Structura poveștii pentru narațiunea de scurtmetraj
„Aceste creaturi sunt printre noi, deși din punct de vedere morfologic nu se deosebesc de noi; nu trebuie să presupunem o diferență de esență, ci o diferență de comportament.” – Phillip K. Dick
Structura povestirii pentru scurtmetraj este un punct dificil în ceea ce privește educația. În special, trei acte în 10/15 pagini pot fi extrem de greu de băgat acolo atunci când scrii pe baza unei idei solide pe care o poți avea.
Hobiceiurile noastre de programare a festivalurilor au început să demonstreze inconștient, de fiecare dată, selecție oficială cu selecție oficială, că o lucrare demnă de premiu – zece din zece – trebuie să urmeze aceste reguli simple, pentru a trage implicarea publicului de la început până la sfârșit.
Mulțumim că ne citiți postările. Dacă veți fi vreodată în poziția de a vă trimite lucrarea la oricare dintre festivalurile noastre de film cu sediul în întreaga lume, am fi mai mult decât bucuroși să acordăm reduceri ca mulțumire pentru că v-ați implicat direct cu noi. Pur și simplu trimiteți-ne un e-mail la adresa – spuneți-ne la ce festival(e) ați dori să trimiteți și vă vom trimite codurile de reducere… Noroc!
Iată ce am observat…
- Super-obiectivul scurtmetrajului este orientat către public.
- Se respectă cele patru reguli ale lui Lift-Off pentru realizarea filmelor de scurt metraj.
- Se respectă structura simplă în trei acte și aderă la principiul punctului fără întoarcere (și cu epilog, poate).
Curtele tale sunt super obiective.
Întotdeauna urmărești ca publicul să…
- Să fie atent încă de la început.
- Să se implice în narațiune până la sfârșit.
- Puneți o întrebare despre lucrare.
- Întoarceți această întrebare asupra lor înșiși.
- Să se simtă schimbat după ce a experimentat narațiunea – într-un anumit fel.
Regula 1. Începeți imediat.
Titlurile de titlu au un loc ciudat în cadrul unui scurtmetraj. Publicul nu are nevoie să știe numele nimănui, cine este regizorul sau, în unele cazuri extreme, care este numele filmului. Este o pierdere de timp pe ecran, iar în multe filme în care genericul durează 3, poate chiar 4 minute : publicul se dezinteresează, începe să vorbească între el, se îndepărtează de la intenția inițială de a viziona lucrarea. Greșeala este ușor de făcut pentru că, uneori, realizatorul de scurtmetraje vrea să reproducă începutul lungmetrajului său preferat, dar nu funcționează. Nu sunt cu adevărat multe ocazii în care este acceptabil să existe titluri (sau credite) lungi – așa că evitați-le.
Regula 2. Respectați configurația.
Primul act al poveștii dumneavoastră ar putea începe și se poate termina pe prima pagină, în primul minut, fără niciun dialog. Trebuie să cunoaștem esența dramei, asta este ceea ce face ca publicul festivalurilor de film să se așeze înainte.
Filmul și scena se deschid imediat în spatele capului unui bărbat care merge cu hotărâre, purtând pe cap ceea ce pare a fi o pălărie neagră de lână…
…Bărbatul intră într-un bar aglomerat, o formație cântă, se aud voci irlandeze și clinchete de pahare de bere, bărbatul își trage o cagulă neagră pe față. Toată lumea din bar se întoarce să se uite la el. Formația se oprește din cântat. Camera se mișcă și face zoom PoV de la bărbat spre toboșarul din trupă…
Tamburist
„Fuck”
Este un set-up destul de decent pentru un scurtmetraj. Direct înăuntru, fără bs (asta va veni mai târziu), fără dialog până la punctul de rupere absolut… Publicul este implicat? Da.
Regula 3. Introduceți scenele și începeți dialogul la punctele de rupere.
Când concepeți/scrieți și veniți cu scene în cadrul operei dumneavoastră, încercați să păstrați dialogul narativ cât mai mic posibil. Personajele nu trebuie să vorbească, să spună publicului cine este cine, să explice punctele complicate ale complotului sau să se bâlbâie pe nimic. Ele nu trebuie să spună nimic până când nu este vital să vorbească pe baza acțiunii și a dramei care le înconjoară.
Aceasta este o metodă veche care funcționează bine, arată mai mult, spune mai puțin.
„Sunt obosit” nu este nici pe departe la fel de dramatic ca și cum ai vedea un personaj aproape că adoarme sau căscăie – noi empatizăm cu fizicalitatea sentimentului, așa că arată sentimentul, nu-l spune și publicul va răspunde – probabil că va căsca la rândul său – dar acesta este un căscat bun.
Intrarea în scenă târziu și plecarea prea devreme sunt obiceiuri de scris foarte bune pentru a deveni. Oamenii (publicul tău și publicul nostru) au o imaginație foarte bună. Syd Field dă un exemplu foarte bun în omagiul său la China Town din cartea „Screenwriting”, unde o scenă se deschide cu Jack Nicholson și un personaj feminin în baie. Jack a fost implicat într-o bătaie, buza lui este tăiată, ea îi șterge sângele de pe ea, el se uită la ea, iar scena se încheie. Următoarea scenă este cu ei stând în pat și fumând. Aceasta este cea mai bună formă de povestire economică, iar atunci când timpul este limitat, avem o mare oportunitate de a oferi publicului scena de sex pentru ca el însuși să o rezolve în mintea sa. Sunt convins că dacă nu am fi avut scena de sex și acel fel de rave irelevant din Matrix 2, prezentat în mod bizar în primul act, filmul ar fi fost mai bun cu două stele. Poate.
Cel de-al doilea Matrix a fost groaznic pentru că – 100% – a tratat cu condescendență publicul – iar scena de sex arăta de parcă cel care a scris-o, sau a regizat-o, sau a improvizat-o, sau a montat-o – nu mai făcuse niciodată sex înainte.
De ce să ne asumăm riscul cu asta, sau cu multe alte elemente esențiale non-narative?
Regula 4. Eliminați toate elementele esențiale non-narative.
De ce am văzut lupta? De ce a durat 5 minute? Cine este tipul acela de pe barcă? Nu-mi pasă cine a câștigat jocul de poker!
Acestea sunt elementele de feedback ocazional pe care le primim înapoi de la un judecător la altul, de la un film la altul. Scene de bătaie, scene de sex, jocuri de poker irelevante… lista poate continua la nesfârșit. Este spațiu mort, iar publicul poate inventa ceva mai măreț și mai personal în propriile minți – ceea ce face instantaneu ca filmul tău să nu mai fie atât de respingător și să fie mult mai captivant. Veți descoperi că „filmul ieftin” este dat la lucrările în care cineastul încearcă să ne bage totul pe gât.
Este entuziast, da, dar entuziasmul nu contează nimic în fața puterii pure a unui povestitor disciplinat.
Nu avem nevoie să vedem rechinul până la sfârșit, un scenarist lipsit de disciplină ar fi avut acel afurisit de rechin în fiecare cadru.
Structura în trei acte a scurtmetrajului și punctul de neîntoarcere.
Actele din scurtmetraje, care funcționează, tind să fie în număr de trei și nu sunt, neapărat, spațiate uniform.
Actul 1. Configurația.
Ca și în cazul regulii 2, configurația poate fi tăcută, arătată, nu se aude și pare să funcționeze foarte bine dacă ne uităm la majoritatea filmelor pe care le proiectăm, juriul și comisia noastră de selecție par să o prefere așa. În forma sa cea mai simplă, configurația este practic…
Cine este acesta? Unde ne aflăm? Ce se întâmplă?
Dezvoltarea economică ajută cu adevărat publicul să stea liniștit și să urmărească lucrarea ta.
Un prolog nu este neapărat esențial, dar ajută la furnizarea unui cârlig. Gândiți-vă la prologul de deschidere din Războiul Stelelor, acel flux de scris albastru, dacă îl citiți, ați intrat. Prologurile ajută la construirea lumii, așa că acest lucru funcționează foarte bine în cadrul genurilor science fiction și fantasy, de exemplu, doar pentru ca oamenii să fie relativ la curent cu lumea și cu conținutul dramatic și tehnologic al mediilor.
Actul 2. Protagoniștii intră într-un punct de neîntoarcere.
Acesta este cel mai bine descris de regretatul mare Dan O’Bannon, scenaristul filmului Alien și contributorul la călătoria nefericită, dar fascinantă a „Dunei lui Jodorowsky”.
Un punct de neîntoarcere este momentul în care vedem cum personajul face câteva alegeri care, în cele din urmă, îl duc atât de adânc în dramă încât pur și simplu nu mai există cale de întoarcere. Ei trebuie să se ocupe de problemă sau să se confrunte cu circumstanțe nefaste, consecințe, situații de rahat și greutăți finale.
Mulți regizori reușesc instinctiv acest lucru, noi, ca specie, spunem povești de mii de ani, la fel ca și mersul pe jos, povestitul este în ADN-ul nostru, este instinctiv – de aceea punctul de neîntoarcere ne oferă tuturor, ca scriitori, acest mare moment în care dăm drumul la viteză și începem să scriem ca niște oameni posedați, posedați de mii de ani de oameni și femei din peșteri care le povestesc nepoților lor despre vânătoarea de mamuți în întregime și despre faptul că dețin un animal de companie tigru cu dinți de sabie… care a mers prost.
Unde tinde să eșueze este la miza dramei. Un tip renegat care livrează lapte decide să devină vegan. Nu este nici pe departe la fel de interesant ca tipul renegat care livrează laptele decide să elibereze toate vacile din toate fermele de lactate din Dorking, punctul de neîntoarcere ar fi momentul în care el dă drumul la prima vacă în libertate. Ridicați miza.
Actul 3. Rezoluție sau deznodământ.
Simplu, încheie-ți filmul. Ușor de scris, dar, Doamne, greu de făcut. Cum naiba să închei? Să ajungi la o rezoluție poate fi greu. Antagonistul are ultimul cuvânt? Protagonistul scapă? Sau încheiem cu un final complet deschis?
În orice caz, publicul tău vrea să se simtă schimbat urmărindu-ți opera, așa că oferă-le ceva aici. Poate că tipul care livrează laptele este alungat din oraș de o grămadă de tauri în călduri – la propriu – care sunt supărați de faptul că toate vacile au plecat? Cine știe.
Ceva trebuie să fie dat aici ca o tăietură curată a poveștii, o felie perfectă care să marcheze sfârșitul fabulei.
Dacă ești blocat cu un final…
O modalitate excelentă de a rezolva problemele legate de final ar fi să pui trei persoane să-ți citească scenariul. Trei dintre cele mai oneste persoane pe care le cunoașteți. Pune-i să îl citească până la sfârșitul actului doi și apoi întreabă-i cum vor să se termine. Poate dați-le o ceașcă de cafea tare înainte de a se apuca de el, astfel încât să obțineți un răspuns puternic și entuziast. Oricare ar fi răspunsul pe care vi-l dau cei trei, reflectați asupra informației timp de câteva zile, apoi întoarceți-vă la tastatură și terminați actul al treilea.
Poate aveți un epilog…poate…poate.
Dacă simțiți că a fost greu pentru ei. În special bun în filmele de acțiune, am văzut acest lucru folosit doar de câteva ori în scurtmetraje, dar funcționează bine, atunci când publicul tău a fost într-o mică călătorie mentală.
O reflecție a acțiunii, un fel de bine, asta a fost asta și acum este asta și totul este bine, un fel de lucru.
Cel mai bun epilog într-un film de lungmetraj la care mă pot gândi, încă lasă mult de dorit, este în Blade Runner. Scena finală care spune practic, am ajuns cu toții să fim bine, iată-ne într-o mașină conducând în soare. Poate că nu este cel mai bun epilog, de fapt, sper că înțelegeți unde vreau să ajung cu asta. „Nu am mai văzut niciodată vacile alea, dar știam că sunt libere și oricum cui îi pasă de Dorking, orașul ăla e plin de rahat acum”.
Succes cu următorul proiect!!!