Come registi, dobbiamo la nostra passione ai pionieri del cinema e della fotografia, e poi ai registi che hanno seguito. Credo nel guardare al passato per innovare e andare avanti, per essere ispirati e per ispirare. Porto la mia ispirazione con me ovunque io vada, ovunque io lavori, e trasmetto la mia ispirazione a coloro che mi circondano sul set e nel mio HA Team.
Nel post di oggi, vorrei presentarvi un regista in erba che ha fatto parte del nostro HA Team e che si è fatto un nome come regista negli ultimi anni, Brendan Sweeney. Viene da Pittsburgh, ma non gliene faccio una colpa! Ha ha! È venuto a Los Angeles per inseguire il suo sogno e porta la sua creatività e la sua passione per il cinema – specialmente quello vecchia scuola – al nostro HQ ogni giorno, e noi lo ringraziamo per questo! Il suo ultimo film “Impossibility:Possibility” e ora sta per condividere con tutti voi la sua passione e dove è iniziato il cinema. Ama parlare e condividere la storia del cinema ed è così importante ricordare dove siamo stati in modo da poter forgiare nuove strade su dove andare.
Porta via Sweeney!
La pellicola fotografica è una striscia o un foglio di base in plastica trasparente rivestito su un lato con un’emulsione di gelatina contenente cristalli di alogenuro d’argento microscopicamente piccoli e sensibili alla luce. Le dimensioni e altre caratteristiche dei cristalli determinano la sensibilità, il contrasto e la risoluzione della pellicola. (Karlheinz Keller et al. “Photography” in Ullmann’s Encyclopedia of Industrial Chemistry, 2005, Wiley-VCH, Weinheim.)
Aspetta, dov’è un sensore? E gli 1 e gli 0? Come faccio a vedere cosa sto riprendendo? Posso controllare la mia esposizione con il falso colore?
La maggior parte di voi probabilmente ricorda i giorni della pellicola, almeno in senso fotografico. A un certo punto della nostra industria, utilizzare la pellicola di celluloide era l’unica opzione per i nostri progetti. Non era una selezione del tipo di sensore d’immagine, era una selezione del tipo di pellicola. La pellicola era il “sensore d’immagine”, il processo chimico che conteneva le immagini. La scelta stava nel tipo di pellicola che volevi usare per raccontare le tue storie e quali obiettivi volevi abbinarci. Le cose non erano immediatamente davanti a te come lo sono oggi nel mondo digitale. Non c’erano monitor per controllare la messa a fuoco o i livelli di IRE. Era un mondo in cui si guardava attraverso l’obiettivo usando un mirino ottico e si vedeva la scena nella sua prospettiva inalterata.
Questi erano i giorni del filmmaking… Un mondo in cui il direttore della fotografia poteva essere tutt’uno con la telecamera e nessun produttore poteva mai mettere in dubbio quello che lui o lei stava facendo. Era un gioco mentale, un’epoca di vera previsualizzazione e di messa alla prova delle proprie capacità.
Perché parlo così bene del cinema? Beh, prima di entrare nel mio amore personale per il cinema, parliamo della sua storia e della sua importanza per l’industria in cui lavoriamo oggi.
UN BREVE SGUARDO AL PASSATO
La prima pellicola fotografica disponibile al pubblico fu chiamata Dagherrotipo. Questa pellicola fu introdotta per la prima volta nel 1839 da Louis-Jacques-Mandé Daguerre e mantenne il mercato per circa 20 anni fino a quando furono sviluppati metodi fotografici più nuovi ed economici. Negli anni 1850, la fotografia su lastra di vetro divenne lo standard per la maggior parte delle macchine fotografiche del settore. Con una migliore qualità ottica rispetto alle prime plastiche trasparenti e al dagherrotipo, questo divenne il metodo migliore per i fotografi fino a quando George Eastman entrò in scena. Nel 1885, George introdusse la prima “pellicola fotografica flessibile in rotolo”, ma questa pellicola era in realtà carta con un rivestimento sopra. Il primo rullo di plastica trasparente entrò sul mercato nel 1889 ed era fatto di nitrocellulosa altamente infiammabile “celluloide” o ora conosciuta come “pellicola di nitrato”. Questa è la roba di cui tutti hanno sentito parlare nella storia del cinema e di come avrebbe bruciato!
Ecco dove la Eastman Kodak Company è diventata l’istituzione che ha guidato il movimento della pellicola fotografica e come doveva essere fatto in fotografia. Tutti hanno almeno sentito parlare di Kodak e della loro lunga storia nelle pellicole cinematografiche. Per me, sono una delle più grandi compagnie americane mai esistite!
LA NASCITA DI UN’INDUSTRIA
Va bene, cominciamo a discutere di come la pellicola fotografica sia stata presa e messa nell’ambiente della pellicola cinematografica. Il più vecchio cortometraggio registrato risale al 1888, chiamato Roundhay Garden Scene.
“Roundhay Garden Scene”
Questa breve scena fu registrata dall’inventore Louis Le Prince. Il film è stato girato sul posto a Oakwood Grange a Roundhay, Leeds, e si ritiene che sia il più antico film sopravvissuto. Con il suo look nero &bianco e ruvido, è incredibile vedere quanta strada abbiamo fatto, dai nostri umili inizi nel mestiere alle nostre produzioni multimilionarie di oggi. Guardare opere come questa può solo farti immaginare dove saremo tra altri cento anni, dove questo mezzo trascenderà e come ci definirà.
Il cinema ha davvero preso piede durante la spinta del Kinetoscopio di Thomas Edison e del Cinematografo dei fratelli Lumiere. Queste due invenzioni spinsero ciò che all’epoca era solo una novità e aiutarono a creare le basi per la nostra industria odierna. Il Kinetoscopio fu inventato per la prima volta ed era un dispositivo espositivo per una sola persona per immagini in movimento – non era un proiettore cinematografico, ma introdusse l’approccio di base che sarebbe diventato lo standard per tutte le proiezioni cinematografiche prima dell’avvento del video, creando l’illusione del movimento trasportando una striscia di pellicola perforata recante immagini sequenziali su una fonte di luce con un otturatore ad alta velocità.
La famiglia Lumiere era già un gigante nel settore della fotografia e colse il vento di ciò che Edison e il suo team stavano facendo negli Stati Uniti. A causa della loro posizione europea, decisero di prendere il suo concetto, ma volevano essere in grado di presentare un’immagine in movimento a più persone contemporaneamente. Crearono una macchina che non solo poteva catturare un’immagine in movimento, ma sarebbe stata in grado di stamparla e proiettarla per un pubblico più ampio. La cosa sorprendente è che la loro invenzione sarebbe stata circa ¼ della dimensione di quella di Edison e avrebbe stabilito un bisogno commerciale per il loro prodotto.
I primi film dei fratelli Lumiere
Grazie alla natura compatta della loro cinepresa, si aprirono nuovi modi di comporre le inquadrature e di spostare la cinepresa. I registi portarono questa cinepresa in tutto il mondo e trasportarono il pubblico in luoghi che all’epoca la gente non aveva mai visto prima. Era elettrizzante e la quantità di film prodotti nel corso degli anni dai fratelli Lumiere era di migliaia! Sono stati loro a redigere i primi schemi di come una storia dovesse essere raccontata utilizzando questo nuovo mezzo. Per un periodo nella storia del cinema, questo divenne lo strumento standard per fare il lavoro.
Se volete saperne di più sui fratelli Lumiere, guardate questi due podcast di Tracy V. Wilson e Holly Frey su Things You Missed In History Class:
The Lumiere Brothers, Part 1:
The Lumiere Brothers, Part 2:
THE SILENT YEARS
Con il passare degli anni nel 1900, il cinema divenne la forma d’arte del 20° secolo da battere! Le compagnie di produzione spuntarono dalla terra, nuovi registi entrarono in scena e nacquero le celebrità. 1910 – 1927 furono gli anni dei film muti narrativi strutturati – chiamati “Multiple-Reel Films” (presto chiamati lungometraggi) – che diventarono la norma per il pubblico di tutto il mondo. Il mezzo fu presto equivalente agli spettacoli teatrali e fu uno sbocco per adattare i romanzi al grande schermo. Nel 1916 c’erano più di 21.000 sale cinematografiche solo negli Stati Uniti.
Per circa due decenni, i film muti attraversarono gli alti e bassi della propaganda della prima guerra mondiale, sbocciarono nei paesi europei, e poi una nuova evoluzione del cinema inaugurò…
L’ERA DEL SUONO PRIMA DELLA SECONDA GUERRA MONDIALE
Con la popolarità commerciale e culturale quasi istantanea del cinema presso il pubblico di tutto il mondo, divenne evidente che avevamo bisogno di qualcosa di nuovo dopo quasi due decenni di successo del cinema muto. Nel 1900, la prima mostra pubblica conosciuta di film sonori sincronizzati proiettati ebbe luogo a Parigi. Questo fu l’inizio delle basi per ciò a cui saremmo stati abituati nel XXI secolo.
Linea di una stampa di film 35mm che mostra le colonne sonore. La striscia più esterna (a sinistra dell’immagine) contiene la traccia SDDS come immagine di un segnale digitale; la successiva contiene le perforazioni usate per guidare la pellicola attraverso il proiettore, con la traccia Dolby Digital, le aree grigie con il logo Dolby Double-D, tra di esse. Le due tracce della colonna sonora analogica sulla striscia successiva sono bilaterali ad area variabile, dove l’ampiezza è rappresentata come una forma d’onda. Queste sono generalmente codificate usando la matrice Dolby Stereo per simulare quattro tracce. Infine, all’estrema destra, è visibile il timecode usato per sincronizzarsi con un CD-ROM con colonna sonora DTS.
Nel 1919, l’inventore americano Lee Dee Forest depositò diversi brevetti che avrebbero aperto la strada alla prima tecnologia ottica del suono su pellicola. Questi nuovi progressi sarebbero stati applicati ad un ambiente commerciale.
Con un ulteriore sviluppo nel 1923, il pubblico fu introdotto alla prima proiezione commerciale di un cortometraggio usando il “suono su pellicola”. Quando vennero introdotti i film sonori con dialogo sincronizzato, vennero immediatamente coniati come “talking pictures” o “talkies”. All’inizio furono utilizzati esclusivamente nell’ambito dei cortometraggi e ci volle un po’ di tempo prima che i lungometraggi adottassero questa tecnologia.
Ci volle fino all’ottobre 1927 perché il primo film che utilizzava questa tecnologia arrivasse sul mercato. Si trattava della produzione della Warner Bros. Pictures, The Jazz Singer. Fu un grande successo di pubblico in tutta la nazione e fu realizzato con Vitaphone, che all’epoca era il marchio leader per la tecnologia del suono su disco.
Come la domanda del pubblico per i “talkies” crebbe, divenne evidente per il sistema degli studios che questo era qui per restare e dovevano seguire l’esempio. Negli anni ’30, i talkie erano un fenomeno globale e contribuirono ad assicurare la posizione di Hollywood come uno dei più importanti centri di influenza culturale/commerciale del mondo.
IL COLORE E LA NUOVA ONDA
Il colore nel cinema era sempre la direzione che l’industria stava cercando di raggiungere. La prima cinematografia a colori fu con sistemi di colore additivi come quello brevettato da Edward Raymour Turner nel 1899 e testato nel 1902. Il primo sistema di colore additivo di successo commerciale fu Kinemacolor. Era un sistema semplificato che utilizzava la pellicola in bianco e nero per la fotografia e poi proiettava due o più immagini componenti attraverso diversi filtri di colore. Il processo fiorì tra il 1908 e il 1913.
Intorno al 1920, i primi processi pratici di colore sottrattivo furono sviluppati e introdotti nell’industria. Come il Kinemacolor, anch’esso utilizzava la pellicola in bianco e nero per fotografare più immagini sorgente filtrate a colori e il prodotto finale era una stampa multicolore che non richiedeva attrezzature di proiezione speciali.
Nel 1932, il più grande progresso nella pellicola a colori fu l’introduzione del processo Technicolor a tre strisce. Il Technicolor risale per la prima volta al 1916 ed è stato migliorato nel corso di diversi decenni. Divenne il secondo più grande processo di colore dietro il Kinemacolor e fu usato principalmente nella produzione di Hollywood dal 1922 al 1952. Il Technicolor era noto per il suo aspetto bello e unico. Il suo colore altamente saturo divenne il nostro look ormai nostalgico che il pubblico voleva vedere. Il Technicolor fu comunemente usato in film come Il mago di Oz (1939), Via col vento (1939), e in film d’animazione come Biancaneve e i sette nani (1937).
Nel 1932, il più grande progresso nella pellicola a colori fu l’introduzione del processo Technicolor a tre strisce. Il Technicolor risale per la prima volta al 1916 ed è stato migliorato nel corso di diversi decenni. Divenne il secondo più grande processo di colore dietro il Kinemacolor e fu usato principalmente nella produzione di Hollywood dal 1922 al 1952. Il Technicolor era noto per il suo aspetto bello e unico. Il suo colore altamente saturo divenne il nostro look ormai nostalgico che il pubblico voleva vedere. Il Technicolor fu comunemente usato in film come Il mago di Oz (1939), Via col vento (1939), e in film d’animazione come Biancaneve e i sette nani (1937).
Il colore nei film ha continuato a crescere in popolarità fino a diventare la norma per i film. Nel XXI secolo, è raro che ci capiti un film completamente in bianco e nero. Il colore ha scavato il suo posto nella nostra mente di spettatori ed è qui per restare.
L’IMPORTANZA DEL FILM
Perché sto facendo la storia di questo? Probabilmente ne avrete già sentito parlare, quindi come si traduce questo nell’importanza del film? Beh, mettiamola così… il film è il mezzo originale. È quello che i grandi hanno utilizzato per oltre 100 anni e per qualsiasi motivo è stato relegato a causa del digitale.
Il digitale è ora il re della collina, ma è una cosa buona? Non è né un bene né un male! Abbiamo aperto le porte a una nuova generazione di registi che non avrebbero mai potuto ottenere una pellicola. Abbiamo dato una voce a persone che potenzialmente non avrebbero mai potuto esprimersi prima. Il mezzo digitale è lo strumento di cui abbiamo bisogno per aprire l’industria a coloro che vogliono partecipare. Ci ha aiutato a capire un modo diverso di fare film ed è sempre bello avere “opzioni” quando si fanno film.
Beh, prendiamoci un secondo per parlare di queste “opzioni”…
Nel 2014, abbiamo avuto una delle compagnie di film negativi a colori di lunga data che ha chiuso la sua produzione di film. Era Fujifilm, il produttore di ETERNA, e quello che alcuni considerano un bellissimo concorrente di Kodak. Ora ci ritroviamo con una pellicola fuori produzione con cui potenzialmente non avremo mai più la possibilità di girare.
Perché questo è un problema? Il problema è che abbiamo perso una “opzione” per il cinema. L’unico negativo a colori rimasto è la linea Kodak Vision3 e Wittner Agfachrome 200D per l’inversione del colore. A parte alcune piccole boutique, stock sperimentali, queste sono TUTTE le pellicole a colori che ci sono rimaste. Oh, ho dimenticato di menzionare che Kodak ha presentato istanza di fallimento nel 2012 e abbiamo quasi perso anche questo…
Il mio problema con il digitale è che ha permesso alle masse di dimenticare facilmente cosa sia la “pellicola”, il suo ruolo nel modo in cui il cinema è arrivato fino ad oggi, e ciò che ha rappresentato. In meno di un decennio, la pellicola è stata quasi presa a calci fino alla morte. Se non fosse stato per un gruppo di élite di Hollywood che si sono unite, avremmo potenzialmente perso un mezzo, una forma d’arte e un modo di pensare.
Ecco cosa hanno da dire alcuni registi sul cinema:
Hoyte van Hoytema (Tinker Tailor Soldier Spy, Interstellar, Her)
Il dibattito stesso è semplicemente stupido, sapete? Una delle cose peggiori è stato il dibattito, perché presuppone che ci sia un “meglio” e un “peggio”, che ci sia un “vincitore” e un “perdente”. Questo non è affatto il mio modo di vedere la cosa. Quella polarizzazione e la presentazione che c’è qualcosa di meglio e qualcosa di peggio è semplicemente ridicola. Chiunque può dare una ragione per cui qualcosa è buono o cattivo in senso tecnico. Ma la ragione per cui registi come Christopher Nolan girano su pellicola non ha niente a che fare con “meglio” o “peggio”. Ha solo a che fare con un gusto molto personale. Ognuno vuole un diverso tipo di tela. Ad alcune persone piace dipingere con la pittura a olio e ad altre con la pittura acrilica e ad altre ancora con la merda di mucca, sapete? Tutta questa discussione è inutile, e l’unica cosa che quella discussione ha provocato è che la gente che non ne sa nulla inizia a fare pressioni per un formato. Un formato sta solo diventando lentamente obsoleto e impedendo a molte persone di scegliere in futuro, il che è molto triste, perché penso che quella scelta dovrebbe essere disponibile per persone come Chris o Quentin Tarantino o Scorsese o Spielberg, chiunque, o Paul Thomas Anderson. Le loro scelte sul perché prendono la pellicola non è sempre una scelta tecnica.
(“‘Interstellar’ cinematographer on grounding Nolan’s movie and shooting Bond on film”)
Martin Scorsese (Goodfellas, Casino, The Departed)
Abbiamo molti nomi per quello che facciamo – cinema, film, motion pictures. E… film. Ci chiamano registi, ma più spesso ci chiamano cineasti. Registi. Non sto suggerendo di ignorare l’ovvio: l’HD non sta arrivando, è qui. I vantaggi sono numerosi: le telecamere sono più leggere, è molto più facile girare di notte, abbiamo molti più mezzi a disposizione per modificare e perfezionare le nostre immagini. E le macchine fotografiche sono più abbordabili: ora si possono davvero fare film con pochi soldi. Anche quelli di noi che ancora girano su pellicola finiscono in HD, e i nostri film vengono proiettati in HD. Quindi, potremmo facilmente concordare che il futuro è qui, che la pellicola è ingombrante e imperfetta e difficile da trasportare e incline all’usura e al decadimento, e che è ora di dimenticare il passato e dire addio – davvero, si potrebbe fare facilmente. Troppo facilmente.
Sembra che ci venga sempre ricordato che il cinema è, dopo tutto, un business. Ma il cinema è anche una forma d’arte, e i giovani che sono spinti a fare film dovrebbero avere accesso agli strumenti e ai materiali che sono stati i mattoni di quella forma d’arte. Qualcuno si sognerebbe di dire ai giovani artisti di buttare via i loro colori e le loro tele perché gli iPad sono molto più facili da trasportare? Certo che no. Nella storia del cinema, solo una minuscola percentuale delle opere che compongono la nostra forma d’arte non è stata girata su pellicola. Tutto ciò che facciamo in HD è uno sforzo per ricreare l’aspetto della pellicola. La pellicola, anche oggi, offre una tavolozza visiva più ricca dell’HD. E dobbiamo ricordare che la pellicola è ancora il modo migliore e l’unico collaudato nel tempo per conservare i film. Non abbiamo alcuna garanzia che le informazioni digitali durino, ma sappiamo che la pellicola durerà, se conservata e curata correttamente.
La nostra industria – i nostri cineasti – si sono radunati dietro Kodak perché sapevamo che non potevamo permetterci di perderli, come abbiamo perso così tanti altri stock di pellicola. Questa notizia è un passo positivo verso la conservazione della pellicola, la forma d’arte che amiamo.
(“Martin Scorsese scrive una lettera di sostegno a Kodak e alle scorte di pellicola”)
Molti dei registi che ammiriamo oggi hanno la loro opinione sulla questione. La guerra continua con il dibattito “pellicola contro digitale”, ma non è questo il punto in cui voglio arrivare. È l’importanza di mantenere quante più opzioni possibili. Meno opzioni abbiamo, meno modi avremo per esprimerci. Come regista, so che non voglio essere limitato creativamente a causa di prodotti fuori produzione.
Il FUTURO DEL FILM
Per come procediamo sulla strada della digitalizzazione del resto del mondo, vedo un futuro luminoso per il cinema. Negli ultimi due anni abbiamo visto una rinascita della “pellicola” nell’industria e un interesse da parte di un pubblico più giovane. Kodak è sfuggita alla morsa di una morte quasi certa e non è più in bancarotta. Sempre più lungometraggi scelgono di girare completamente su pellicola o un approccio ibrido con il digitale. Le produzioni indie desiderano un look vintage e nostalgico e sono alla ricerca di troupe che sappiano lavorare con questo mezzo. Stiamo vedendo sempre più film che aggiungono proiezioni su pellicola e il pubblico che esce per goderseli!
Stiamo creando un mondo dove ENTRAMBI i mezzi possono vivere e lavorare insieme. Questo è il futuro che vedo e sta arrivando. Con l’apertura da parte di Kodak di nuovi laboratori di lavorazione negli Stati Uniti e nel Regno Unito, così come la rinascita di Ektachrome, spero che questo porti ad un’opportunità per Arri e Panavision di annunciare una nuova macchina fotografica a pellicola. Mentre i registi e i direttori della fotografia continuano a spingersi, è solo una tendenza al rialzo per la pellicola e la sua sostenibilità.
Anche Blackmagic Design, uno dei maggiori produttori di cineprese digitali, sta facendo notizia nel regno “cinematografico” dell’industria. Negli ultimi due anni hanno acquisito la Cintel, azienda di scanner per pellicole di lunga data, e hanno introdotto il loro primo scanner per pellicole 4K. L’elegante e raffinato Blackmagic Design Cintel Scanner può essere appeso splendidamente a una parete e si collega senza sforzo tramite Davinci Resolve. Questo crea una strada per le scansioni a basso costo per i registi che cercano di entrare nella porta.
IN CONCLUSIONE
Immagino che il mio punto qui sia studiare ciò che è venuto prima di noi e provare gli strumenti che i grandi hanno usato. Sia che rimaniate con la pellicola o che decidiate di rimanere completamente digitali, almeno avrete provato il mezzo e capito la sua importanza. Potrei divagare tutto il giorno su come non ci sia sensazione migliore che sentire la pellicola che scorre nella macchina fotografica, che non c’è niente di più soddisfacente che vedere la tua immagine prendere vita quando torna dal laboratorio. È un’esperienza magica, ma il fatto che io esprima questo non vi farà mai capire, finché non uscirete e lo proverete.
Dobbiamo continuare a creare modi per catturare un’immagine in movimento. Se nuovi modi stanno utilizzando video VR a 360 gradi, beh, aggiungiamoli alla cassetta degli attrezzi. Abbiamo bisogno di un futuro senza limitazioni e questo inizia con noi che preserviamo, non ignoriamo.
Un’ultima cosa… le fotocamere digitali stanno cercando di replicare la “pellicola”. Perché non girare su pellicola invece di fingere? Andate là fuori e fate un film!
Cheers,
Brendan Sweeney
www.brendanjsweeney.com
@brenjamessween