Amikor 2011-ben az “Americana” kifejezés bekerült a tekintélyes Merriam-Webster szótárba, Jed Hilly, az Americana Music Association ügyvezető igazgatója azzal viccelődött, hogy a szóval díszített pólókat fognak árulni, a “Look it up!” felirattal együtt. “Ez még mindig egy kicsit a radaron kívül van” – tette hozzá Hilly – “mert nem vagyunk szuper kommerszek.”
A következő öt évben a zenei tájkép átalakult, ahogy az Americana zene jóhiszeműen forró termékké vált. Chris Stapleton Americana-lemeze, a Traveller 2016 hetedik legkelendőbb albuma volt, az eladások megközelítették a másfél millió példányt, amivel a pop megasztárok, Adele, Beyoncé és Rihanna lemezei mögött végzett.”
A Merriam-Webster meghatározása szerint az Americana zene “a korai folk és country zenében gyökerező amerikai zenei műfaj”. Ezeknek a gyökereknek a panorámája széles, magában foglalja a country és western, az Appalache, a gospel, a roots-rock, a folk, a bluegrass, az R&B és a blues. Az Americana zenekarok általában akusztikus hangszerekre épülnek, de lehet teljes elektromos zenekar is.
A korai folk és gospel zenészek alakították ki a country és az Americana zene alapjait, de néhány modern tervezet a 20-as és 30-as évek western swing mozgalmából és annak talizmánjából, Bob Willsből származik, akinek jellegzetesen texasi zenéje a 30-as években országos népszerűségre tett szert. Wills és a Texas Playboys jellegzetes dallamát, a “San Antonio Rose”-t több százszor feldolgozták, John Denvertől Clint Eastwoodig mindenki. Wills közvetlen hatással volt Willie Nelsonra, és segített kialakítani az ő befogadó zenei szemléletét.
Nelson teljes tisztelettel adózott Willsnek, és egyúttal elismerte, hogy még nagyobb adósa a zene egyik igazi úttörőjének: Hank Williamsnek. Williams, aki mindössze 29 éves volt, amikor 1953. január 1-jén meghalt, rövid életébe rengeteg mindent belepakolt, többek között azt a 29 slágert, amit felvett, mint például a “Hey, Good Lookin'”, a “Why Don’t You Love Me?” és a “Long Gone Lonesome Blues”. A Smithsonian Institution 1999-ben vezérfonalként ismerte el őt, amikor a countryzenéről szóló első fórumán – A Tribute To Hank Williams – tisztelgett e rejtélyes ikon előtt és annak, amit a modern countryzene alapjainak megteremtéséért tett.
Mint sok háború előtti zenész, Williams is templomi kórusban tanult énekelni (Alabamában), és zenéje szintetizálta a mély déli környezetének zenei stílusait – a western swinget, az Appalache hegyi zenét, a honky-tonkot, a country bluest és a gospel zenét. De a szívszorító, vallomásos, elbeszélő dalok – mint például a “Lovesick Blues” – megírásához való figyelemre méltó tehetsége volt az, ami kiemelte őt mint kiemelkedően tehetséges dalművészt.
Williams volt az egyik első amerikai dalszerző-énekes, aki közvetlen és elegikus szövegekben fejezte ki az egyszerű emberek intenzív személyes érzelmeit, álmait és szívfájdalmait. Leonard Cohen “fenségesnek” nevezte dalszövegírását, Bob Dylan pedig azt mondta: “Hank dalai a költői dalszövegírás archetipikus szabályai voltak”. Williams műveit olyan különböző művészek dolgozták fel, mint Louis Armstrong, Elvis Presley és Al Green.
Williams zenészek légióit inspirálta: olyan countrylegendákat, mint Johnny Cash, aki egy egész tisztelgő albumot készített az ikonnak; olyan énekeseket, mint George Jones; olyan kreatív erőket, mint Gram Parsons; és még olyan modern rocksztárokat is, mint Beck, Keith Richards és Tom Petty. Amikor Ryan Adams és a 80-as és 90-es évek alt.country-sztárjai megtalálták az útjukat, ismét ahhoz az emberhez fordultak, aki képes volt olyan remekművet írni, mint az “I’m So Lonesome I Could Cry”. Lucinda Williams azt mondta: “Amióta az eszemet tudom, Hanket hallgattam. Az ő zenéje volt az egyik első zene, amellyel kapcsolatba kerültem.”
A keményen ivó és egyenes beszédű Williams volt talán a countryzene első lázadója, és ezt a tulajdonságát a 70-es évek önjelölt törvényen kívüli countrysztárjai utánozták, akik a punkzene lázadó attitűdjét vitték be a country mainstreamjébe. Hank Williams volt az Americana 70 évvel azelőtt, hogy a szó elterjedt volna.
A zene akkor változik, amikor a műfajok összeütköznek, és egy másik ember, aki megelőzte korát a különböző zenei irányzatok összefogásában, Ingram Cecil Connor III volt, aki a Gram Parsons művésznevet vette fel. A floridai születésű Parsons gyerekkorában nagy Elvis Presley-rajongó volt, és a hatvanas évek elején a jacksonville-i Bolles High Schoolban megalakította első zenekarát, a The Pacers-t. Diáktársa, Luke Lewis, aki később a Universal Music Nashville elnöke lett, elmondta, hogy Ray Charles 1962-es Modern Sounds In Country And Western Music című albumának meghallgatása – amely önmagában is az Americana zene egyik dicsőséges korai példája – mindkettőjükre nagy hatással volt. “Valószínűleg ez volt az első alkalom, amikor egyikünknek sem volt fogalma a country zenéről” – mondta Lewis, aki később Ryan Adams, Lucinda Williams és Johnny Cash lemezeit vette fel.
Parsons az első igazi hatást a The Byrds-szel érte el, akiknek ő írta az időtlen ‘Hickory Wind’-et. Kulcsfontosságú szerepet játszott a korszakalkotó Sweetheart Of The Rodeo albumukban, mielőtt 1969-ben Chris Hillmannel együtt kilépett, hogy megalakítsák a Flying Burrito Brothers-t. A Flying Burrito Brothers, akik a hagyományos country zene és a rock keverékét játszották, első két albumukkal, a The Gilded Palace Of Sin és a Burrito Deluxe címűekkel hozzájárultak a “kozmikus amerikai zene” megteremtéséhez. “A Flying Burrito Brothers és Gram legnagyobb öröksége az, hogy mi voltunk az alternatív country zenekar. Nem tudtunk bekerülni a country rádióba, és nem tudtunk bekerülni a rock rádióba sem. Egy rövid ideig mi voltunk az outlaw country zenekar” – mondta Hillman.”
A Flying Burrito Brothers összekötötte a country, a rock’n’roll, az R&B, a folk és a soul áthallásokat, és Parsons rengeteg önbizalmat nyert azzal, hogy valami ilyen hatásosat alkotott. Abban az időben Parsons lelkesen ragadott meg minden lehetőséget, hogy zeneileg fejlődjön. 1971 nyarán Dél-Franciaországba költözött, ahol rövid ideig a Villa Nellcôte-ban élt barátja, Keith Richards vendégeként, abban az időszakban, amikor a Rolling Stones az Exile On Main St. című klasszikus albumán dolgozott.
Parsons countryzenét játszott Richards-szal, és megtanulta, hogyan tágítsa saját látókörét; a Stones megengedte a Burritosnak, hogy felvegye a ‘Wild Horses’ című dalt, még mielőtt a saját verziójuk megjelent volna. Mick Jagger és a zenekar nagy hatással volt Parsons döntésére, hogy szólóba kezdjen. “Egyszerűen éreztem, hogy ez az ember valami figyelemre méltó dologgal fog előállni” – mondta Richards.”
A szólóalbumai, a GP és a Grievous Angel valóban figyelemre méltóak voltak, és segítettek elindítani Emmylou Harris énekesnő társának karrierjét. Elképesztette Parsons country zenei tudása, és azt mondta: “Megtanultam ezeket a country dalokat. Olyan voltam, mint egy vallásos megtérő. Nem tudtam betelni vele.”
Hillman úgy véli, hogy az olyan dalokkal, mint a ‘Sweetheart Of The Rodeo’, Parsons “megnyitotta a kapukat” a country-rock, az alternatív country és az azt követő Americana boom előtt. Parsons maga is úgy vélte, hogy a zene vagy jó, vagy rossz, és nem kell túl sokat foglalkozni a zenetípusok “címkézésével és meghatározásával”. Korai, 26 éves korában, 1973-ban bekövetkezett halála egy úttörő zenésztől fosztotta meg a világot, de hatása – más zenészek munkájában és a Gram Parsons Alapítvány munkáján keresztül – ott lebeg az Americana zene felett, amely az ő nyomdokaiba lépett. Ryan Adams vagy Jeff Tweedy (Wilco) korai munkássága egyértelműen mutatja az olyan dalok hatását, mint a “Sin City” és a “One Hundred Years from Now”.
Akkor, amikor Parsons Hank Williamsről tanult, a The Band – Robbie Robertson, Levon Helm, Garth Hudson, Richard Manuel és Rick Danko – The Hawks néven vágta a fogát. Ronnie Hawkins rockabilly-énekes háttérzenekaraként kezdték, de hamarosan saját útjukat kezdték járni, és olyan jelentőségre tettek szert, amelyet a The Hawks korai rajongói számára nehéz lett volna megjósolni. Robertson így nyilatkozott: “The Bandként azt a zenét akartuk játszani, amit a sok tapasztalat során összegyűjtöttünk. Vettünk egy kis gospelt innen, egy kis hegyi zenét onnan, egy kis delta bluest innen, egy kis chicagói bluest onnan.”
A The Band 1965-66-os turnéja Bob Dylannel a zenetörténet egyik legmegváltoztatóbb és leghírhedtebb turnéja volt, mivel vita tört ki Dylan azon döntése miatt, hogy a népzenét az elektromos korszakba vezette. A Band örömmel bontogatta zenei szárnyait és játszotta a saját szerepét az amerikai zene evolúciójában. Évtizedekkel később Robertson így vallott: “Az emberek azt mondták: ‘Ti vagytok az Americana. Én meg azt mondtam: ‘Kanadaiak vagyunk. Mi vagyunk a “NorthAmericana, talán…”” Még mindig nem vagyok biztos benne, hogy tudom, mi az.”
A “North Americana” védjegyük egy kanadai zenekar finom és megindító pasztorális megidézése volt a dél-amerikai mitológiának olyan modernkori klasszikusokban, mint az “Up On Cripple Creek”, a “The Weight” és a “The Night They Drove Old Dixie Down”.
A zenekarban Robertson szuperlatívuszos dalszerzői képességei, Helm soulos hangja és a billentyűs Hudson zenei ügyessége volt. Az 1968-ban megjelent Music From Big Pink című debütáló albumuk más zenészeket, köztük Eric Claptont és a Grateful Deadet is a roots-orientáltabb hangzás felé terelte. A Martin Scorsese által filmre vett és The Last Waltznak titulált híres koncerttel a zenekar olyan művészeket támogatott zseniálisan, mint Van Morrison, Joni Mitchell, Muddy Waters és Neil Diamond, megmutatva, hogy bárkivel bármit el tudnak játszani.
Amikor Clapton először hallotta őket, még a 60-as évek végén, ez volt a fordulópont a Creamből való kiábrándulásában. Ahogyan a The Band a pszichedélia ellen reagált a back-to-the-roots hangzással, úgy Clapton a Blind Faith-et is megalapította, mielőtt tovább kutatta az americana-t a Derek And The Dominóval, amelyben Duane Allman is közreműködött slide-gitáron.
2017-ben Clapton így nyilatkozott a Torontói Nemzetközi Filmfesztivál közönségének: “Kaptam egy acetátot a Music From Big Pinkből még Angliában, és ez mélyen megrázott. Akkoriban a Creamben voltam, már azzal a gondolattal, hogy nem jó irányba halad, és azt gondoltam, hogy hát ez van. Tudtam, hogy ki az a Robbie Robertson, de azt nem tudtam, hogy ez az ő együttesük. Azt hittem, csak úgy megjelentek. Azt hittem, hogy mindannyian a Mississippi-deltából jöttek… ők csodálatos hősök voltak számomra. Felmentem velük jammelni, és azt mondták: “Mi nem jammelünk, mi dalokat írunk és eljátsszuk a dalokat”. Azt gondoltam, Istenem, ezek a srácok tényleg komolyan gondolják.”
A kerék 1999-ben majdnem bezárult, amikor Helm az Americana Music Festival And Conference részeként rögzítette a Ramble At the Ryman’ című élő albumot, amellyel elismerte az Americana-ra gyakorolt hatását és azt, hogy a The Band olyan zenészeket inspirált közvetlenül, mint Ryan Adams, Lee Ann Womack, Rosanne Cash és az Allman Brothers Band.
Amint láttuk, az Americana ikonjai a countryzene alapító atyáihoz és anyáihoz nyúlnak vissza, olyan titánokhoz, mint Bob Wills, Hank Williams, Woody Guthrie és Patsy Cline. A 70-es és 80-as években azonban modern nagyok egy csoportja úgy döntött, hogy megteremti saját örökségét. Voltak tehetséges egyéniségek, akik felszántották a saját földjeiket – köztük Guy Clark, Glen Campbell, Don Williams, Dolly Parton, John Prine és Alan Jackson -, de az Americana szupercsoporthoz legközelebb 1984-ben kerültek. Willie Nelson, aki akkor már a nashville-i dalszerzői színtér veteránja volt, és a modern kor egyik legjellegzetesebb zenészévé vált, a countryzene új irányvonalának katalizátorává vált, amikor segített meggyőzni a country nagyjait, Johnny Cash-t, Waylon Jennings-et és Kris Kristofferson-t, hogy “törvényen kívüliek” néven álljanak össze.
The Highwaymen-nek nevezték magukat (nevüket egy Jimmy Webb-dalból vették), és Woody Guthrie és Hank Williams dalainak feldolgozásával tisztelegtek a múlt hősei előtt. A Highwaymen-t gyakran emlegették “a countryzene Mount Rushmore-jaként”, amire Emmylou Harris azt mondta, hogy “valójában ott kellene lenniük a nagy sziklán az elnökökkel együtt”. Hatalmas volt a hatásuk, és a kapcsolatok tovább élnek: A Highwaymen acélgitárosa, Robby Turner ma Chris Stapletonnal dolgozik.
A The Highwaymen aktív időszakában (1984 és 1995 között) az Americana zene egy új formája kezdett felemelkedni. Ahogyan a The Band is úgy reagált a populáris zene uralkodó trendjeire, hogy saját dalaival és előadói stílusával túllépett rajtuk, az alt.country boomot megtestesítő zenészek a 80-as évek végén és a 90-es években úgy tekintettek magukra, mint akik kihívást jelentenek az uralkodó country zenei berendezkedés ellen. Ahogy Lucinda Williams fogalmazott: “
Steve Earle, aki 1986 és 1990 között egy kvartettnyi zseniális albumot készített (Guitar Town, Exit 0, Copperhead Road és The Hard Way), Williams rokonlélek volt, és mindketten részei voltak annak, amit szintén a 80-as évek végének “lázadó country” boomjaként ismertek, olyan feltörekvő sztárokkal együtt, mint Rodney Crowell és Del McCoury. A Copperhead Road volt az az album, amely igazán megismertette Earle-t a növekvő európai közönséggel. A címadó dal egy nagyszabású történetmesélő narratíva egy moonshinerről, aki megváltoztatja a termékbázisát, hogy valami illatosabbat termesszen, és megmutatta, hogy Earle dalszövegírása rendelkezik a régi stílusú írók, például Woody Guthrie, Lefty Frizzell és Hank Snow narratív erejével.
Earle azt mondta, hogy bár őt és Lucinda Williamst “az új törvényen kívülieknek” titulálták, a lényeg, amit csináltak, az egy másfajta zene, és nem a társadalmi lázadás volt. “Akkoriban nem a drogokról és a bajokról szólt, amiket szedtünk,” mondta Earle, “hanem a művészi szabadságról.”
A Guitar Town 1986-ban jelent meg, ugyanabban az évben, amikor a kd lang, Dwight Yoakam és Lyle Lovett csodálatos, önelnevezett debütáló albumával, az MCA-nál először jelent meg. Lovett elmondta: “Abban az időszakban rengeteg olyan anyagot szerződtettek, amiről nem gondolnánk, hogy hagyományos nashville-i szerződést kaptak. Láthattad, hogy az emberek lehetőséget kaptak arra, hogy lemezt készítsenek, és ez nagyon klassz dolog.”
A Minnesotában élő The Jayhawks zenekar, amelynek harmóniái és twang-rock hangzása a modern americana zene alaprajzának egy részét lefektette, szintén 1986-ban adta ki debütáló albumát, és hamarosan komoly rajongótáborra tett szert Európában. Amikor Ryan Adams a Whiskeytown nevű zenekarával elkezdett americana zenét csinálni, elmondása szerint rájött, hogy vannak mások is, akik “csípik Gram Parsonst”, és a The Jayhawksot említette hatásként. A Whiskeytown 1994-ben alakult Észak-Karolinában, és három stúdióalbumot készítettek, mielőtt Adams 2000-ben kilépett, hogy elindítsa szólókarrierjét, és sok érdekes zenei irányba terelje magát.
Lucinda Williams a 80-as években kiadott néhány albumot, de hosszú, viszonylag ismeretlen időszak után a zenei világ figyelmét az 1998-as Car Wheels On A Gravel Road című nagyszerű albumával keltette fel, amely az első aranylemeze volt. Az album egy sor magával ragadó, érzelemdús mesedalt tartalmaz, amelyek a 21. században is ugyanolyan aktuálisnak tűnnek, mint amikor felvették őket. Williams, aki később más kiváló albumokat is készített, mint például az Essence és a Blessed, így nyilatkozott a Car Wheels… című albumról: “Nem akartam újra ugyanolyan hangzású albumot készíteni. Megpróbáltam egy bizonyos énekhangot elérni, amit úgy éreztem, hogy addig még egyik albumomon sem értem el.”
Nem véletlen talán, hogy Joni Mitchell az album megjelenésének évében adott egy interjút, amelyben így nyilatkozott: “Régebben szinte szerzetesként éltem. Most olyan vagyok, mint egy tibeti, aki felfedezte a hamburgert és a televíziót. Felzárkózom az Americana-hoz.”
Williams az Americana női énekes-dalszerzőinek fantasztikus örökségéhez tartozik, akik a modern countryzene leghatásosabb dalszövegeit írták. Az olyan nagyságok hagyományát folytatva, mint Kitty Wells, June Carter Cash, Dolly Parton, Loretta Lynn, Patsy Cline, Bonnie Raitt, Linda Ronstadt és Emmylou Harris, a 80-as és 90-es években számos félelmetes női Americana előadó emelkedett fel, köztük Reba McIntyre, Mary Chapin Carpenter, Julie Miller, Mary Gauthier és Abigail Washburn. Az egyik legjellegzetesebb Nanci Griffith volt, egy költő a dalban, aki ugyanolyan magabiztosan írta saját szerzeményeit, mint ahogyan más kiváló Americana-dalszerzők, például Robert Earl Keen és Tom Russell szavait tolmácsolta.
A női tehetségek trendje a 90-es években folytatódott, amikor olyan innovatív előadók, mint Gretchen Peters, Iris DeMent, Sheryl Crow, Rita Hosking, Dar Williams, Lee Ann Womack, Lori McKenna, Ani DiFranco és Gillian Welch kezdtek ilyen fantasztikus albumokat készíteni.
Az egyik legígéretesebb dalszerző, aki ebben az időszakban tűnt fel, Patty Griffin volt, aki a helyi bostoni folk szcéna tagja volt, amíg fel nem tűnt az iparág radarján a figyelemre méltó 1996-os A&M debütálásával, a Living With Ghosts-szal. Griffin továbbra is erőteljes és lélekkel teli albumokat készített, és a 2011-es Grammy-díjas Downtown Church című albumával a gospel felé is elágazott. Izgalmas új tehetségek, mint Sarah Jarosz, Aoife O’Donovan, Ruth Moody, Angeleena Presley, Maddie And Tae és a Lady Antebellum énekesnője és dalszerzője, Hillary Scott továbbra is feltűnnek és virágoznak.
De a régi gárda sem maradt le. Dolly Parton az ezredforduló környékén néhány lenyűgöző albummal tért vissza a bluegrasshoz, Loretta Lynn 2004-es albuma, a Van Lear Rose pedig szenzációs volt. Jack White, a The White Stripes zenei szerzője és ötletgazdája mindössze kétéves volt, amikor Lynn 1977-ben felvette előző albumát: egy tisztelgést Patsy Cline előtt. Lynn és White valószínűtlen párosítás volt, de az utóbbi segített új közönséghez juttatni Lynn zenéjét, amikor producere volt az akkor 72 éves énekesnő ünnepelt visszatérésének.
A Van Lear Rose a modern americana zene más aspektusait – eredetiségét és egyéniségét – is tükrözte. A zene a Lyle Lovett fanyar szellemességétől a Drive-By Truckers rockos balladáin át, James McMurty, Danny Schmidt, Todd Snider és Jason Isbell társadalmi megfigyelésétől a Billy Joe Shaver, Dierks Bentley, Chris Stapleton, Sturgill Simpson és Amos Lee, valamint az olyan kevésbé ismert tehetségek, mint Robby Hecht és Richard Shindell megható érzelmes dalaiig mindent magába foglalhat.
Nehéz pontosan megmondani, hogy kik voltak az Americana zene inspirálói és kezdeményezői, annyira gazdag a sokszínű örökség, de nem lenne túlzás azt állítani, hogy az Americana olyan különböző zenekarokon keresztül fut, mint a Grateful Dead és a Los Lobos. Neil Youngot, valamint a Crosby, Stills And Nash-t nem bélyegzik azonnal Americana zenekarnak, de kétségtelenül hozzájárultak a modern roots-alapú rock népszerűségének előmozdításához.
Az Americana eredete ráadásul az ország államain átívelő cikkcakkban húzódik, a Little Feat “Willin'”-jének déli sivatagjaitól a “Dixie Chicken” Mississippi-deltájáig. A gyökerek tükröződését mutatja, hogy az Americana Music Trail olyan élményt kínál a turistáknak, amely az alabamai Muscle Shoals központjától a nashville-i countrybárokig és a New Orleans-i jazz-kocsmákig mindent felölel.
Néha egy lelkes, nem country előadó egy nagyszerű dal interpretációján keresztül képes megragadni az Americana zenét. A Blue Note Records Feels Like Home című albumán Norah Jones büszke Townes Van Zandtra a “Be Here To Love Me” című dalának gyönyörű feldolgozásával. A Grammy-megasztár Alison Krauss rendkívül ügyesen válogatja ki a modern americana dalszerzés legjobbjait. Krauss olyan különböző előadók dalait dolgozta fel, mint Willie Nelson, Richard Thompson, Shawn Colvin, Sidney Cox, Mindy Smith, James Taylor, Tim O’Brien, Jackson Browne és Tom Waits – és páratlan hangja még egy klasszikus Woody Guthrie-dalba is képes valami újat vinni.
Krauss szerves része volt a diadalmas O Brother, Where Art Thou? soundtrack albumnak is, amelyet T Bone Burnett készített a Coen testvérek számára. Krauss zenekarának tagja, Dan Tyminski modern klasszikust alkotott a ‘Man Of Constant Sorrow’ című számmal, azon az albumon, ahol a bluegrass legenda, Ralph Stanley az ‘O Death’ kísérteties változatát énekli. Stanley az americana zenét a maga legszigorúbb, legerőteljesebb formájában kínálta, mint egy hang közvetlenül az évszázadok múltjából.
Gillian Welch Revival című lemeze, amelynek producere szintén Burnett volt, az americana örökségét csapolta meg. A Revival-t Nashville-ben vették fel a Woodland Soundnál, amely olyan 70-es évekbeli albumoknak köszönhette helyét a zenei térképen, mint a The Nitty Gritty Dirt Band Will The Circle Be Unbroken című albuma. Burnett még gyakorolta is Welch hangjának felvételét egy ősi Wollensak-gépen, amilyet egykor Hank Williams használt. Welch, az autentikus Americana előadója sokat tett azért, hogy a zene egy letűnt korszakát frissen és aktuálisan tartsa.
Burnett egyébként úgy véli, hogy a digitális zene modern kora segítette az Americana zene fejlődését, mert lehetővé teszi a rajongók számára, hogy a dalok néhány kortárs változatának eredeti forrászenéjéhez hozzáférjenek. Ezt ő mondta: “A modern közönség, mivel annyi mindenből meríthet, sokkal tájékozottabb, mint azt hinnénk… és az ősi zenét bármikor újra feltalálhatod.”
A legjobb fiatal zenészek egyszerre próbálják tisztelni és újra feltalálni hőseik zenéjét. Kacey Musgraves, akinek Same Trailer Different Park című albuma 2013-ban elképesztő sikert aratott, azt mondja, hogy “ideális zenei metszéspontja” a Beach Boys, Lee Ann Womack és John Prine.
A texasi Midland zenekart, amelynek debütáló albuma, az On The Rocks 2017 szeptemberében jelent meg, a Billboard azért méltatta, mert egy kortárs “George Strait 1980-as évekbeli új tradicionalista” hangzást hozott a modern korba. A Midland és a tehetséges The Cadillac Three talán nem tartozik a szigorúan vett americana kategóriába, de mindketten ugyanazt a fajta americana jellegzetességet – frissességet és empátiát – hozzák a countryzenébe. A Cadillac Three producere a rendkívül tehetséges Dave Cobb, aki Chris Stapletonnal, Lindi Ortegával, Colter Wallal, Brandi Carlile-lal, Jason Isbell-lel és Amanda Shiresszel is nagyszerű munkát végzett.
Egyértelmű, hogy az Americana egyre erősebbé válik. Az olyan streamingszolgáltatások, mint a Spotify térhódítása azt jelenti, hogy a műfaj elérhetővé és a mainstream számára láthatóvá vált, még akkor is, ha a hagyományos country zenei rádióállomásokon nem játsszák. Mindehhez hozzáadódik, hogy a Nashville-ben évente megrendezett AmericanaFesthez, amely 2018 szeptemberében ünnepli 19. évfordulóját, számos fesztivál társul. Az újoncok között van a The Long Road. A magát “country, americana és roots” fesztiválként hirdető fesztivál ugyanebben a hónapban indul az Egyesült Királyságban. A fesztiválok kulcsfontosságúvá váltak az új tehetségek kibontakozásában.
Az Americana 2010 óta a Recording Academy által elismert kategória. Levon Helm volt az első Americana Grammy-győztes (2012-ben egy újabb Grammy-t is bezsebelt), és a díjat kétszer Jason Isbell is elnyerte. Mavis Staples to, Bonnie Raitt, Emmylou Harris, Rodney Crowell és Rosanne Cash is volt már győztes. Az Americana mindenre kiterjedő jellegét mutatta a Stax Records legendájának, William Bellnek a 2016-os győzelme. Robert Plant, a Led Zeppelin egykori frontembere, aki Alison Krauss-szal és Patty Griffinnel is készített már lemezt, azt mondta, hogy “nincsenek határok, hogy merre mehet az Americana”.
Az Americana sokszínűsége a kontinenseken való terjedésével folytatódik. Amikor az Americana-t külön albumlistával jutalmazta az Official Charts Company az Egyesült Királyságban, a Top 10-es listán Ryan Adams, Lucinda Williams és a svéd testvérduó, a First Aid Kit szerepelt. Az Egyesült Királyságban és Ausztráliában ma már Americana Music Associations léteznek – ez messze elmarad 1999-től, amikor 1999-ben a texasi Austinban megrendezett South By Southwest zeneipari konferencián egy csapat rádiós DJ, lemezkiadói dolgozó és zenei újságíró találkozott informálisan, hogy megvitassák, hogyan népszerűsíthetnék az általuk kedvelt zenét, és elhatározták, hogy szervezetet alapítanak.
Jimmie Fadden, a The Nitty Gritty Dirt Band tagja a The Americana Revolution című könyvben idézi, hogy “az Americana egy kísérlet volt arra, hogy a gyökérzene sok megmagyarázhatatlan formáját úgy csoportosítsuk, hogy azt össze lehessen foglalni, be lehessen mutatni a közönségnek úgy, hogy annak legyen egy neve”.
A név ma már jelentős. Az Americana zene progresszív és élvonalbeli, és az egyik legjobban fogyó zenei műfaj az albumok tekintetében – a Billboard szerint 2016-ban megelőzte az R&B, a hip-hop és a dance eladásait -, és a kulturális nagyágyúk is elismerik. Ann Patchett, PEN/Faulkner-díjas írónő nemrég azt mondta a The New York Timesnak, hogy az Americana “napjaink legmenőbb zenei színtere”.
A New Americana továbbra is, Hank Williams szavaival élve, “vadonatúj táncot mutat a népnek”, de bármi is jön, a zenészeknek mindig lesz egy kincses múltjuk, amelyre hivatkozhatnak. Valaki, aki ezt összefoglalja, az a figyelemre méltó Ry Cooder, aki vitathatatlanul több mint fél évszázada készít zseniális Americana zenét. Cooder legutóbbi albumán (The Prodigal Son, Fantasy Records) Stanley Carter “Harbour Of Love” című dalának feldolgozása szerepel, amelyet először az 50-es években a Mercury Records számára készített. “Van egyfajta áhítatos hangulat, ami átjárja az embert, amikor ezeket a dalokat játssza és énekli” – mondta.
Ez a tisztelet és lelkesedés az oka annak, hogy az Americana roots zene továbbra is virágozni fog.
Még többet keres? Fedezze fel minden idők 10 legjobb Americana albumát.
