir müssen nicht einen Wesensunterschied, sondern einen Verhaltensunterschied annehmen.“ – Phillip K. Dick
Die Struktur von Kurzfilmgeschichten ist ein schwieriger Punkt in Bezug auf die Bildung. Vor allem drei Akte innerhalb von 10/15 Seiten können extrem schwierig sein, wenn man auf der Grundlage einer soliden Idee schreibt, die man vielleicht hat.
Unsere Gewohnheiten bei der Programmierung von Festivals haben begonnen, unbewusst immer wieder, offizielle Auswahl für offizielle Auswahl, zu beweisen, dass preiswürdige – zehn von zehn – Arbeiten diesen einfachen Regeln folgen müssen, um das Publikum von Anfang bis Ende zu begeistern.
Danke, dass Sie unsere Beiträge gelesen haben. Sollten Sie jemals in der Lage sein, Ihr Werk bei einem unserer Filmfestivals auf der ganzen Welt einzureichen, gewähren wir Ihnen als Dankeschön für den direkten Kontakt mit uns gerne Rabatte. Schicken Sie uns einfach eine E-Mail an – sagen Sie uns, bei welchem(n) Festival(s) Sie einreichen möchten, und wir schicken Ihnen die Rabattcodes zu… Prost!
Was uns aufgefallen ist…
- Das Hauptziel des Kurzfilms ist auf das Publikum ausgerichtet.
- Du befolgst die vier Regeln von Lift-Off für das Kurzfilmemachen.
- Du hältst dich an die einfache Struktur mit drei Akten und hältst dich an das Prinzip des Point of no Return (und vielleicht mit einem Epilog).
Ihre Kurzfilme sind super objektiv.
Sie zielen immer darauf ab, dass das Publikum…
- von Anfang an aufmerksam ist.
- Beteiligen Sie sich an der Erzählung bis zum Ende.
- Stellen Sie eine Frage an das Werk.
- Wenden Sie diese Frage auf sich selbst.
- Fühlen Sie sich verändert, nachdem Sie die Erzählung erlebt haben – auf irgendeine Weise.
Regel 1. Fange sofort an.
Der Vorspann hat einen seltsamen Platz in einem Kurzfilm. Die Zuschauer müssen nicht wissen, wie jemand heißt, wer der Regisseur ist oder, in einigen extremen Fällen, wie der Film heißt. Es ist eine Verschwendung von Bildschirmzeit, und bei vielen Filmen, bei denen der Vorspann drei oder sogar vier Minuten lang ist, schaltet das Publikum ab, beginnt miteinander zu reden und entfernt sich von der ursprünglichen Absicht, das Werk zu sehen. Der Fehler ist leicht zu machen, denn manchmal wollen die Kurzfilmemacher den Anfang ihrer Lieblingsspielfilme nachahmen, aber das funktioniert nicht. Es gibt wirklich nicht viele Gelegenheiten, bei denen lange Titel (oder Abspänne) akzeptabel sind – vermeiden Sie sie also.
Regel 2. Achten Sie auf den Aufbau.
Der erste Akt Ihrer Geschichte könnte auf der ersten Seite beginnen und enden, in der ersten Minute, ohne jeden Dialog. Wir müssen die Essenz des Dramas kennen, das ist es, was das Publikum eines Filmfestivals dazu bringt, sich nach vorne zu setzen.
Der Film und die Szene beginnen direkt hinter dem Kopf eines Mannes, der zielstrebig geht und etwas auf dem Kopf trägt, das wie eine schwarze Wollmütze aussieht…
…Der Mann geht in eine belebte Bar, eine Band spielt, irische Stimmen und das Klirren von Pint-Gläsern sind zu hören, der Mann zieht eine schwarze Sturmhaube über sein Gesicht. Alle in der Bar drehen sich um und sehen ihn an. Die Band hört auf zu spielen. Die Kamera bewegt sich und zoomt aus der PoV-Perspektive des Mannes auf den Schlagzeuger der Band…
Schlagzeuger
„Fuck“
Das ist ein ziemlich anständiger Aufbau für einen Kurzfilm. Ohne Umschweife, ohne Schnickschnack (der kommt später), kein Dialog bis zur absoluten Bruchstelle… Sind die Zuschauer engagiert? Ja.
Regel 3. Fangen Sie mit Szenen und Dialogen an Sollbruchstellen an.
Wenn Sie sich Szenen in Ihrem Werk ausdenken und schreiben, versuchen Sie, den erzählenden Dialog so klein wie möglich zu halten. Die Charaktere müssen nicht reden, dem Publikum sagen, wer wer ist, komplizierte Sachverhalte erklären oder über nichts reden. Sie müssen nichts sagen, bis es aufgrund der Handlung und des Dramas, das sie umgibt, unerlässlich ist, dass sie sprechen.
Dies ist eine uralte Methode, die gut funktioniert: mehr zeigen, weniger sagen.
„Ich bin müde“ ist nicht annähernd so dramatisch wie eine Figur, die fast einschläft oder gähnt – wir fühlen mit der Körperlichkeit von Gefühlen mit, also zeige das Gefühl, erzähle es nicht, und das Publikum wird darauf reagieren – wahrscheinlich, indem es zurück gähnt – aber das ist ein gutes Gähnen.
Zu spät in die Szene einsteigen und zu früh aufhören sind gute Schreibgewohnheiten, die man sich angewöhnen sollte. Die Menschen (Ihr Publikum und unser Publikum) haben eine sehr gute Vorstellungskraft. Syd Field gibt ein großartiges Beispiel in seiner Hommage an China Town in dem Buch „Screenwriting“, wo eine Szene mit Jack Nicholson und einer weiblichen Figur im Badezimmer beginnt. Jack hat sich geprügelt, seine Lippe ist aufgeschnitten, sie wischt ihm das Blut ab, er sieht sie an, die Szene ist zu Ende. In der nächsten Szene liegen sie im Bett und rauchen. Das ist sparsames Geschichtenerzählen vom Feinsten, und wenn die Zeit knapp ist, haben wir eine großartige Gelegenheit, dem Publikum die Sexszene zu geben, damit es sich selbst ein Bild davon machen kann. Ich bin davon überzeugt, dass der Film ohne die Sexszene und den irgendwie irrelevanten Rave in der 2. Matrix, der bizarrerweise im ersten Akt gezeigt wird, um etwa zwei Sterne besser wäre. Vielleicht.
Die 2. Matrix war schrecklich, weil sie das Publikum zu 100% bevormundet hat – und die Sexszene sah aus, als hätte derjenige, der sie geschrieben, inszeniert, improvisiert oder geschnitten hat, noch nie Sex gehabt.
Warum sollte man das Risiko mit diesem oder vielen anderen nicht-narrativen wesentlichen Elementen eingehen?
Regel 4. Entferne alle nicht-narrativen wesentlichen Elemente.
Warum haben wir den Kampf gesehen? Warum hat er 5 Minuten gedauert? Wer ist der Typ auf dem Boot? Es ist mir egal, wer das Pokerspiel gewonnen hat!
Dies sind die gelegentlichen Rückmeldungen, die wir von Richter zu Richter, von Film zu Film zurückbekommen. Kampfszenen, Sexszenen, irrelevante Pokerspiele … die Liste geht weiter und weiter. Das ist toter Raum, und das Publikum kann sich selbst etwas Größeres und Persönlicheres ausdenken – das macht Ihren Film sofort weniger kitschig und sehr viel ansprechender. Du wirst feststellen, dass „kitschiges Filmemachen“ auf Werke zutrifft, bei denen der Filmemacher versucht, uns alles in den Rachen zu schieben.
Es ist enthusiastisch, ja, aber Enthusiasmus zählt nichts gegen die schiere Macht eines disziplinierten Geschichtenerzählers.
Wir brauchen den Hai nicht bis zum Ende zu sehen, ein Autor ohne Disziplin hätte den verdammten Hai in jedem Bild gezeigt.
Kurzfilm in drei Akten und der Punkt, an dem es kein Zurück mehr gibt.
Akte in Kurzfilmen, die funktionieren, neigen dazu, drei an der Zahl zu sein, und sind nicht unbedingt gleichmäßig verteilt.
Akt 1. Der Aufbau
Wie bei Regel 2 kann der Aufbau stumm sein, gezeigt oder nicht gehört werden, und es scheint wirklich gut zu funktionieren, wenn man sich die Mehrheit der Filme ansieht, die wir vorführen; unsere Juroren und die Auswahljury scheinen diese Art zu bevorzugen. In seiner einfachsten Form ist der Aufbau im Grunde…
Wer ist da? Wo sind wir? Was passiert?
Die wirtschaftliche Entwicklung hilft dem Publikum wirklich, sich auf Ihr Werk zu konzentrieren.
Ein Prolog ist nicht unbedingt notwendig, aber er hilft, einen Aufhänger zu liefern. Man denke nur an den Eröffnungsprolog in Star Wars, dieser Strom von blauer Schrift, wenn man ihn liest, ist man drin. Prologe helfen dabei, die Welt aufzubauen, was zum Beispiel im Science-Fiction- und Fantasy-Genre sehr gut funktioniert, damit die Leute relativ schnell mit der Welt und den dramatischen und technologischen Inhalten der Umgebung vertraut sind.
Akt 2. Die Protagonisten kommen an einen Punkt, an dem es kein Zurück mehr gibt.
Dies wurde am besten von dem verstorbenen großen Dan O’Bannon beschrieben, dem Autor von „Alien“ und Mitwirkenden an der unglückseligen, aber faszinierenden Reise von „Jodorowskys Dune“.
Ein Punkt, an dem es kein Zurück mehr gibt, ist der Moment, in dem wir beobachten, wie die Figur ein paar Entscheidungen trifft, die sie schließlich so tief in das Drama hineinziehen, dass es einfach kein Zurück mehr gibt. Sie müssen sich mit dem Problem auseinandersetzen oder sich mit schlimmen Umständen, Konsequenzen, beschissenen Situationen und ultimativer Härte auseinandersetzen.
Viele Filmemacher machen das instinktiv richtig, wir als Spezies erzählen seit Tausenden von Jahren Geschichten, genau wie das Gehen, das Geschichtenerzählen ist in unserer DNA, es ist instinktiv – deshalb gibt der Punkt ohne Wiederkehr uns allen als Autoren diesen großartigen Moment, in dem wir den Gang hochschalten und anfangen zu schreiben wie besessene Menschen, besessen von Tausenden von Jahren, in denen Höhlenmenschen und -frauen ihren Enkeln von der Mammutjagd und dem Besitz von Säbelzahntigern als Haustiere erzählten… die schief gingen.
Wo es zu scheitern droht, ist beim Einsatz des Dramas. Ein abtrünniger Milchlieferant beschließt, Veganer zu werden. Das ist nicht annähernd so interessant wie der Entschluss eines abtrünnigen Milchlieferanten, alle Kühe auf allen Milchfarmen in Dorking zu befreien. Der Punkt ohne Wiederkehr wäre der Moment, in dem er die erste Kuh in die Freiheit entlässt. Erhöhen Sie die Einsätze.
Akt 3. Auflösung oder Schlusspunkt.
Einfach, beende deinen Film. Leicht zu schreiben, aber mein Gott, schwer zu tun. Wie zum Teufel endet man? Eine Auflösung zu finden, kann schwierig sein. Hat der Antagonist das letzte Wort? Kommt der Protagonist davon? Oder lassen wir das Ende völlig offen?
So oder so, Ihr Publikum möchte sich durch Ihr Werk verändert fühlen, also geben Sie ihm hier etwas. Vielleicht wird der Milchlieferant von einem Haufen geiler Stiere aus der Stadt gejagt, die sauer sind, weil alle Kühe sich verpisst haben? Wer weiß.
Etwas muss hier als sauberer Schnitt in die Geschichte gegeben werden, ein perfektes Stück, das das Ende der Fabel markiert.
Wenn du mit einem Ende nicht weiterkommst…
Eine gute Möglichkeit, Probleme mit dem Ende zu lösen, wäre, drei Leute dein Drehbuch lesen zu lassen. Drei der ehrlichsten Leute, die Sie kennen. Lassen Sie sie das Skript bis zum Ende des zweiten Aktes lesen und fragen Sie sie dann, wie sie es beenden wollen. Vielleicht geben Sie ihnen vorher eine starke Tasse Kaffee, damit Sie eine starke und begeisterte Antwort bekommen. Was auch immer die drei Ihnen sagen, denken Sie ein paar Tage über die Informationen nach und kehren Sie dann an die Tastatur zurück und beenden Sie den dritten Akt.
Vielleicht mit einem Epilog…vielleicht.
Wenn Sie das Gefühl haben, dass es für sie hart war. Besonders gut in Actionfilmen, ich habe das nur ein paar Mal in Kurzfilmen gesehen, aber es funktioniert gut, wenn das Publikum eine kleine mentale Reise hinter sich hat.
Eine Reflektion der Handlung, eine Art „Nun, das war das und jetzt ist es das und alles ist gut“.
Der beste Epilog in einem Spielfilm, der mir einfällt, der aber immer noch viel zu wünschen übrig lässt, ist in Blade Runner. Die Schlussszene, in der es im Grunde heißt, wir haben uns alle gut entwickelt, hier sitzen wir in einem Auto und fahren im Sonnenschein. Vielleicht nicht der beste Epilog, aber ich hoffe, Sie verstehen, worauf ich hinaus will. „Ich habe diese Kühe nie wieder gesehen, aber ich wusste, dass sie frei waren, und wer schert sich schon um Dorking, diese Stadt ist jetzt voller Scheiße.“
Viel Glück bei deinem nächsten Projekt!!!