Când termenul „Americana” a fost inclus în prestigiosul dicționar Merriam-Webster în 2011, directorul executiv al Americana Music Association, Jed Hilly, a glumit spunând că vor vinde tricouri cu acest cuvânt, împreună cu sloganul „Look it up!”. „Este încă un pic în afara radarului”, a adăugat Hilly, „pentru că nu suntem super comerciali.”
În următorii cinci ani, peisajul muzical a fost transformat pe măsură ce muzica Americana a devenit o proprietate fierbinte de bună credință. Discul Americana al lui Chris Stapleton, Traveller, a fost al șaptelea cel mai bine vândut album al anului 2016, vânzările ajungând la aproape un milion și jumătate de exemplare, plasându-l imediat după discurile megastarilor pop Adele, Beyoncé și Rihanna.
Merriam-Webster definește muzica Americana ca fiind „un gen de muzică americană care își are rădăcinile în muzica folk și country timpurie”. Panorama acestor rădăcini este largă, cuprinzând country și western, Appalachian, gospel, roots-rock, folk, bluegrass, R&B și blues. Trupele Americana sunt de obicei construite în jurul instrumentelor acustice, dar pot avea o formație electrică completă.
Muzicienii folk și gospel timpurii au modelat terenul pentru muzica country și Americana, dar unele dintre schițele moderne au venit de la mișcarea Western swing din anii 20 și 30 și de la talismanul acesteia, Bob Wills, a cărui muzică distinct texană a câștigat popularitate națională în anii 30. Melodia emblematică a lui Wills și a trupei sale Texas Playboys, „San Antonio Rose”, a fost preluată de sute de ori, de toată lumea, de la John Denver la Clint Eastwood. Wills a avut o influență directă asupra lui Willie Nelson și a ajutat la modelarea viziunii sale inclusive asupra muzicii.
Nelson i-a adus un omagiu filorus lui Wills și a recunoscut, de asemenea, o datorie mai mare față de unul dintre pionierii autentici ai muzicii: Hank Williams. Williams, care avea doar 29 de ani când a murit, la 1 ianuarie 1953, a împachetat atât de multe în scurta sa viață, inclusiv cele 29 de hituri pe care le-a înregistrat, cum ar fi „Hey, Good Lookin'”, „Why Don’t You Love Me?” și „Long Gone Lonesome Blues”. El a fost recunoscut ca o lumină călăuzitoare de către Smithsonian Institution în 1999, când primul său forum despre muzica country – A Tribute To Hank Williams – a onorat această icoană enigmatică și ceea ce a făcut pentru a crea bazele muzicii country moderne.
Ca mulți muzicieni de dinainte de război, Williams a învățat să cânte în corul unei biserici (din Alabama), iar muzica sa a sintetizat stilurile muzicale din mediul său din Deep South – Western swing, muzica montană din Appalachia, honky-tonk, country blues și muzică gospel. Dar talentul său remarcabil de a scrie cântece narative confesive și sfâșietoare, cum ar fi „Lovesick Blues”, a fost cel care l-a diferențiat ca un artizan al cântecului extrem de talentat.
Williams a fost unul dintre primii cântăreți-compozitori americani care a exprimat, în versuri directe și elegiace, emoțiile personale intense, visele și durerile de inimă ale oamenilor obișnuiți. Leonard Cohen i-a numit „sublimă” scriitura de cântece, iar Bob Dylan a spus: „Cântecele lui Hank au fost regulile arhetipale ale scriiturii poetice”. Lucrările lui Williams au fost preluate de artiști atât de diferiți precum Louis Armstrong, Elvis Presley și Al Green.
Williams a inspirat legiuni de muzicieni: legende country precum Johnny Cash, care a înregistrat un întreg album omagial pentru această icoană; cântăreți precum George Jones; forțe creative precum Gram Parsons; și chiar vedete rock moderne precum Beck, Keith Richards și Tom Petty. Când Ryan Adams și alte vedete country din anii ’80 și ’90 își găseau drumul, au apelat din nou la omul capabil să scrie o capodoperă precum „I’m So Lonesome I Could Cry”. Lucinda Williams a declarat: „Îl ascultam pe Hank de când mă știu. Muzica lui a fost una dintre primele muzici la care am fost expusă.”
Băutor înrăit și vorbind direct, Williams a fost probabil primul rebel al muzicii country, o trăsătură emulată de starurile country autoproclamate outlaw din anii ’70, care au adus o parte din atitudinea rebelă a muzicii punk în mainstream-ul country. Hank Williams a fost Americana cu 70 de ani înainte ca acest cuvânt să câștige uzul popular.
Muzica se schimbă atunci când genurile se ciocnesc, iar un alt om care a fost înaintea timpului său în a aduna laolaltă diferite filoane muzicale a fost Ingram Cecil Connor III, care și-a luat numele de scenă Gram Parsons. Născut în Florida, Parsons a fost un mare fan al lui Elvis Presley în copilărie și a format prima sa trupă, The Pacers, la liceul Bolles High School din Jacksonville la începutul anilor ’60. Colegul de clasă Luke Lewis, care a devenit ulterior președinte al Universal Music Nashville, a declarat că ascultarea albumului Modern Sounds In Country And Western Music din 1962 al lui Ray Charles – în sine un exemplu glorios de muzică americană timpurie – a avut o influență uriașă asupra celor doi. „A fost, probabil, prima dată când oricare dintre noi a avut o idee despre muzica country”, a spus Lewis, care a continuat să îi înregistreze pe Ryan Adams, Lucinda Williams și Johnny Cash.
Parsons a avut primul său impact real cu The Byrds, pentru care a scris eternul ‘Hickory Wind’. A jucat un rol esențial în albumul lor de referință Sweetheart Of The Rodeo, înainte de a pleca împreună cu Chris Hillman, în 1969, pentru a forma The Flying Burrito Brothers. The Flying Burrito Brothers, care cântau un amestec de muzică country tradițională și rock, au contribuit la crearea a ceea ce s-a numit „Cosmic American Music” cu primele lor două albume, The Gilded Palace Of Sin și Burrito Deluxe. „Cea mai mare moștenire lăsată de The Flying Burrito Brothers și Gram este că am fost trupa country alternativă. Nu puteam să ajungem la radiourile country și nici la cele rock. Am fost trupa outlaw country pentru o scurtă perioadă de timp”, a declarat Hillman.
The Flying Burrito Brothers au legat împreună country, rock’n’roll, R&B, folk și inflexiuni soul, iar Parsons a căpătat multă încredere creând ceva atât de puternic. La acea vreme, Parsons îmbrățișa cu entuziasm orice oportunitate de a se dezvolta din punct de vedere muzical. În vara anului 1971 s-a mutat în sudul Franței, unde a locuit pentru o scurtă perioadă la Villa Nellcôte ca oaspete al prietenului său Keith Richards, în perioada în care The Rolling Stones lucrau la albumul lor clasic Exile On Main St.
Parsons a cântat muzică country cu Richards și a învățat să își extindă propriile orizonturi; The Stones i-au lăsat pe Burritos să înregistreze piesa „Wild Horses” chiar înainte ca propria lor versiune să fi fost lansată. Mick Jagger și trupa au avut o influență puternică asupra deciziei lui Parsons de a deveni solist. „Am avut pur și simplu sentimentul că acest om era pe cale să iasă cu ceva remarcabil”, a spus Richards.
Albumele sale solo, GP și Grievous Angel, au fost într-adevăr remarcabile și au ajutat la lansarea carierei co-cântăreței Emmylou Harris. Aceasta a fost uimită de cunoștințele lui Parsons despre muzica country și a spus: „Învățam toate aceste cântece country. Eram ca și cum m-aș fi convertit religios. Nu mă mai săturam.”
Hillman crede că, cu melodii precum „Sweetheart Of The Rodeo”, Parsons „a deschis porțile” către country-rock, country alternativ și boom-ul american care a urmat. Parsons însuși credea că muzica era fie bună, fie rea și că nu trebuie să îți faci prea multe griji cu privire la „etichetarea și definirea” tipurilor de muzică. Moartea sa prematură, la 26 de ani, în 1973, a răpit lumii un muzician de pionierat, dar influența sa – în munca altor muzicieni și prin activitatea Fundației Gram Parsons – planează asupra muzicii americane care a venit în urma sa. Lucrările timpurii ale lui Ryan Adams sau ale lui Jeff Tweedy de la Wilco arată clar influența unor cântece precum „Sin City” și „One Hundred Years from Now”.
În același timp în care Parsons învăța despre Hank Williams, The Band – Robbie Robertson, Levon Helm, Garth Hudson, Richard Manuel și Rick Danko – își făceau dinții ca The Hawks. Au început ca trupă de acompaniament a cântărețului de rockabilly Ronnie Hawkins, dar în curând au început să își croiască propriul drum și să capete o importanță care ar fi fost greu de prezis pentru fanii timpurii ai trupei The Hawks. Robertson a declarat: „Ca The Band ne-am propus să cântăm muzica pe care am adunat-o în toată această experiență. Luam un pic de gospel de aici, un pic de muzică de munte de acolo, un pic de blues din Delta aici, un pic de blues din Chicago acolo.”
Turneul trupei The Band cu Bob Dylan din 1965-66 a fost unul dintre cele mai schimbătoare și mai infame turnee din istoria muzicii, deoarece a izbucnit o controversă legată de decizia lui Dylan de a lansa muzica folk în era electrică. The Band au fost fericiți să își întindă aripile muzicale și să își joace propriul rol în evoluția muzicii americane. Decenii mai târziu, Robertson a mărturisit: „Oamenii spuneau: „Sunteți americani”. Iar eu spuneam: ‘Noi suntem din Canada’. Suntem „NorthAmericana, poate…”” Încă nu sunt sigur că știu ce este.”
Marca lor de „North Americana” a implicat evocările pastorale subtile și emoționante ale unei trupe canadiene ale mitologiei sud-americane din sudul Americii în clasicele zilelor noastre, cum ar fi „Up On Cripple Creek”, „The Weight” și „The Night They Drove Old Dixie Down”.
The Band a avut abilitățile superlative de compozitor ale lui Robertson, vocea plină de suflet a lui Helm și dexteritatea muzicală a claviaturistului Hudson. Albumul lor de debut, Music From Big Pink, lansat în 1968, a împins alți muzicieni, printre care Eric Clapton și Grateful Dead, spre un sunet mai orientat spre rădăcini. Cu celebrul concert filmat de Martin Scorsese și supranumit The Last Waltz, trupa a susținut în mod strălucit artiști precum Van Morrison, Joni Mitchell, Muddy Waters și Neil Diamond, demonstrând că pot cânta orice cu oricine.
Când Clapton i-a ascultat pentru prima dată, la sfârșitul anilor ’60, a fost un punct de cotitură în dezamăgirea sa față de Cream. La fel cum The Band reacționase împotriva psihedeliei cu un sunet de întoarcere la rădăcini, Clapton a format Blind Faith ca o mișcare de reacție, înainte de a continua să exploreze Americana mai departe în activitatea sa cu Derek And The Dominos, care îl includea pe Duane Allman la chitara slide.
În 2017, Clapton a declarat pentru o audiență la Festivalul Internațional de Film de la Toronto: „Am primit un acetat cu Music From Big Pink în Anglia și m-a zguduit până în măduva oaselor. Eram în Cream la acea vreme, deja cu noțiunea că nu mergea în direcția corectă, și m-am gândit: „Ei bine, asta este ceea ce este. Știam cine este Robbie Robertson, dar nu mi-am dat seama că acela era grupul lor. Am crezut că au apărut pur și simplu. Credeam că sunt toți din Delta Mississippi… au fost niște eroi magnifici pentru mine. M-am dus să improvizez cu ei și mi-au spus: „Noi nu improvizăm, noi scriem cântece și le cântăm”. M-am gândit: „Doamne, băieții ăștia sunt foarte serioși.”
Roata s-a închis aproape complet în 1999, când Helm a înregistrat albumul live Ramble At the Ryman’ ca parte a Americana Music Festival And Conference, o recunoaștere a influenței sale asupra Americana și a modului în care The Band a inspirat direct muzicieni precum Ryan Adams, Lee Ann Womack, Rosanne Cash și The Allman Brothers Band.
Cum am văzut, icoanele Americana se întind până la părinții și mamele fondatoare ale muzicii country, titani precum Bob Wills, Hank Williams, Woody Guthrie și Patsy Cline. Dar în anii ’70 și ’80, un grup de granzi moderni au decis să-și creeze propria moștenire. Au existat indivizi talentați care își arau propriile terenuri – printre care Guy Clark, Glen Campbell, Don Williams, Dolly Parton, John Prine și Alan Jackson – dar cel mai apropiat lucru de un supergrup Americana a apărut în 1984. Willie Nelson, la acea vreme un veteran al scenei de compozitori din Nashville, care a izbutit să devină unul dintre cei mai distincți muzicieni ai epocii moderne, a devenit un catalizator al unei noi direcții în muzica country atunci când a ajutat la convingerea celorlalți mari cântăreți country Johnny Cash, Waylon Jennings și Kris Kristofferson să formeze o trupă împreună ca „haiduci”.
S-au autointitulat The Highwaymen (luându-și numele de la un cântec al lui Jimmy Webb) și au adus un omagiu eroilor din trecut cu preluări de cântece de Woody Guthrie și Hank Williams. The Highwaymen au fost frecvent numiți „Muntele Rushmore al muzicii country”, ceea ce a determinat-o pe Emmylou Harris să spună că „ei chiar trebuie să fie acolo sus, pe stânca cea mare, alături de președinți”. Influența lor a fost enormă, iar legăturile continuă: Chitaristul de oțel al The Highwaymen, Robby Turner, lucrează acum cu Chris Stapleton.
În perioada în care The Highwaymen au fost activi (1984-1995), o nouă formă de muzică americană a început să se dezvolte. La fel cum The Band reacționase la tendințele dominante ale muzicii populare transcendându-le cu propriile cântece și stiluri de interpretare, muzicienii care au ajuns să întruchipeze boom-ul alt.country dacă sfârșitul anilor ’80 și anii ’90 considerau că sfidează establishment-ul dominant al muzicii country. După cum a spus Lucinda Williams: „Cu siguranță nu mă simt parte din ceea ce eu numesc industria mai dreaptă a muzicii country din Nashville.”
Steve Earle, care a realizat un cvartet de albume strălucite între 1986 și 1990 (Guitar Town, Exit 0, Copperhead Road și The Hard Way) a fost un spirit înrudit cu Williams, și amândoi au făcut parte din ceea ce a devenit, de asemenea, cunoscut ca boom-ul „country insurgent” de la sfârșitul anilor ’80, alături de vedete în ascensiune precum Rodney Crowell și Del McCoury. Copperhead Road a fost albumul care l-a prezentat cu adevărat pe Earle unui public european în creștere. Piesa care dă titlul albumului este o narațiune grandioasă despre un moonshiner care își schimbă baza de produse pentru a cultiva ceva mai parfumat, și a demonstrat că scrisul de cântece al lui Earle avea puterea narativă a scriitorilor de stil vechi, precum Woody Guthrie, Lefty Frizzell și Hank Snow.
Earle a spus că, deși el și Lucinda Williams au fost supranumiți „noii haiduci”, esența a ceea ce făceau era să facă un alt tip de muzică, mai degrabă decât rebeliune socială. „Nu era vorba de drogurile pe care le luam și de problemele în care intram pe atunci”, a spus Earle, „era vorba de libertate artistică.”
Guitar Town a apărut în 1986, în același an în care au apărut pentru prima dată Kd Lang, Dwight Yoakam și Lyle Lovett, cu minunatul său album de debut autointitulat, la MCA. Lovett a spus: „În acea perioadă de timp au fost semnate o mulțime de lucruri la care nu te-ai gândi ca fiind o semnătură tradițională din Nashville. Vedeai oameni care aveau șansa de a face un disc, iar acesta este un lucru foarte mișto.”
Formația The Jayhawks, cu sediul în Minnesota, ale cărei armonii și sunet twang-rock au stabilit o parte din schița muzicii americane moderne, și-a lansat, de asemenea, albumul de debut în 1986 și a câștigat în curând un număr mare de fani în Europa. Când Ryan Adams a început să facă muzică americană cu trupa Whiskeytown, a declarat că și-a dat seama că există și alți oameni care erau „hip to Gram Parsons” și a citat The Jayhawks ca fiind o influență. Whiskeytown s-au format în 1994, în Carolina de Nord, și au realizat trei albume de studio înainte ca Adams să plece în 2000 pentru a-și lansa cariera solo și pentru a se îndrepta în atâtea direcții muzicale interesante.
Lucinda Williams a lansat câteva albume în anii ’80, dar, după o lungă perioadă de relativă obscuritate, a captat atenția lumii muzicale cu superbul album Car Wheels On A Gravel Road din 1998, primul ei disc care a devenit disc de aur. Albumul conține o serie de cântece cu povești hipnotizante și emoționante, care sună la fel de relevant în secolul XXI ca și în momentul în care au fost compuse. Williams, care a continuat să realizeze și alte albume excelente, precum Essence și Blessed, a declarat despre Car Wheels…: „Nu am vrut să fac din nou un album care să sune la fel. Încercam să obțin un anumit sunet vocal pe care simțeam că încă nu-l obținusem pe niciunul dintre albumele mele de până atunci.”
Nu este poate o coincidență faptul că Joni Mitchell a acordat un interviu în anul lansării albumului, în care a spus: „Nu este o coincidență că Joni Mitchell a dat un interviu în anul lansării albumului: „Obișnuiam să fiu monahală, aproape. Acum sunt ca un tibetan care a descoperit hamburgerii și televizorul. Mă pun la curent cu Americana.”
Williams face parte dintr-o moștenire fantastică de cântărețe și compozitoare americane care au scris unele dintre cele mai puternice versuri din muzica country modernă. Urmând tradiția unor mari cântărețe precum Kitty Wells, June Carter Cash, Dolly Parton, Loretta Lynn, Patsy Cline, Bonnie Raitt, Linda Ronstadt și Emmylou Harris, anii ’80 și ’90 au fost martorii ascensiunii unor formidabile artiste americane de sex feminin, printre care Reba McIntyre, Mary Chapin Carpenter, Julie Miller, Mary Gauthier și Abigail Washburn. Una dintre cele mai deosebite a fost Nanci Griffith, o poetă în cântec, la fel de încrezătoare în propriile compoziții ca și în interpretarea cuvintelor altor buni compozitori de Americana, precum Robert Earl Keen și Tom Russell.
Tendința pentru talentul feminin a continuat în anii ’90, când interprete inovatoare precum Gretchen Peters, Iris DeMent, Sheryl Crow, Rita Hosking, Dar Williams, Lee Ann Womack, Lori McKenna, Ani DiFranco și Gillian Welch au început să realizeze albume atât de grozave.
Unul dintre cei mai promițători compozitori care au apărut în această perioadă a fost Patty Griffin, care făcuse parte din scena folk locală din Boston până când a apărut pe radarul industriei cu remarcabilul ei debut A&M din 1996, Living With Ghosts. Griffin a continuat să realizeze albume puternice și pline de suflet, extinzându-se spre gospel cu albumul Downtown Church din 2011, premiat cu Grammy. Noi talente incitante, cum ar fi Sarah Jarosz, Aoife O’Donovan, Ruth Moody, Angeleena Presley, Maddie And Tae și cântăreața și compozitoarea Lady Antebellum, Hillary Scott, continuă să apară și să prospere.
Dar vechea gardă nu a fost lăsată în urmă. Dolly Parton a revenit la bluegrass cu câteva albume uimitoare la începutul secolului, iar albumul din 2004 al Lorettei Lynn, Van Lear Rose, a fost senzațional. Jack White, autorul muzical și creierul trupei The White Stripes, avea doar doi ani când Lynn înregistrase precedentul ei album, în 1977: un tribut adus lui Patsy Cline. Lynn și White au fost o pereche improbabilă, dar acesta din urmă a contribuit la aducerea muzicii lui Lynn la un nou public atunci când a produs revenirea aclamată a artistei de 72 de ani de atunci.
Van Lear Rose a reflectat alte fațete ale muzicii americane moderne – originalitatea și individualitatea sa. Muzica poate cuprinde totul, de la spiritul mușcător al lui Lyle Lovett la baladele rock ale lui Drive-By Truckers, observația socială a lui James McMurty, Danny Schmidt, Todd Snider și Jason Isbell, până la cântecele emoționante și emoționante ale lui Billy Joe Shaver, Dierks Bentley, Chris Stapleton, Sturgill Simpson și Amos Lee, precum și talente mai puțin cunoscute precum Robby Hecht și Richard Shindell.
Este greu de spus cu exactitate cine au fost inspiratorii și creatorii muzicii Americana, atât de bogată este moștenirea sa diversă, dar nu ar fi exagerat să spunem că Americana trece prin trupe atât de diverse precum Grateful Dead și Los Lobos. Neil Young, împreună cu Crosby, Stills And Nash, nu sunt etichetați imediat ca fiind o trupă Americana, dar cu siguranță au ajutat la împingerea popularității rock-ului modern bazat pe rădăcini.
În plus, originile Americana zigzaghează prin statele națiunii, de la deșerturile sudice din „Willin”” a lui Little Feat la Delta Mississippi din „Dixie Chicken”. O reflectare a rădăcinilor sale este arătată de modul în care Americana Music Trail oferă turiștilor o experiență care cuprinde totul, de la centrul Muscle Shoals din Alabama până la barurile de muzică country din Nashville și localurile de jazz din New Orleans.
Câteodată, un artist sufletist care nu este country poate surprinde muzica Americana prin interpretarea sa a unui mare cântec. Pe albumul ei de la Blue Note Records Feels Like Home, Norah Jones îl face mândru pe Townes Van Zandt cu o versiune frumoasă a cântecului său „Be Here To Love Me”. Megastarul Grammy Alison Krauss are un ochi extrem de iscusit pentru a selecta cele mai bune compoziții americane moderne. Krauss a preluat cântece ale unor artiști atât de diferiți precum Willie Nelson, Richard Thompson, Shawn Colvin, Sidney Cox, Mindy Smith, James Taylor, Tim O’Brien, Jackson Browne și Tom Waits – iar vocea ei incomparabilă poate aduce ceva nou chiar și unui cântec clasic al lui Woody Guthrie.
Krauss a fost, de asemenea, parte integrantă a triumfătorului album al coloanei sonore O Brother, Where Art Thou? produs de T Bone Burnett pentru frații Coen. Dan Tyminski, membru al trupei lui Krauss, a creat un clasic modern cu versiunea sa a piesei „Man Of Constant Sorrow”, pe un album în care legenda bluegrass Ralph Stanley cântă o versiune obsedantă a piesei „O Death”. Stanley a oferit muzica americană în forma sa cea mai crudă și mai puternică, ca o voce venită direct din secolele trecute.
Gillian Welch’s Revival, produs tot de Burnett, a exploatat moștenirea americană. Revival a fost înregistrat în Nashville la Woodland Sound, care își datora locul pe harta muzicală unor albume din anii ’70 precum Will The Circle Be Unbroken al trupei The Nitty Gritty Dirt Band. Burnett chiar a exersat înregistrarea vocii lui Welch pe un aparat Wollensak vechi, de tipul celui folosit cândva de Hank Williams. Welch, un artist autentic Americana, a făcut multe pentru a menține o eră trecută de muzică proaspătă și relevantă.
Burnett, de altfel, crede că era modernă a muzicii digitale a ajutat muzica Americana să progreseze, deoarece permite fanilor să acceseze muzica sursă originală pentru unele dintre versiunile contemporane ale cântecelor. El a spus: „Publicul modern, pentru că are atât de multe din care să se inspire, este mult mai priceput decât i se atribuie… iar cu muzica veche, o poți reinventa în orice moment.”
Cei mai buni muzicieni tineri încearcă atât să onoreze, cât și să reinventeze muzica eroilor lor. Kacey Musgraves, al cărei album Same Trailer Different Park a avut un succes fulminant în 2013, spune că „punctul ei ideal de intersecție al muzicii” este The Beach Boys, Lee Ann Womack și John Prine.
Texasianii de la Midland, al căror album de debut, On The Rocks, a fost lansat în septembrie 2017, au fost salutați de Billboard pentru că au adus un sunet contemporan „George Strait 1980s new traditionalist” în era modernă. Midland, precum și talentații The Cadillac Three, poate că nu sunt strict americane, dar ambele aduc același tip de caracteristici americane – prospețime și empatie – în muzica country. The Cadillac Three au fost produși de Dave Cobb, extrem de talentatul Dave Cobb, care a lucrat foarte bine cu Chris Stapleton, Lindi Ortega, Colter Wall, Brandi Carlile, Jason Isbell și Amanda Shires.
Este clar că Americana merge din ce în ce mai bine. Creșterea serviciilor de streaming, cum ar fi Spotify, înseamnă că genul are accesibilitate și vizibilitate mainstream, chiar dacă nu este difuzat pe posturile de radio tradiționale de muzică country. La aceasta se adaugă o serie de festivaluri care au apărut pentru a însoți festivalul anual AmericanaFest din Nashville, care va sărbători al 19-lea an în septembrie 2018. Printre noii veniți se numără The Long Road. Prezentându-se ca un festival „country, Americana și roots”, acesta se lansează în Marea Britanie în aceeași lună. Festivalurile au devenit esențiale pentru evoluția noilor talente.
Din 2010, Americana a fost o categorie recunoscută de Recording Academy. Levon Helm a fost primul câștigător al unui Americana Grammy (revendicând încă unul în 2012), iar premiul a fost câștigat de două ori și de Jason Isbell. Mavis Staples to, Bonnie Raitt, Emmylou Harris, Rodney Crowell și Rosanne Cash au fost, de asemenea, câștigători. Natura atotcuprinzătoare a Americana a fost demonstrată prin victoria din 2016 a legendei Stax Records, William Bell. Robert Plant, fostul lider al trupei Led Zeppelin, care a înregistrat atât cu Alison Krauss, cât și cu Patty Griffin, a declarat că „nu există limite în ceea ce privește unde poate ajunge Americana”.
Natura multiplă a Americana va continua pe măsură ce se răspândește pe toate continentele. Atunci când Americana a fost răsplătită cu o listă de albume dedicată de către Official Charts Company din Marea Britanie, în Top 10 s-au aflat Ryan Adams, Lucinda Williams și duo-ul suedez First Aid Kit. În prezent, există asociații de muzică americană în Marea Britanie și în Australia – o
o situație foarte diferită de cea din 1999, când un grup de DJ de la radio, angajați ai unor case de discuri și jurnaliști muzicali s-au întâlnit în mod informal la conferința industriei muzicale South By Southwest din Austin, Texas, pentru a discuta despre cum ar putea promova muzica pe care o îndrăgeau și au decis să formeze o organizație.
Jimmie Fadden, de la The Nitty Gritty Dirt Band, este citat în cartea The Americana Revolution, spunând că „Americana a fost o încercare de a grupa o mulțime de forme inexplicabile de muzică de rădăcini într-un mod care să poată fi încapsulat, prezentat unui public, înțelegând că are un nume”.
Numele este acum semnificativ. Muzica americană este progresivă și de ultimă oră, fiind unul dintre cele mai bine vândute genuri muzicale pentru albume – depășind R&B, hip-hop și dance în 2016, potrivit Billboard – și fiind aclamată de nume grele ale culturii. Romanciera Ann Patchett, câștigătoare a premiului PEN/Faulkner, a declarat recent pentru The New York Times că Americana este „cea mai cool scenă muzicală din ziua de azi”.
New Americana va continua, în cuvintele lui Hank Williams, să „arate oamenilor un dans nou”, dar, orice ar veni, muzicienii vor avea întotdeauna o istorie prețioasă la care să apeleze. Cineva care încapsulează acest lucru este remarcabilul Ry Cooder, care se poate spune că face muzică americană strălucitoare de mai bine de o jumătate de secol. Ultimul album al lui Cooder, „The Prodigal Son” (apărut la Fantasy Records) conține un cover al piesei lui Stanley Carter „Harbour Of Love”, o piesă cântată pentru prima dată în anii ’50 pentru Mercury Records. „Există un fel de stare de reverență care se instalează atunci când cânți și interpretezi aceste cântece”, a spus el.
Această reverență și entuziasm este motivul pentru care muzica americană de rădăcini va continua să înflorească.
Căutați mai mult? Descoperiți Cele mai bune 10 albume Americana din toate timpurile.
.