The Scene
Qualcosa di grande sta accadendo -un movimento musicale di base su una scala così grande che il suo puro slancio sembra inarrestabile. Improvvisamente, una nazione di neo-hippies in camicie tinte con la cravatta e anelli al naso, che puzzano di olio di patchouli e skunkweed, sta gravitando sulle piste da ballo di tutto il mondo per partecipare alle buone vibrazioni e alle gioie del groove-oriented jamming. Il risultato di tutto questo improvviso e fervente interesse per l’improvvisazione basata sul ballo è una tentacolare e vitale scena “jam band” che si estende da costa a costa ed è collegata da una rete di locali notturni e siti web su Internet, dove i fanatici del groove si scambiano nastri, CD e MP3 mentre chiacchierano eccitati dei prossimi concerti dei loro gruppi preferiti. È un impero invisibile che tocca la tradizione del jazz ma esiste in un universo parallelo lontano anni luce dalla vecchia guardia (Van). Benvenuti nel futuro del jazz?
Simile nello spirito e nell’aspetto alla Woodstock Nation, circa 1970, queste orde affamate di beat sono orgogliosi membri della Groove Nation 2000. Affollano club piccoli e grandi come The Mellow Mushroom a Chapel Hill, Higher Ground a Burlington, Bop Shop a Chicago, Club One a Tulsa, Mama Einstein’s ad Athens, Ohio, Elbo Room a San Francisco, Tipitina’s a New Orleans, Tinker Street a Woodstock, Wetlands Preserve a New York City… la lista continua. Oppure si riuniscono in massa ai festival estivi di jam band all’aperto come Gathering of the Vibes nel Connecticut, All Good Festival nel Maryland, BeatJam nel Maine, High Sierra Festival nella California del Nord e Berkfest nelle Berkshire Mountains del Massachusetts. Lì si muovono al suono di Deep Banana Blackout, Galactic, Soulive, Fat Mama, Schleigho, Michael Ray & The Cosmic Krewe, Jacob Fred Jazz Odyssey, Jiggle the Handle, String Cheese Incident, Ominous Seapods, The Hosemobile, The Slip, ViperHouse, Greyboy Allstars, The Jazz Mandolin Project, Rockin’ Teenage Combo, Percy Hill, Project Logic, The New Deal, Living Daylights, Karl Denson’s Tiny Universe…la lista continua e continua e continua.
Il pubblico di questi concerti è insolitamente aperto, come molti dei musicisti della scena hanno sottolineato. Più partecipanti che spettatori passivi, si abbandonano alla musica, dimenando e agitando i loro giovani corpi magri sulla pista da ballo in una sorta di spastico rituale hippie groove. Sembrano anche prosperare tanto nello spirito dell’improvvisazione quanto nei ritmi ballabili. La dissonanza e la complessità musicale non li spaventano. Le jam possono dissolversi in astrazioni spaziali o in escursioni dense e libere e loro resteranno comunque lì, più curiosi che disorientati. In effetti, sembra che ricevano una carica dal “suono della sorpresa” che è stato a lungo associato al jazz. Nessun giudizio da parte di questo pubblico. Nessuna possibilità di note sbagliate o cattive vibrazioni qui. Con loro tutto è groovy, il che è uno scenario molto liberatorio per i musicisti.
“È sicuramente una cosa aperta e questo è ciò che mi piace”, dice Brian Haas, leader e tastierista dell’audace settetto di Tulsa Jacob Fred Jazz Odyssey. “Non ho la sensazione che queste persone vengano agli spettacoli con qualche aspettativa. Non si preoccupano nemmeno se noi ci distanziamo per 45 minuti e il mio batterista non suona altro che un triangolo, capisci? C’è una vera apertura lì e sembra che questo aiuti la scena jazz a passare al livello successivo. È un pubblico nuovo di zecca, in un certo senso. Eravamo molto consapevoli fin dall’inizio che tutti questi ragazzi hippie stanno amando questo jazz all’improvviso. E ora diciamo sempre: ‘Grazie a Dio per gli hippy’, perché hanno un atteggiamento davvero non giudicante che è perfetto per il jazz.”E’ come un altro mondo”, dice il chitarrista John Scofield, il cui nuovo progetto, Bump (Verve), si avvale di un cast di giovani turchi della scena jam band, tra cui il percussionista Johnny Durkin e il batterista Eric Kalb dei Deep Banana Blackout, il bassista Chris Wood dei Medeski Martin & Wood, Mark De Gli Antoni dei Soul Coughing e il tandem ritmico composto dal bassista Tony Scherr e dal batterista Kenny Wollesen dei Sex Mob. “Sono ragazzi che vanno a questa roba e sono davvero aperti a molti tipi di musica diversi e aperti alla sperimentazione, il che è davvero diverso”, dice Scofield.
“È una famiglia gigantesca”, dice Arne Livingston, bassista del trio di Seattle Living Daylights. “E questa è la cosa che ho imparato suonando questi spettacoli, è che non si tratta tanto della musica, dopo un certo punto. Si tratta di essere parte di una famiglia, di persone che vogliono andare in un club dove vedranno i loro amici. La musica è importante, ma si tratta anche di far parte di una scena sociale.”
Secondo Fuzz, chitarrista ventinovenne dei Deep Banana Blackout, “è solo musica che è divertente da ascoltare e ballare. La maggior parte della musica su questa scena è basata sul groove e generalmente ha una vibrazione felice e amichevole, quindi mantiene le persone in quello spirito. Ma non si tratta solo di una musica hippie felice per tutto il tempo. Penso che si appassionino a tutti i diversi sapori che questi gruppi hanno da offrire.
“Nessuna della musica che ho sentito è oscura o deprimente”, continua Fuzz, “quindi è una specie di alternativa alla musica rock alternativa degli anni ’90. Molta di quella musica era molto deprimente. Molta di quella musica era molto deprimente, come se tutti fossero in un brutto trip di eroina e volessero uccidersi. Ma questa scena jam band riguarda più le persone che si divertono ed entrano nella musica per quello che è e non hanno tutta questa immagine oscura e depressa o la sensazione di ‘odio la mia vita, odio il mondo, il mondo sta per finire’. Quel tipo di mentalità ha iniziato a prendere il sopravvento sulla cultura pop negli anni ’90, ma ora è finita”.
Il Suono
Mentre ci sono vari affluenti stilistici che escono dalla scena delle jam band, il terreno comune tra tutte le band è l’idea di estendersi e lasciare che la musica si evolva organicamente, ovunque questo li porti. E il pubblico è direttamente coinvolto in questa missione di ricerca e scoperta musicale.
“Credo che abbia a che fare con l’eredità dei Grateful Dead in un certo senso”, dice Scofield. “Sono i nouveau hippies… persone che ascoltano la musica e ballano e sono coinvolti nel fatto che la band sta improvvisando insieme e creando questa atmosfera, con il pubblico che ne fa parte. Ma fondamentalmente, sono tutte diverse interpretazioni di un rock influenzato dal jazz veramente creativo. Alcuni gruppi suonano come i Dead, altri come gli Headhunters di Herbie Hancock, poi ci sono gruppi come Soulive, che è un favoloso giovane trio d’organo che suona come i dischi della Blue Note dei primi anni ’60. C’è anche della roba bluegrass improvvisata come gli Strangefolk. Se i Grateful Dead hanno creato il precedente per questa estetica hippie delle jam negli anni ’60 e ’70, la torcia è stata poi passata ai Phish, il gruppo rock ispirato ai Dead che è diventato un faro per lo stretching avventuroso negli anni ’90.
“Grazie a un gruppo come i Phish, improvvisare è diventata una di quelle cose che si possono fare”, dice Fuzz. “Ora hai diversi gruppi che portano sul tavolo alcune cose piuttosto ‘fuori’ e la gente le accetta. Dicono, ‘OK, questo è figo. Suona come quella cosa dei Phish”. Così improvvisamente diventa ok fare quel tipo di cose, e questo è fantastico per tutti. Ma sia i Dead che i Phish provengono chiaramente da un background più rock. Per scoprire dove il ceppo jazzistico è entrato in questa estetica Groove Nation, bisogna guardare a Medeski Martin & Wood (MMW), i padrini dell’intero fenomeno jam band. “Quei ragazzi sono sempre stati degli idoli e un po’ più avanti di noi, essendosi formati prima di noi”, dice il percussionista dei Deep Banana Blackout Johnny Durkin.
“Noi ammiriamo tutti e tre quei fratelli”, dice Hass dei MMW. “Sono stati un’ispirazione per noi da quando siamo insieme, senza dubbio. Abbiamo, naturalmente, guardato come hanno iniziato – andando in giro in un furgone – e visto come ha funzionato per loro. Quindi ci dice di mordere il proiettile e continuare a mantenere e continuare a fare lo stesso modo in cui hanno fatto loro. E sembra decisamente che stia dando i suoi frutti. È un processo lento, ma è così gratificante.”
“Parlando di jazz e musica groove e della scena Deadhead, sono sicuramente un ponte”, dice Fuzz del contributo della MMW. “Penso che siano probabilmente simili a noi… la loro intenzione originale era quella di essere una specie di band stravagante, jazzistica, che faceva le sue cose. Volevano solo fare della bella musica. Ma in qualche modo si è sparsa la voce su di loro e penso che fosse una qualche connessione con i Phish. Penso che questo abbia dato loro un vero calcio nei pantaloni e li abbia aiutati ad andare in altre date con altre band che erano su quella scena.”
Mentre è stato erroneamente riportato che la chiave per la svolta della MMW è stato un posto di apertura in un tour dei Phish, la verità è che hanno aperto per la mega rock band di successo in un solo concerto, a New Orleans. Ma i Phish suonavano regolarmente i nastri della MMW prima dei loro spettacoli, esponendo un enorme nuovo pubblico ai loro insinuanti, psichedelici grooves. Come riconosce il tastierista dei MMW John Medeski, “La loro base di fan ha sparso la voce su di noi.”
“La prima volta che li ho visti,” ricorda Fuzz, “sono rimasto piuttosto sconvolto. Sono una band che ha un suono davvero unico e hanno la loro direzione, ma ancora una volta la musica è così coinvolgente. Ha un’atmosfera così cool e può essere così psichedelica allo stesso tempo. E c’è un intero pubblico di nuovi hippie che può davvero entrare in questo. Penso che la MMW sia una grande cosa collettiva. Sono là fuori ad esplorare territori inesplorati in una situazione altamente improvvisata. Sono così presi dal momento che possono fare un intero concerto di sola improvvisazione, senza avere alcun tipo di struttura di canzone. Sono piuttosto notevoli quando si tratta di pura improvvisazione. E penso che il loro pubblico apprezzi davvero questo di loro.”
L’evoluzione dei MMW
“Ricordo che abbiamo fatto un concerto nell’estate del 1991 a Martha’s Vineyard”, ricorda Medeski. “Quello è stato il nostro primo concerto fuori città. Poi abbiamo finito per fare un piccolo tour autunnale nel sud, solo per uscire dal freddo, davvero. È successo che eravamo a New York e ci siamo resi conto che potevamo avere 40 o 50 persone a quel tempo per venire a vederci suonare alla Knitting Factory. Così abbiamo iniziato a pensare che forse potevamo andare in queste piccole città universitarie e probabilmente ottenere 40 o 50 persone per i nostri concerti lì. Non avevamo idea se la gente fuori da New York avrebbe gradito o meno. Eravamo un po’ preoccupati che nessuno sarebbe stato in grado di relazionarsi con la musica, ma ci piaceva abbastanza suonare insieme per fare un tentativo. La nostra idea era: “Se questo funziona, allora possiamo farlo sempre”. L’unico obiettivo che avevamo era quello di fare abbastanza soldi per continuare a suonare la musica che volevamo suonare insieme, invece di dover indossare uno smoking e fare concerti di matrimonio e casuals per tirare avanti.
“Quando siamo usciti per la prima volta abbiamo fatto alcuni jazz club e coffeehouses e piccoli club rock”, continua. “I jazz club non sono stati una buona esperienza a tutti i livelli, ma i coffee house e i rock club sono stati fantastici. I giovani lì erano un pubblico molto più aperto e siamo rimasti davvero scioccati dalla risposta. La gente sembrava apprezzare ed era davvero contenta che fossimo venuti anche se non erano abituati a vedere quel tipo di musica. Così siamo stati incoraggiati abbastanza da quell’esperienza iniziale per uscire di nuovo. Più persone sono venute per il secondo tour e la cosa è cresciuta lentamente. E abbastanza divertente, in quel periodo dovevamo suonare free jazz per sostenere la nostra carriera più commerciale. Tornavamo da un tour con la MMW e Billy ed io andavamo a suonare con i Lounge Lizards o John Zorn mentre Chris andava a suonare con Marc Ribot in Rootless Cosmopolitans o Shreck. Andavamo in tour europeo con loro, facevamo abbastanza soldi, tornavamo, poi andavamo in tour con la MMW, che erano un po’ come delle piccole vacanze per noi.”
Ma vacanze leggermente estenuanti, almeno all’inizio, come racconta Medeski. “Salivamo su un furgone e guidavamo. Avevamo una piccola stufa nel furgone così cucinavamo per noi stessi mentre il furgone si muoveva. Arrivavamo al concerto con appena il tempo per un sound check. Incontravamo qualcuno al concerto e finivamo per dormire sul suo pavimento. Non avevamo mai un hotel. Nel nostro primo tour abbiamo fatto un concerto a Knoxville dove ci hanno dato un hotel e tutto il resto era tipo ‘andiamo e vediamo cosa succede’. Dopo alcuni tour di successo, la MMW è passata dal furgone Ford di Billy Martin a un camper usato Coachman dotato di doccia, fornelli e frigorifero. “C’è stato un periodo di due anni in cui eravamo quasi sempre in viaggio”, dice Medeski, “ed è stato allora che abbiamo dovuto lasciare i nostri appartamenti a New York. Non potevamo più permetterci di mantenerli e, dato che eravamo sempre in viaggio, vivevamo nel camper”. Mentre continuavano a diffondere il vangelo del groove e della spontaneità musicale, il seguito della band ha continuato a crescere nel tempo fino a quando si sono ritrovati in cima al mondo neo-groove con un tour bus, un rabbioso seguito internazionale e un lucrativo contratto discografico con la Blue Note, che ha pubblicato il loro best-seller Combustication nel 1998. (Ironicamente, l’ultimo lavoro della MMW per l’etichetta, Tonic, è un progetto dal vivo, un trio acustico a ruota libera con pianoforte che ha più a che fare con la scena avant garde che con la scena groove che hanno contribuito a creare). “Quando vivevo a Boston avevo fatto alcuni concerti con la Either Orchestra nel Midwest e mi resi conto che c’erano dei ragazzi del college là fuori che volevano solo sentire un po’ di musica… una nuova generazione di persone con orecchie affamate. E la maggior parte dei nostri mentori non andava a suonare per loro. I quarantenni, che erano dei veri mostri, non uscivano a suonare perché si guadagnavano da vivere in Europa. E ci siamo sentiti come, ‘Amico, questa è l’America. Dovremmo essere in grado di farlo nel nostro paese”. E sembrava che con i media così com’è, i computer e tutto il resto, i giovani avessero una più ampia esposizione a diversi tipi di musica rispetto alla generazione precedente, quindi le loro menti sono naturalmente più pronte, più aperte ad essa”. Bob Moses una volta disse, e io sono totalmente d’accordo con lui, che questi giovani di oggi cercano un’esperienza catartica che possono ottenere solo dalla musica improvvisata. Questo è quello che cercano quando vanno a vedere queste jam band. E penso che a volte lo ottengano e a volte no. Cercano quella sensazione che possono avere solo quando una band è lassù e improvvisa davvero. E penso che sia responsabilità di tutti, inclusa la nostra, farsi il culo e praticare e studiare la musica per avere di più da portare a questo pubblico. Sento davvero che se stanno cercando quella cosa catartica, è nostra responsabilità cercare di dargliela, per scavare davvero a fondo nella musica improvvisata e attingere al lato spirituale di essa.”
Ma è jazz?
“Mi piacerebbe pensare al jazz come uno stile in costante progresso che prende in prestito da se stesso e da qualsiasi altra cosa”, dice Livingston. “Il jazz è solo il culmine degli sforzi dei giovani in una sorta di musica creativa e più avanzata”.”
“Mi sembra”, dice Fuzz, “che il jazz abbia sempre riguardato l’espressione individuale. Quindi eseguirlo o cercare di ricreare il modo in cui il tizio originale l’aveva fatto sembra allontanare il concetto originale. Voglio dire, dovresti prendere questa musica e farla a modo tuo, giusto? Come puoi renderla parte della tua espressione personale? Beh, per me, la cosa che sento davvero da molto tempo è sicuramente il funk e la musica soul. Quindi sto combinando il funk, il soul e l’hip hop con il jazz e anche un po’ di psichedelia rock. Oggi non ci sono regole ferree per fare un disco di jazz. Forse un tempo alcune persone avevano un atteggiamento un po’ snob al riguardo. Non oggi.”
Con il suo progetto solista, On the Corner With Fuzz, il chitarrista rivela una comprensione più profonda del jazz nelle sue cover contemporanee di “Seven Come Eleven” di Charlie Christian, “Four on Six” di Wes Montgomery e “Bloomdido” di Charlie Parker, in cui sono presenti anche il mago del giradischi DJ Logic e il trombettista Michael Ray. “Ho studiato musica al college e mi sono dilettato nel jazz”, dice Fuzz. “Il jazz era più una cosa che mi piaceva molto per conto mio. Lo apprezzavo e ascoltavo un sacco di dischi jazz. E negli ultimi tre o quattro anni, specialmente, mi ci sono davvero immerso. Quindi con questo progetto posso rendere omaggio a certa musica che mi piace molto e metterci la mia espressione personale.”
Secondo il batterista Stanton Moore dei Galactic di New Orleans, “La cosa della jam band è un’etichetta posta su gruppi che hanno approcci simili ma non necessariamente suoni simili. Se prendi un gruppo come i Greyboy Allstars e un gruppo come Moe e un gruppo come i Soulive, sono tutti più o meno raggruppati nella categoria jam band, ma musicalmente non c’è molta differenza. Ma il fatto è che tutte queste band vanno in giro e sono in tour senza sosta. Non vengono suonati molto alla radio, quindi sviluppano un pubblico attraverso i tour, come ha fatto la MMW. Penso che tutte queste band abbiano notato che è un approccio che ha funzionato, in particolare per i Grateful Dead. Sono stati in tour per anni e anni e non hanno mai avuto molto successo alla radio, ma sono stati tra le più grandi band di sempre. Quindi penso che tutta la storia delle jam band si sia sviluppata intorno a gruppi che amano suonare dal vivo. E c’è davvero un sacco di gente che ama venire a vederlo e non si preoccupa di quanti successi o quanti dischi d’oro o di platino ha una band. Si tratta di uscire e vedere le band suonare dal vivo. Si tratta di band che si esibiscono e sperimentano di fronte al pubblico dal vivo, improvvisando a un livello o a un altro.”
“L’intera scena delle jam band è piuttosto ampia”, dice Eric Krasno, chitarrista ventitreenne dei Soulive. “Non siamo sicuramente una band hippie, eppure ci rivolgiamo a molte di quelle persone. Andremo a suonare al Berkshire Mountain Festival insieme ai Deep Banana Blackout e a gruppi hip hop e al nuovo genere di jungle. Fondamentalmente quello che suoniamo è R&B e soul-jazz ma, comunque, siamo decisamente nel circuito delle jam band. Immagino che il terreno comune sia il fattore groove”.”
Supportati dal batterista Alan Evans e dal suo fratello suonatore di organo B-3, Neal, i Soulive hanno coltivato un forte seguito attraverso le loro frequenti apparizioni sulla scena delle jam band – recentemente hanno suonato un mese di mercoledì al Wetlands di New York – e attraverso le vendite del loro ultra-groovy CD di debutto, Turn It Out (Velour). La prossima registrazione del gruppo ha come ospite uno dei suoi più grandi sostenitori, il chitarrista John Scofield.
Dice Evans, già batterista dei Greyboy Allstars, “Siamo influenzati da tutti, da Jimmy Smith e Groove Holmes a Grant Green e il primo George Benson. Eppure, i giovani ci apprezzano ancora. C’è qualcosa nel groove con cui possono relazionarsi. Personalmente, ho sempre voluto fare questo tipo di gruppo. Ricordo che la prima volta che ho sentito Grant Green mi sono detto: “Ehi, è così”. Quindi è una musica che ho sempre amato. Sono cresciuto suonando jazz ma amavo anche Hendrix e James Brown, quindi quello che stiamo facendo è una combinazione perfetta di .”
“La cosa che lo rende nuovo”, aggiunge Krasno, “è che siamo cresciuti con accesso a così tanta musica. Abbiamo sentito Grant Green e Sco fare la cosa fusion, e abbiamo anche sentito il reggae e l’hip hop. Molto di quello che abbiamo ascoltato crescendo non era necessariamente jazz, quindi ci sono sicuramente molti elementi diversi mescolati nel nostro suono. Puoi sentire sul nostro CD dove diventa più rock e blues a volte. Io uso un pedale wah e un vocoder sulla chitarra per alcuni pezzi, ma allo stesso tempo suono una chitarra jazz hollow body, così possiamo anche andare in qualcosa che suona come un vecchio disco di Grant Green. Ma ci sono tanti altri elementi e questo è ciò che ci distingue dal mettere solo un vecchio disco.”
“Stiamo uscendo da una tradizione jazz e stiamo facendo in modo che rifletta le tendenze musicali attuali”, dice Haas a proposito di Jacob Fred Jazz Odyssey. “L’approccio che abbiamo scelto di adottare, e che la MMW ha scelto di adottare, è qualcosa in cui non mi imbatto troppo spesso, dove si arriva da un punto di vista totalmente improvvisativo. Il che significa che a volte si è fortunati e si spacca tutto, e a volte, quando si improvvisa, si cade a terra. Non mi imbatto in molte band che si prendono questo tipo di rischi, dove salti sul palco e vai. Ma con Jacob Fred, direi che il 98% del materiale è totalmente improvvisato. E con Welcome Home siamo stati estremamente fortunati. In pratica ci siamo dati due notti in un piccolo club di Tulsa per farlo. E boom, è successo, grazie a Dio.”
Il Jazz Mandolin Project, con sede nel Vermont, è un’altra attrazione popolare sulla scena delle jam band. Inizialmente percepito dai fan come un progetto spin-off dei Phish, a causa della presenza del batterista dei Phish Jon Fishman in una precedente edizione del trio, il JMP ha aumentato considerevolmente la sua credibilità jazzistica l’anno scorso reclutando il batterista Ari Hoenig e il bassista Chris Dahlgren, entrambi giovani talenti emergenti sulla vitale scena jazz del centro di New York. E mentre la connessione con il jazz diventa ancora più chiara con la loro recente firma con la Blue Note (raggiungono nuove vette nel loro debutto alla Blue Note, *Xenoblast*), i JMP hanno mantenuto la loro base di fan delle jam band.
“Non ho mai fatto nulla per promuovere questa connessione”, dice l’asso del mandolino e fondatore dei JMP Jamie Masefield, “ma la maggior parte delle persone che vengono a sentirci sono questi giovani fan della musica bohemien. Sento che siamo così fortunati ad avere una così grande base di fan, ma è un po’ strano perché sento che la comunità jazz non sa ancora che esistiamo. Forse hanno sentito parlare di noi, ma hanno sentito che è una specie di cosa hippie, e quindi forse si sono allontanati. Ma spero che la connessione con il Blue Note faccia venire voglia ai fan del jazz di andare a vedere”.”
Alla fine, indipendentemente dal fatto che una band venga fuori dai Grateful Dead, dai Phish, dai P-Funk, da Sun Ra o dalla Mahavishnu Orchestra, si tratta in definitiva di perseverare, diffondere la parola a livello di base e raccogliere i convertiti lungo la strada. Come dice Moore, “Tutto ciò di cui hai bisogno sono cinque o sei gatti volenterosi e un furgone da mille dollari ed ecco fatto, amico; puoi solo fare tour, tour, tour. Continui a farlo e a farlo e prima che tu te ne accorga c’è questa scena di jam band.”
JMP’s Masefield concorda. “In realtà è una nozione molto all’antica. Devi fare in modo che accada dove sei e sparpagliarti come tenaglie. La responsabilità è tua. Vai sulla strada, amico. È lì che si fa la vita. Sali sul furgone e mangi nei fast food e ti fai degli amici in ogni città e torni indietro sei mesi dopo ed eccoti lì e puoi ridere dell’ultima volta che sei stato lì… vivi la vita. È difficile ma, ehi, se sei sposato con la musica e la ami, questo è quello che si spera tu voglia fare. Sali sul furgone e guidi all’infinito per molto tempo e appicchi ‘incendi boschivi’ ovunque. Non c’è altro modo per farlo se non uscire in strada tutto il tempo.”
Il futuro: MMW Jam Off It?
Ironicamente, i padrini della scena jam band prendono considerevolmente le distanze dal groove nel loro nuovo provocatorio disco della Blue Note, Tonic. Registrato dal vivo nell’omonimo nightclub ultra-hip (un tempo sede di una cantina kosher nel Lower East Side di Manhattan), questo audace progetto di trio acustico con pianoforte ha più a che fare con la combustione spontanea del trio Cecil Taylor che con l’intera scena jam band che hanno contribuito a sviluppare. L’influenza di Cecil Taylor era davvero evidente in quell’escursione dissonante, indicando la strada verso l’estetica più outré che è Tonic. Con Chris Wood al basso verticale, Billy Martin alla batteria e alle percussioni manuali e John Medeski al piano acustico, si estendono intuitivamente in modi astratti che possono lasciare la folla della jam band confusa e senza indizi. Nessun battito di batteria funky, nessun motivo orecchiabile e ripetuto, nessun groove pulsante e ondeggiante a cui gli hippies possano aggrapparsi (con la possibile eccezione del rompicapo soul-jazz di Les McCann “Rise Up” o il numero sbarazzino, Ahmad Jamal-ish “Buster Rides Again”). Ma poi, la MMW non è così ansiosa in questi giorni di rotolare con tutto quel groove-jam bandwagon.
“Non lo so, mi sto solo muovendo in una direzione in avanti”, dice Martin, che sembra ignaro del fenomeno che ha seguito la scia della MMW. “Non sono a conoscenza di questa scena jam band e certamente non mi prendo il merito di tutte queste diverse band che si ispirano a noi. Sono davvero lusingato di sentire come questi musicisti siano ispirati da quello che facciamo. Ma sto solo facendo quello che sto facendo, sai? Sto solo andando avanti.”
E quello in cui Martin si sta muovendo con i suoi progetti solisti va totalmente controcorrente rispetto al groove. “Sto esplorando così tante cose ora”, dice con grande entusiasmo. “Sto scrivendo della musica per percussioni davvero diversa. Ho appena finito questo pezzo chiamato ‘Strijulations’, che è basato sul suono dei grilli. Fondamentalmente sono tutti questi ritmi diversi suonati da quattro a otto suonatori che creano questo paesaggio di modelli. È qualcosa che farò uscire sulla mia etichetta. Ho anche fatto un pezzo per grancassa e gong chiamato ‘Black Elk Speaks’. Tutta questa roba a cui sto lavorando ora è così lontana dalla scena delle jam band, e mi aiuta davvero a trovare un equilibrio. Perché non fraintendetemi, amo il groove. Amo far ballare la gente e mi piace la sensazione di suonare groove come quello con John e Chris. Quella scena è interessante. Ma ho bisogno di quest’altra musica improvvisata per bilanciare il tutto.”
Il bassista Chris Wood ha trasalito quando gli ho accennato che stavo lavorando a un pezzo sulla scena delle jam band che la MMW ha contribuito a creare. La nostra intervista è iniziata in modo incerto:
Mi piacerebbe avere un tuo commento su tutte queste giovani jam band che vi guardano come il modello per questa roba groove.
“Ohmigod!”
Bande dappertutto… Seattle, Tulsa, Montreal… tutti chiamano gli MMW i padrini della scena.
“Ora… quale scena?”
La scena delle jam band.
“Oh, giusto.”
Siete le icone, i veterani della scena.
“Ohmigod!”
E’ interessante che abbiate contribuito a creare un intero movimento senza esserne realmente consapevoli.
“E ancora non ne abbiamo idea. Siamo nel nostro mondo, credo.”
Intanto, il vostro nuovo disco non ha niente a che fare con tutta questa storia delle jam band.
“Niente di niente. Stiamo cercando di stare un passo avanti”
MMW ha in programma di fare concerti selezionati questa primavera per promuovere il Tonic, tutto acustico. Poi torneranno in studio per registrare la loro prossima fase di musica funky groove, che dovrebbe essere pubblicata entro la fine dell’autunno. Il ritmo continua e continua e continua…
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Pubblicato originariamente il 1 maggio 2000