Quando il termine “Americana” è stato incluso nel prestigioso dizionario Merriam-Webster nel 2011, il direttore esecutivo dell’Americana Music Association, Jed Hilly, ha scherzato dicendo che avrebbero venduto magliette con la parola, insieme alla linea “Look it up! “È ancora un po’ fuori dal radar”, ha aggiunto Hilly, “perché non siamo super commerciali.”
Nei cinque anni successivi, il paesaggio musicale si è trasformato quando la musica Americana è diventata una vera e propria proprietà calda. Il disco di Americana Traveller di Chris Stapleton è stato il settimo album più venduto del 2016, con vendite che hanno raggiunto quasi un milione e mezzo di copie, mettendolo appena dietro i dischi delle megastar del pop Adele, Beyoncé e Rihanna.
Merriam-Webster definisce la musica Americana come “un genere di musica americana che ha radici nella prima musica folk e country”. Il panorama di queste radici è ampio e comprende il country e il western, gli Appalachi, il gospel, il roots-rock, il folk, il bluegrass, il R&B e il blues. I gruppi Americana sono di solito costruiti intorno a strumenti acustici, ma possono avere una band elettrica al completo.
I primi musicisti folk e gospel hanno modellato il terreno per la musica country e Americana, ma alcuni dei modelli moderni sono venuti dal movimento Western swing degli anni ’20 e ’30, e dal suo talismano, Bob Wills, la cui musica distintamente texana guadagnò popolarità nazionale negli anni ’30. La canzone simbolo di Wills e dei suoi Texas Playboys, ‘San Antonio Rose’, è stata coverizzata centinaia di volte, da tutti, da John Denver a Clint Eastwood. Wills ha avuto un’influenza diretta su Willie Nelson e ha contribuito a plasmare la sua visione inclusiva della musica.
Nelson ha reso un tributo pieno a Wills e ha anche riconosciuto un debito maggiore verso uno dei veri pionieri della musica: Hank Williams. Williams, che aveva solo 29 anni quando morì, il 1° gennaio 1953, racchiuse così tanto nella sua breve vita, compresi i 29 successi che registrò, come ‘Hey, Good Lookin’, ‘Why Don’t You Love Me?’ e ‘Long Gone Lonesome Blues’. Fu riconosciuto come una luce guida dallo Smithsonian Institution nel 1999, quando il suo primo forum sulla musica country – A Tribute To Hank Williams – onorò questa icona enigmatica e ciò che aveva fatto per creare le basi della moderna musica country.
Come molti musicisti prima della guerra, Williams imparò a cantare nel coro di una chiesa (in Alabama) e la sua musica sintetizzò gli stili musicali del suo ambiente del profondo sud – swing occidentale, musica di montagna degli Appalachi, honky-tonk, country blues e musica gospel. Ma fu il suo notevole dono di scrivere canzoni narrative strazianti e confessionali, come ‘Lovesick Blues’, a distinguerlo come un artigiano della canzone di supremo talento.
Williams fu uno dei primi cantautori americani a esprimere, in testi diretti ed elegiaci, le intense emozioni personali, i sogni e i dolori della gente comune. Leonard Cohen definì il suo songwriting “sublime”, e Bob Dylan disse: “Le canzoni di Hank erano le regole archetipo del songwriting poetico”. Il lavoro di Williams è stato coperto da artisti diversi come Louis Armstrong, Elvis Presley e Al Green.
Williams ha ispirato legioni di musicisti: leggende del country come Johnny Cash, che ha registrato un intero album tributo all’icona; cantanti come George Jones; forze creative come Gram Parsons; e anche moderne rock star come Beck, Keith Richards e Tom Petty. Quando Ryan Adams e le altre star dell’Alt Country degli anni ’80 e ’90 stavano trovando la loro strada, si rivolsero nuovamente all’uomo capace di scrivere un capolavoro come ‘I’m So Lonesome I Could Cry’. Lucinda Williams ha detto: “Ascoltavo Hank da quando ho memoria. La sua musica è stata una delle prime a cui sono stata esposta”
Hard-drinking and straight-talk talking, Williams è stato forse il primo ribelle della musica country, un tratto emulato dalle autoproclamate star country fuorilegge degli anni ’70 che hanno portato un po’ dell’atteggiamento ribelle della musica punk nel mainstream del country. Hank Williams era Americana 70 anni prima che la parola guadagnasse l’uso popolare.
La musica cambia quando i generi si scontrano, e un altro uomo che era in anticipo sui tempi nel mettere insieme diversi filoni di musica fu Ingram Cecil Connor III, che prese il nome d’arte di Gram Parsons. Nato in Florida, Parsons era un grande fan di Elvis Presley da bambino e formò la sua prima band, The Pacers, alla Bolles High School di Jacksonville nei primi anni 60. Il compagno di studi Luke Lewis, che è diventato presidente della Universal Music Nashville, ha detto che l’ascolto dell’album Modern Sounds In Country And Western Music di Ray Charles del 1962 – di per sé un glorioso esempio di musica Americana – ha avuto un’enorme influenza su entrambi. “Probabilmente è stata la prima volta che uno di noi due ha avuto un’idea della musica country”, ha detto Lewis, che ha continuato a registrare Ryan Adams, Lucinda Williams e Johnny Cash.
Parsons ha avuto il suo primo vero impatto con i Byrds, per i quali ha scritto l’intramontabile ‘Hickory Wind’. Ha giocato un ruolo fondamentale nel loro seminale album Sweetheart Of The Rodeo, prima di lasciare con Chris Hillman, nel 1969, per formare i Flying Burrito Brothers. I Flying Burrito Brothers, che suonavano un mix di musica country tradizionale e rock, contribuirono a creare qualcosa soprannominato “Cosmic American Music” con i loro primi due album, The Gilded Palace Of Sin e Burrito Deluxe. “La più grande eredità dei Flying Burrito Brothers e di Gram è che eravamo la band country alternativa. Non potevamo andare alla radio country e non potevamo andare alla radio rock. Eravamo la band country fuorilegge per un breve periodo”, disse Hillman.
I Flying Burrito Brothers legarono insieme country, rock’n’roll, R&B, folk e inflessioni soul, e Parsons guadagnò molta fiducia nel creare qualcosa di così potente. A quel tempo, Parsons abbracciava avidamente ogni opportunità di crescere musicalmente. Nell’estate del 1971 si trasferì nel sud della Francia, dove visse per un breve periodo a Villa Nellcôte come ospite del suo amico Keith Richards, durante il periodo in cui i Rolling Stones stavano lavorando al loro classico album Exile On Main St.
Parsons suonò musica country con Richards e imparò ad espandere i propri orizzonti; gli Stones lasciarono registrare ai Burritos la canzone ‘Wild Horses’ ancora prima che la loro versione fosse pubblicata. Mick Jagger e la band hanno avuto una forte influenza sulla decisione di Parsons di diventare solista. “Ho avuto la sensazione che quest’uomo stesse per uscire con qualcosa di notevole”, disse Richards.
I suoi album da solista, GP e Grievous Angel, furono davvero notevoli e aiutarono a lanciare la carriera della co-cantante Emmylou Harris. Lei era stupita dalla conoscenza di Parsons della musica country e disse: “Stavo imparando tutte queste canzoni country. Ero come un convertito religioso. Non ne avevo mai abbastanza”
Hillman crede che con canzoni come ‘Sweetheart Of The Rodeo’, Parsons “aprì le porte” al country-rock, al country alternativo e al boom dell’Americana che seguì. Parsons stesso credeva che la musica fosse buona o cattiva e che non ci si dovesse preoccupare troppo di “etichettare e definire” i tipi di musica. La sua morte prematura, a 26 anni, nel 1973, ha privato il mondo di un musicista pioniere, ma la sua influenza – nel lavoro di altri musicisti e attraverso il lavoro della Gram Parsons Foundation – aleggia sulla musica Americana che è venuta dopo di lui. I primi lavori di Ryan Adams o di Jeff Tweedy dei Wilco mostrano chiaramente l’influenza di canzoni come ‘Sin City’ e ‘One Hundred Years from Now’.
Al tempo stesso in cui Parsons stava imparando a conoscere Hank Williams, The Band – Robbie Robertson, Levon Helm, Garth Hudson, Richard Manuel e Rick Danko – si stavano facendo strada come The Hawks. Iniziarono come gruppo spalla del cantante rockabilly Ronnie Hawkins, ma presto cominciarono a forgiare la loro strada e ad assumere un significato che sarebbe stato difficile da prevedere per i primi fan dei The Hawks. Robertson ha detto: “Come The Band ci siamo proposti di suonare la musica che avevamo raccolto in tutta questa esperienza. Stavamo prendendo un po’ di gospel da qui, un po’ di musica di montagna da lì, un po’ di blues del Delta qui, un po’ di blues di Chicago lì.”
Il tour 1965-66 della Band con Bob Dylan fu uno dei tour più famosi e famosi della storia della musica, quando scoppiò la polemica sulla decisione di Dylan di lanciare la musica folk nell’era elettrica. La Band fu felice di spiegare le proprie ali musicali e di giocare la propria parte nell’evoluzione della musica americana. Decenni dopo, Robertson confessò: “La gente diceva: ‘Siete americani’. E io rispondevo: ‘Siamo del Canada. Non sono ancora sicuro di sapere cosa sia”.
Il loro marchio di “Nord Americana” coinvolgeva le sottili e commoventi evocazioni pastorali di una band canadese della mitologia del Sud America in classici moderni come “Up On Cripple Creek”, “The Weight” e “The Night They Drove Old Dixie Down”.
La Band aveva le superlative capacità canore di Robertson, la voce soul di Helm e la destrezza musicale del tastierista Hudson. Il loro album di debutto, Music From Big Pink, pubblicato nel 1968, spinse altri musicisti, tra cui Eric Clapton e i Grateful Dead, verso un suono più orientato alle radici. Con il famoso concerto filmato da Martin Scorsese e soprannominato The Last Waltz, la band sostenne brillantemente artisti come Van Morrison, Joni Mitchell, Muddy Waters e Neil Diamond, dimostrando che potevano suonare qualsiasi cosa con chiunque.
Quando Clapton li ascoltò per la prima volta, alla fine degli anni 60, fu un punto di svolta nella sua disillusione verso i Cream. Proprio come The Band aveva reagito contro la psichedelia con un suono back-to-the-roots, così Clapton formò i Blind Faith come una mossa di contraccolpo, prima di continuare a esplorare ulteriormente l’Americana nel suo lavoro con Derek And The Dominos, che includeva Duane Allman alla chitarra slide.
Nel 2017, Clapton ha detto a un pubblico del Toronto International Film Festival: “Mi è stato dato un acetato di Music From Big Pink in Inghilterra e mi ha scosso nel profondo. All’epoca ero nei Cream, già con l’idea che non stava andando nella giusta direzione, e pensai, Beh, questo è quello che è. Sapevo chi era Robbie Robertson ma non avevo capito che quello era il loro gruppo. Pensavo che fossero appena apparsi. Pensavo che fossero tutti del Delta del Mississippi… erano dei magnifici eroi per me. Sono andato a fare una jam con loro e mi hanno detto: ‘Non facciamo jam, scriviamo canzoni e le suoniamo’. Ho pensato: “Mio Dio, questi ragazzi sono davvero seri”.
La ruota ha quasi chiuso il cerchio nel 1999, quando Helm registrò l’album dal vivo Ramble At the Ryman’ come parte dell’Americana Music Festival And Conference, un riconoscimento della sua influenza sull’Americana e del modo in cui The Band aveva direttamente ispirato musicisti come Ryan Adams, Lee Ann Womack, Rosanne Cash e The Allman Brothers Band.
Come abbiamo visto, le icone dell’Americana risalgono ai padri e alle madri fondatori della musica country, titani come Bob Wills, Hank Williams, Woody Guthrie e Patsy Cline. Ma negli anni ’70 e ’80 un gruppo di grandi moderni decise di creare la propria eredità. C’erano individui di talento che aravano i propri campi – tra cui Guy Clark, Glen Campbell, Don Williams, Dolly Parton, John Prine e Alan Jackson – ma la cosa più vicina a un supergruppo Americana arrivò nel 1984. Willie Nelson, a quel punto un veterano della scena cantautorale di Nashville che era diventato uno dei musicisti più caratteristici dell’era moderna, divenne un catalizzatore per una nuova direzione nella musica country quando aiutò a convincere i grandi del country Johnny Cash, Waylon Jennings e Kris Kristofferson a formare una band insieme come “fuorilegge”.
Si chiamarono The Highwaymen (prendendo il nome da una canzone di Jimmy Webb) e resero omaggio agli eroi del passato con cover di canzoni di Woody Guthrie e Hank Williams. Gli Highwaymen furono spesso definiti come “il Monte Rushmore della musica country”, spingendo Emmylou Harris a dire che “hanno davvero bisogno di stare lassù sulla grande roccia con i presidenti”. La loro influenza è stata enorme e i legami continuano: Il chitarrista d’acciaio degli Highwaymen, Robby Turner, lavora ora con Chris Stapleton.
Durante il periodo in cui gli Highwaymen erano attivi (dal 1984 al 1995), una nuova forma di musica Americana cominciò a sorgere. Proprio come The Band aveva reagito alle tendenze prevalenti della musica popolare trascendendole con le proprie canzoni e il proprio stile di esecuzione, i musicisti che vennero a incarnare il boom dell’alt.country se la fine degli anni ’80 e gli anni ’90 si consideravano sfidare l’establishment prevalente della musica country. Come ha detto Lucinda Williams: “Steve Earle, che fece un quartetto di album brillanti tra il 1986 e il 1990 (Guitar Town, Exit 0, Copperhead Road e The Hard Way) era uno spirito affine alla Williams, ed entrambi facevano parte di quello che divenne noto come il boom del “country insurrezionale” alla fine degli anni 80, insieme a stelle nascenti come Rodney Crowell e Del McCoury. Copperhead Road fu l’album che davvero introdusse Earle a un pubblico europeo in crescita. La title track è una grande narrazione su un venditore di luna che cambia la sua base di prodotti per coltivare qualcosa di più fragrante, e dimostrò che il songwriting di Earle aveva il potere narrativo degli scrittori vecchio stile come Woody Guthrie, Lefty Frizzell e Hank Snow.
Earle disse che, anche se lui e Lucinda Williams furono soprannominati “i nuovi fuorilegge”, il nucleo di ciò che stavano facendo era fare un diverso tipo di musica, piuttosto che una ribellione sociale. “Non si trattava delle droghe che prendevamo e dei guai in cui ci cacciavamo”, ha detto Earle, “si trattava di libertà artistica”.
Guitar Town uscì nel 1986, lo stesso anno in cui emersero per la prima volta KD Lang, Dwight Yoakam e Lyle Lovett, con il suo meraviglioso album di debutto autointitolato, su MCA. Lovett ha detto: “In quel periodo c’era un sacco di roba che non penseresti come una firma tradizionale di Nashville che veniva firmata. Si vedevano persone che avevano la possibilità di fare un disco, e questa è una cosa molto bella”.
Anche la band del Minnesota The Jayhawks, le cui armonie e il cui suono twang-rock hanno posto alcune delle basi della moderna musica Americana, ha pubblicato il suo album di debutto nel 1986 e presto ha guadagnato un forte seguito in Europa. Quando Ryan Adams iniziò a fare musica Americana con la band Whiskeytown, disse che si rese conto che c’erano altre persone che erano “alla moda di Gram Parsons” e citò i Jayhawks come influenza. I Whiskeytown si sono formati nel 1994, nel North Carolina, e hanno fatto tre album in studio prima che Adams lasciasse nel 2000 per lanciare la sua carriera da solista e prendere tante direzioni musicali interessanti.
Lucinda Williams ha pubblicato un paio di album negli anni ’80 ma, dopo un lungo periodo di relativa oscurità, ha catturato l’attenzione del mondo della musica con il suo superbo album del 1998 Car Wheels On A Gravel Road, il suo primo disco a diventare oro. L’album contiene una serie di ipnotiche ed emotive canzoni che suonano rilevanti nel 21° secolo come quando sono state incise. Williams, che ha continuato a fare altri album eccellenti, come Essence e Blessed, ha detto di Car Wheels…, “Non volevo fare di nuovo lo stesso album. Stavo cercando un certo suono vocale che sentivo di non aver ancora ottenuto in nessuno dei miei album fino a quel momento.”
Forse non è una coincidenza che Joni Mitchell abbia rilasciato un’intervista nell’anno di uscita dell’album in cui disse: “Una volta ero monastica, quasi. Ora sono come un tibetano che ha scoperto gli hamburger e la televisione. Sto recuperando l’Americana”
La Williams fa parte di una fantastica eredità di cantautrici americane che hanno scritto alcuni dei testi più potenti della moderna musica country. Seguendo la tradizione di grandi come Kitty Wells, June Carter Cash, Dolly Parton, Loretta Lynn, Patsy Cline, Bonnie Raitt, Linda Ronstadt e Emmylou Harris, gli anni ’80 e ’90 hanno visto l’ascesa di un certo numero di formidabili artiste Americana, tra cui Reba McIntyre, Mary Chapin Carpenter, Julie Miller, Mary Gauthier e Abigail Washburn. Una delle più distinte fu Nanci Griffith, una poetessa della canzone, che era tanto sicura nello scrivere le proprie composizioni quanto nell’interpretare le parole di altri ottimi cantautori Americana come Robert Earl Keen e Tom Russell.
La tendenza al talento femminile continuò negli anni 90, quando interpreti innovative come Gretchen Peters, Iris DeMent, Sheryl Crow, Rita Hosking, Dar Williams, Lee Ann Womack, Lori McKenna, Ani DiFranco e Gillian Welch cominciarono a fare album formidabili.
Una delle più promettenti cantautrici emerse in questo periodo fu Patty Griffin, che aveva fatto parte della scena folk locale di Boston fino a quando non apparve sul radar dell’industria con il suo notevole debutto del 1996 A&M, Living With Ghosts. La Griffin ha continuato a fare album potenti e pieni di sentimento, espandendosi nel gospel con Downtown Church del 2011, vincitore di un Grammy. Nuovi eccitanti talenti, come Sarah Jarosz, Aoife O’Donovan, Ruth Moody, Angeleena Presley, Maddie And Tae, e la cantante e cantautrice dei Lady Antebellum Hillary Scott, continuano ad apparire e a prosperare.
Ma la vecchia guardia non è rimasta indietro. Dolly Parton è tornata al bluegrass con alcuni album stupefacenti intorno alla fine del secolo, e l’album di Loretta Lynn del 2004, Van Lear Rose, è stato sensazionale. Jack White, autore musicale e mente dei White Stripes, aveva solo due anni quando Lynn aveva registrato il suo precedente album, nel 1977: un tributo a Patsy Cline. Lynn e White erano un’accoppiata improbabile, ma quest’ultimo aiutò a portare la musica di Lynn a un nuovo pubblico quando produsse l’acclamato ritorno dell’allora 72enne.
Van Lear Rose riflette altri aspetti della moderna musica Americana – la sua originalità e individualità. La musica può comprendere tutto, dall’arguzia mordace di Lyle Lovett alle ballate rockeggianti dei Drive-By Truckers, l’osservazione sociale di James McMurty, Danny Schmidt, Todd Snider e Jason Isbell, alle canzoni emotive di Billy Joe Shaver, Dierks Bentley, Chris Stapleton, Sturgill Simpson e Amos Lee, così come i talenti meno conosciuti come Robby Hecht e Richard Shindell.
È difficile dire esattamente chi siano stati gli ispiratori e i creatori della musica Americana, tale è la ricchezza del suo variegato patrimonio, ma non sarebbe esagerato dire che l’Americana attraversa gruppi diversi come i Grateful Dead e i Los Lobos. Neil Young, insieme a Crosby, Stills And Nash, non sono immediatamente etichettati come un gruppo Americana, ma certamente hanno aiutato a spingere la popolarità del moderno rock basato sulle radici.
Inoltre, le origini dell’Americana zigzagano attraverso gli stati della nazione, dai deserti del sud di ‘Willin’ di Little Feat al Delta del Mississippi di ‘Dixie Chicken’. Un riflesso delle sue radici è mostrato dal modo in cui l’Americana Music Trail offre ai turisti un’esperienza che comprende tutto, dal centro di Muscle Shoals in Alabama ai bar di musica country di Nashville e ai locali jazz di New Orleans.
A volte un artista soul non country può catturare la musica Americana attraverso la sua interpretazione di una grande canzone. Nel suo album della Blue Note Records Feels Like Home, Norah Jones rende orgoglioso Townes Van Zandt con una bellissima versione della sua canzone ‘Be Here To Love Me’. La megastar dei Grammy Alison Krauss ha un occhio estremamente abile nel selezionare il meglio della moderna canzone d’autore americana. La Krauss ha coperto canzoni di artisti diversi come Willie Nelson, Richard Thompson, Shawn Colvin, Sidney Cox, Mindy Smith, James Taylor, Tim O’Brien, Jackson Browne e Tom Waits – e la sua incomparabile voce può anche portare qualcosa di nuovo in una classica canzone di Woody Guthrie.
Krauss è stata anche parte integrante del trionfale album della colonna sonora O Brother, Where Art Thou? prodotto da T Bone Burnett per i fratelli Coen. Il membro della band di Krauss, Dan Tyminski, ha creato un classico moderno con la sua versione di ‘Man Of Constant Sorrow’, in un album in cui la leggenda bluegrass Ralph Stanley canta una versione ossessionante di ‘O Death’. Stanley ha offerto la musica Americana nella sua forma più cruda e potente, come una voce diretta dai secoli passati.
Revival di Gillian Welch, anche questo prodotto da Burnett, ha attinto al patrimonio Americana. Revival fu registrato a Nashville al Woodland Sound, che doveva il suo posto sulla mappa musicale ad album degli anni 70 come Will The Circle Be Unbroken della Nitty Gritty Dirt Band. Burnett si è persino esercitato a registrare la voce di Welch su un’antica macchina Wollensak, del tipo usato un tempo da Hank Williams. Welch, un autentico artista Americana, ha fatto molto per mantenere un’epoca passata della musica fresca e rilevante.
Burnett, per inciso, crede che l’era moderna della musica digitale abbia aiutato il progresso della musica Americana perché permette ai fan di attingere alla musica originale per alcune delle versioni contemporanee delle canzoni. Ha detto: “Il pubblico moderno, poiché ha così tanto da cui attingere, è molto più esperto di quanto si creda… e con la musica antica, la si può reinventare in qualsiasi momento.”
I migliori giovani musicisti cercano sia di onorare che di reinventare la musica dei loro eroi. Kacey Musgraves, il cui album Same Trailer Different Park è stato un successo strepitoso nel 2013, dice che il suo “punto di incrocio ideale della musica” sono i Beach Boys, Lee Ann Womack e John Prine.
La band del Texas Midland, il cui album di debutto, On The Rocks, è uscito nel settembre 2017, è stata salutata da Billboard per aver portato un suono contemporaneo “George Strait 1980s new traditionalist” nell’era moderna. Midland, e i talentuosi The Cadillac Three, potrebbero non essere strettamente americani, ma entrambi portano lo stesso tipo di caratteristiche americane – freschezza ed empatia – alla musica country. I Cadillac Three sono stati prodotti dal bravissimo Dave Cobb, che ha fatto un gran lavoro con Chris Stapleton, Lindi Ortega, Colter Wall, Brandi Carlile, Jason Isbell e Amanda Shires.
È chiaro che l’Americana sta andando di bene in meglio. L’aumento dei servizi di streaming come Spotify significa che il genere ha accessibilità e visibilità mainstream, anche se non viene suonato nelle tradizionali stazioni radio di musica country. Aggiunto a questo, una serie di festival sono sorti per accompagnare l’annuale AmericanaFest di Nashville, che celebrerà il suo 19° anno nel settembre 2018. Tra i nuovi arrivati c’è The Long Road. Fatturandosi come un festival “country, Americana e roots”, si lancia nel Regno Unito lo stesso mese. I festival sono diventati fondamentali per l’evoluzione dei nuovi talenti.
Dal 2010 l’Americana è una categoria riconosciuta dalla Recording Academy. Levon Helm è stato il primo vincitore di un Americana Grammy (rivendicandone un altro nel 2012), e il premio è stato vinto due volte anche da Jason Isbell. Anche Mavis Staples, Bonnie Raitt, Emmylou Harris, Rodney Crowell e Rosanne Cash sono stati vincitori. La natura onnicomprensiva dell’Americana è stata mostrata nella vittoria del 2016 della leggenda della Stax Records William Bell. Robert Plant, l’ex frontman dei Led Zeppelin, che ha registrato sia con Alison Krauss che con Patty Griffin, ha detto che “non ci sono confini su dove può andare l’Americana”.
La natura multiforme dell’Americana continuerà mentre si diffonde attraverso i continenti. Quando l’Americana è stata premiata con una lista di album dedicata dalla Official Charts Company nel Regno Unito, la Top 10 includeva Ryan Adams, Lucinda Williams e il duo di fratelli svedesi First Aid Kit. Ci sono ora Associazioni di Musica Americana nel Regno Unito e in Australia – un
grido lontano dal 1999, quando un gruppo di DJ della radio, lavoratori di etichette discografiche e giornalisti musicali si incontrarono informalmente alla conferenza dell’industria musicale South By Southwest ad Austin, Texas, per discutere come promuovere la musica che amavano, e decisero di formare un’organizzazione.
Jimmie Fadden, della Nitty Gritty Dirt Band, è citato nel libro The Americana Revolution, dicendo che “Americana era un tentativo di raggruppare un sacco di forme inspiegabili di musica delle radici in un modo che poteva essere incapsulato, presentato ad un pubblico, con la comprensione di avere un nome”.
Il nome è ora significativo. La musica Americana è progressiva e all’avanguardia, e uno dei generi musicali più venduti per gli album – superando R&B, hip-hop e dance nel 2016, secondo Billboard – e acclamato da pesi massimi della cultura. La scrittrice Ann Patchett, vincitrice del premio PEN/Faulkner, ha recentemente dichiarato al New York Times che l’Americana è “la scena musicale più cool oggi”.
La nuova Americana continuerà, nelle parole di Hank Williams, a “mostrare alla gente una danza nuova di zecca”, ma qualunque cosa arrivi, i musicisti avranno sempre una storia preziosa a cui fare appello. Qualcuno che incapsula questo è il notevole Ry Cooder, che ha probabilmente fatto brillante musica Americana per più di mezzo secolo. L’ultimo album di Cooder, The Prodigal Son, su Fantasy Records, contiene una cover della canzone di Stanley Carter ‘Harbour Of Love’, una canzone incisa per la prima volta negli anni ’50 per la Mercury Records. “C’è una sorta di atmosfera di riverenza che prende piede quando si suonano e si cantano queste canzoni”, ha detto.
Quella riverenza ed entusiasmo è il motivo per cui la musica Americana roots continuerà a fiorire.
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