När termen ”Americana” inkluderades i den prestigefyllda Merriam-Webster-ordboken 2011 skämtade Jed Hilly, verkställande direktör för Americana Music Association, om att de skulle sälja T-shirts med ordet på, tillsammans med texten ”Look it up!”. ”Det är fortfarande lite utanför radarn”, tillade Hilly, ”eftersom vi inte är superkommersiella.”
Under de följande fem åren förändrades det musikaliska landskapet när americana-musiken blev ett verkligt hett ämne. Chris Stapletons americana-skiva Traveller var det sjunde mest sålda albumet 2016, med en försäljning på nästan en och en halv miljon exemplar, vilket placerar den strax efter skivor av popmegastjärnorna Adele, Beyoncé och Rihanna.
Merriam-Webster definierar americana-musik som ”en genre av amerikansk musik som har sina rötter i den tidiga folk- och countrymusiken”. Dessa rötter har ett brett panorama och omfattar country och western, appalacher, gospel, roots-rock, folkmusik, bluegrass, R&B och blues. Americana-band är vanligtvis uppbyggda kring akustiska instrument, men kan ha ett helt elektriskt band.
Främre folk- och gospelmusiker formade marken för country- och americana-musiken, men några av de moderna blåkopiorna kom från Western swing-rörelsen på 20- och 30-talen och dess talisman, Bob Wills, vars utpräglat texanska musik vann nationell popularitet på 30-talet. Wills och hans Texas Playboys signaturmelodi, ”San Antonio Rose”, har tolkats hundratals gånger av alla från John Denver till Clint Eastwood. Wills hade ett direkt inflytande på Willie Nelson och bidrog till att forma hans inkluderande syn på musik.
Nelson har gett en omfattande hyllning till Wills och även erkänt en större skuld till en av musikens genuina pionjärer: Hank Williams. Williams, som bara var 29 år gammal när han dog den 1 januari 1953, hade så mycket att göra i sitt korta liv, inklusive de 29 hits han spelade in, som ”Hey, Good Lookin'”, ”Why Don’t You Love Me?” och ”Long Gone Lonesome Blues”. Han erkändes som en ledstjärna av Smithsonian Institution 1999, när deras första forum om countrymusik – A Tribute To Hank Williams – hedrade denna gåtfulla ikon och vad han hade gjort för att skapa grunderna för den moderna countrymusiken.
Likt många förkrigsmusiker lärde sig Williams att sjunga i en kyrkokör (i Alabama), och i sin musik syntetiserade han de musikaliska stilar som hörde hemma i hans omgivning i den djupa södern – western swing, bergsmusik från Appalacherna, honky-tonk, countryblues och gospelmusik. Men det var hans anmärkningsvärda talang för att skriva hjärtskärande bekännelsefulla berättande sånger, som ”Lovesick Blues”, som utmärkte honom som en ytterst begåvad sångkonstnär.
Williams var en av de första amerikanska singer-songwriters som i direkta och elegiska texter uttryckte de intensiva personliga känslorna, drömmarna och hjärtesorgerna, hos vanligt folk. Leonard Cohen kallade hans låtskrivande för ”sublimt”, och Bob Dylan sade: ”Hanks sånger var arketypiska regler för poetiskt låtskrivande”. Williams verk har blivit omskrivet av så olika artister som Louis Armstrong, Elvis Presley och Al Green.
Williams har inspirerat legioner av musiker: countrylegender som Johnny Cash, som spelade in ett helt hyllningsalbum till ikonen; sångare som George Jones; kreativa krafter som Gram Parsons; och till och med moderna rockstjärnor som Beck, Keith Richards och Tom Petty. När Ryan Adams och hans kolleger på 80- och 90-talen hittade sin väg vände de sig återigen till mannen som kunde skriva ett mästerverk som ”I’m So Lonesome I Could Cry”. Lucinda Williams sa: ”Jag har lyssnat på Hank så långt tillbaka som jag kan minnas. Hans musik var något av det första jag fick höra.”
Hårddrinkande och rakryggad var Williams kanske countrymusikens första rebell, ett drag som efterliknades av de självutnämnda outlaw countrystjärnorna på 70-talet som förde in en del av punkmusikens rebelliska attityd i countrymusikens mainstream. Hank Williams var americana 70 år innan ordet blev populärt.
Musik förändras när genrer kolliderar, och en annan man som var före sin tid när det gällde att föra samman olika musikstråk var Ingram Cecil Connor III, som tog artistnamnet Gram Parsons. Parsons, som är född i Florida, var ett stort Elvis Presley-fan som barn och bildade sitt första band, The Pacers, på Jacksonville’s Bolles High School i början av 60-talet. Medstudenten Luke Lewis, som senare blev ordförande för Universal Music Nashville, berättade att de båda fick stort inflytande när de hörde Ray Charles album Modern Sounds In Country And Western Music från 1962 – som i sig självt är ett strålande tidigt exempel på americana-musik – och att det hade en stor inverkan på dem båda. ”Det var förmodligen första gången någon av oss hade en aning om countrymusik”, säger Lewis, som senare spelade in Ryan Adams, Lucinda Williams och Johnny Cash.
Parsons fick sitt första riktiga genomslag med The Byrds, för vilka han skrev den tidlösa ”Hickory Wind”. Han spelade en central roll i deras banbrytande album Sweetheart Of The Rodeo, innan han 1969 lämnade dem tillsammans med Chris Hillman för att bilda The Flying Burrito Brothers. Flying Burrito Brothers, som spelade en blandning av traditionell countrymusik och rock, bidrog till att skapa något som kallades ”Cosmic American Music” med sina två första album, The Gilded Palace Of Sin och Burrito Deluxe. ”Det största arvet från The Flying Burrito Brothers och Gram är att vi var det alternativa countrybandet. Vi kunde inte komma in på countryradion och vi kunde inte komma in på rockradion. Vi var outlaw countrybandet under en kort period”, säger Hillman.
The Flying Burrito Brothers knöt ihop country, rock’n’roll, R&B, folk och soulinfluenser, och Parsons fick mycket självförtroende av att skapa något så potent. Vid den här tiden tog Parsons ivrigt emot varje möjlighet att växa musikaliskt. Sommaren 1971 flyttade han till södra Frankrike, där han under en kort period bodde på Villa Nellcôte som gäst hos sin vän Keith Richards, under den period då The Rolling Stones arbetade med sitt klassiska album Exile On Main St.
Parsons spelade countrymusik med Richards och lärde sig att vidga sina egna horisonter; Stones lät Burritos spela in låten ”Wild Horses” redan innan deras egen version hade släppts. Mick Jagger och bandet hade ett starkt inflytande på Parsons beslut att gå solo. ”Jag hade bara en känsla av att den här mannen var på väg att komma ut med något anmärkningsvärt”, sa Richards.
Hans soloalbum, GP och Grievous Angel, var verkligen anmärkningsvärda och hjälpte till att lansera karriären för medsångerskan Emmylou Harris. Hon var förvånad över Parsons kunskaper i countrymusik och sade: ”Jag lärde mig alla dessa countrylåtar. Jag var som en religiös konvertit. Jag kunde inte få nog.”
Hillman anser att Parsons med låtar som ”Sweetheart Of The Rodeo” ”öppnade slussarna” till den countryrock, alternativa country och americana-boomen som följde. Parsons själv ansåg att musik var antingen bra eller dålig och att man inte behövde oroa sig för mycket för att ”etikettera och definiera” typer av musik. Hans för tidiga död vid 26 års ålder 1973 berövade världen en banbrytande musiker, men hans inflytande – i andra musikers arbete och genom Gram Parsons Foundations arbete – svävar över den americana-musik som kom i hans kölvatten. Ryan Adams’ eller Wilcos Jeff Tweedys tidiga verk visar tydligt på inflytandet från låtar som ”Sin City” och ”One Hundred Years from Now”.
Samma tid som Parsons lärde sig om Hank Williams höll The Band – Robbie Robertson, Levon Helm, Garth Hudson, Richard Manuel och Rick Danko – på att sätta sina tänder som The Hawks. De började som bakgrundsband till rockabilly-sångaren Ronnie Hawkins men började snart skapa sin egen väg och fick en betydelse som skulle ha varit svår att förutse för de tidiga fansen av The Hawks. Robertson sade: ”Som The Band satte vi oss för att spela den musik som vi hade samlat på oss under alla dessa erfarenheter. Vi tog lite gospel härifrån, lite bergsmusik därifrån, lite deltablues här, lite Chicagoblues där.”
The Bands turné 1965-66 med Bob Dylan var en av de mest omvälvande och ökända turnéerna i musikhistorien, då kontroverser utbröt om Dylans beslut att lansera folkmusiken i den elektriska tidsåldern. The Band var glada över att sprida sina musikaliska vingar och spela sin egen roll i den amerikanska musikens utveckling. Decennier senare erkände Robertson: ”Folk sa: ’Ni är Americana’. Och jag sa: ’Vi är från Kanada. Vi är ”NorthAmericana, kanske…” Jag är fortfarande inte säker på att jag vet vad det är.”
Ditt märke av ”North Americana” innebar ett kanadensiskt bands subtila och gripande pastorala frammaningar av sydamerikansk mytologi i moderna klassiker som ”Up On Cripple Creek”, ”The Weight” och ”The Night They Drove Old Dixie Down”.
The Band hade Robertsons suveräna låtskrivarförmåga, Helms själfulla röst och keyboardisten Hudsons musikaliska skicklighet. Deras debutalbum Music From Big Pink, som släpptes 1968, pushade andra musiker, däribland Eric Clapton och Grateful Dead, till ett mer rootsorienterat sound. Med den berömda konserten som filmades av Martin Scorsese och dubbades The Last Waltz, stödde bandet på ett briljant sätt artister som Van Morrison, Joni Mitchell, Muddy Waters och Neil Diamond och visade att de kunde spela vad som helst med vem som helst.
När Clapton hörde dem för första gången, i slutet av 60-talet, var det en vändpunkt i hans besvikelse över Cream. Precis som The Band hade reagerat mot psykedelia med ett sound som gick tillbaka till rötterna, bildade Clapton Blind Faith som en motreaktion, innan han fortsatte att utforska americana ytterligare i sitt arbete med Derek And The Dominos, som inkluderade Duane Allman på slidegitarr.
År 2017 berättade Clapton för en publik på Toronto International Film Festival: ”Jag fick en acetat av Music From Big Pink i England och den skakade om mig i grunden. Jag var med i Cream på den tiden och hade redan en föreställning om att det inte gick åt rätt håll, och jag tänkte: Ja, det här är vad det är. Jag visste vem Robbie Robertson var men jag visste inte att det var deras grupp. Jag trodde att de bara dök upp. Jag trodde att de alla var från Mississippideltat… De var magnifika hjältar för mig. Jag gick upp för att jamma med dem och de sa: ”Vi jammar inte, vi skriver låtar och spelar låtarna”. Jag tänkte: ”Herregud, de här killarna är verkligen seriösa.”
Hjulet gick nästan runt 1999, när Helm spelade in livealbumet Ramble At the Ryman’ som en del av Americana Music Festival And Conference, ett erkännande av hans inflytande på americana och det sätt på vilket The Band direkt hade inspirerat musiker som Ryan Adams, Lee Ann Womack, Rosanne Cash och The Allman Brothers Band.
Som vi har sett sträcker sig Americana-ikoner tillbaka till countrymusikens grundare och mödrar, titaner som Bob Wills, Hank Williams, Woody Guthrie och Patsy Cline. Men på 70- och 80-talet bestämde sig en grupp moderna storheter för att skapa sitt eget arv. Det fanns begåvade individer som plöjde sina egna fält – däribland Guy Clark, Glen Campbell, Don Williams, Dolly Parton, John Prine och Alan Jackson – men det närmaste man kunde komma en Americana-supergrupp kom 1984. Willie Nelson, som då var en veteran på Nashvilles låtskrivarscen och som hade slagit igenom och blivit en av de mest särpräglade musikerna i modern tid, blev en katalysator för en ny inriktning inom countrymusiken när han hjälpte till att övertala andra countrystjärnor som Johnny Cash, Waylon Jennings och Kris Kristofferson att gå samman i ett band som ”outlaws”.
De kallade sig själva för The Highwaymen (namnet kom från en Jimmy Webb-låt) och hyllade tidigare hjältar med covers av låtar av Woody Guthrie och Hank Williams. The Highwaymen kallades ofta för ”countrymusikens Mount Rushmore”, vilket fick Emmylou Harris att säga ”de måste faktiskt vara där uppe på den stora klippan med presidenterna”. Deras inflytande var enormt och kopplingarna fortsätter: The Highwaymen’s steel guitarist, Robby Turner, arbetar nu med Chris Stapleton.
Under den period då The Highwaymen var aktiva (1984-1995) började en ny form av americana-musik att växa fram. Precis som The Band hade reagerat på rådande trender inom populärmusiken genom att överskrida dem med sina egna låtar och sin egen stil att uppträda, ansåg sig de musiker som kom att förkroppsliga alt.country-boomen om det sena 80- och 90-talet utmana det rådande etablissemanget inom countrymusiken. Som Lucinda Williams uttryckte det: ”Steve Earle, som gjorde en kvartett lysande album mellan 1986 och 1990 (Guitar Town, Exit 0, Copperhead Road och The Hard Way), var en likasinnad själ som Williams, och båda var en del av det som också blev känt som den ”upproriska country”-boomen i slutet av 80-talet, tillsammans med stigande stjärnor som Rodney Crowell och Del McCoury. Copperhead Road var det album som verkligen introducerade Earle för en växande europeisk publik. Titelspåret är en storslagen berättelse om en moonshiner som ändrar sin produktbas för att odla något mer väldoftande, och visade att Earles låtskrivande hade den berättande kraften hos författare i gammal stil som Woody Guthrie, Lefty Frizzell och Hank Snow.
Earle sa att även om han och Lucinda Williams kallades ”de nya laglösa” var kärnan i det de gjorde att de gjorde en annan typ av musik, snarare än socialt uppror. ”Det handlade inte om drogerna vi tog och problemen vi hamnade i då”, sade Earle, ”det handlade om konstnärlig frihet.”
Guitar Town kom ut 1986, samma år som kd lang, Dwight Yoakam och Lyle Lovett, med sitt underbara självbetitlade debutalbum, på MCA, först kom ut. Lovett sade: ”Under den perioden fanns det en hel del saker som man inte skulle tänka på som en traditionell Nashville signering som blev signerade. Man såg människor som fick en chans att göra en skiva, och det är en väldigt häftig sak.”
Minnesota-baserade bandet The Jayhawks, vars harmonier och twangrock-sound lade en del av blåkopian för den moderna americana-musiken, släppte också sitt debutalbum 1986 och de fick snart en stark följarskara i Europa. När Ryan Adams började göra americana-musik med bandet Whiskeytown sa han att han insåg att det fanns andra människor som var ”hippa på Gram Parsons” och nämnde The Jayhawks som ett inflytande. Whiskeytown bildades 1994 i North Carolina och gjorde tre studioalbum innan Adams lämnade dem år 2000 för att starta sin solokarriär och ta sig själv i så många intressanta musikaliska riktningar.
Lucinda Williams släppte ett par album på 80-talet, men efter en lång period av relativ obemärkthet fångade hon musikvärldens uppmärksamhet med det fantastiska albumet Car Wheels On A Gravel Road från 1998, som var hennes första skiva som fick guld. Albumet innehåller en rad fascinerande, känslosamma historielåtar som låter lika relevanta på 2000-talet som när de spelades in. Williams, som har gjort andra utmärkta album som Essence och Blessed, sade om Car Wheels…: ”Jag ville inte göra ett album som låter likadant igen. Jag försökte få fram ett visst röstljud som jag kände att jag fortfarande inte hade fått fram på något av mina album fram till dess.”
Det är kanske ingen tillfällighet att Joni Mitchell gav en intervju samma år som albumet släpptes där hon sa: ”Jag brukade vara monastisk, nästan. Nu är jag som en tibetan som har upptäckt hamburgare och tv. Jag tar igen Americana.”
Williams är en del av ett fantastiskt arv av kvinnliga Americana singer-songwriters som har skrivit några av de mest kraftfulla texterna i modern countrymusik. Efter traditionen av storheter som Kitty Wells, June Carter Cash, Dolly Parton, Loretta Lynn, Patsy Cline, Bonnie Raitt, Linda Ronstadt och Emmylou Harris, växte under 80- och 90-talen ett antal formidabla kvinnliga americana-artister fram, däribland Reba McIntyre, Mary Chapin Carpenter, Julie Miller, Mary Gauthier och Abigail Washburn. En av de mest utmärkande var Nanci Griffith, en poet i sång, som var lika säker på att skriva sina egna kompositioner som hon var på att tolka orden från andra fina americana-songwriters som Robert Earl Keen och Tom Russell.
Trenden för kvinnlig talang fortsatte på 90-talet, när innovativa artister som Gretchen Peters, Iris DeMent, Sheryl Crow, Rita Hosking, Dar Williams, Lee Ann Womack, Lori McKenna, Ani DiFranco och Gillian Welch började göra så fantastiska album.
En av de mest lovande låtskrivarna som kom fram under denna period var Patty Griffin, som hade varit en del av den lokala folkscenen i Boston tills hon dök upp på industrins radar med sin anmärkningsvärda A&M-debut Living With Ghosts från 1996. Griffin har fortsatt att göra kraftfulla och själsliga album och har förgrenat sig till gospel med den Grammy-belönade Downtown Church från 2011. Spännande nya talanger som Sarah Jarosz, Aoife O’Donovan, Ruth Moody, Angeleena Presley, Maddie And Tae och Lady Antebellums sångerska och låtskrivare Hillary Scott fortsätter att dyka upp och blomstra.
Men det gamla gardet har inte lämnats bakom. Dolly Parton återvände till bluegrass med några fantastiska album runt sekelskiftet, och Loretta Lynns album Van Lear Rose från 2004 var sensationellt. Jack White, musikalisk författare och hjärnan bakom The White Stripes, var bara två år när Lynn spelade in sitt förra album 1977: en hyllning till Patsy Cline. Lynn och White var ett osannolikt par, men den senare hjälpte till att föra Lynns musik till en ny publik när han producerade den då 72-åriga kvinnans hyllade comeback.
Van Lear Rose reflekterade andra aspekter av modern americana-musik – dess originalitet och individualitet. Musiken kan omfatta allt från Lyle Lovetts skarpsinniga humor till Drive-By Truckers rockiga ballader, James McMurtys, Danny Schmidts, Todd Sniders och Jason Isbells sociala observationer, Billy Joe Shavers, Dierks Bentleys, Chris Stapletons, Sturgill Simpsons och Amos Lees känslosamma sånger samt mindre kända talanger som Robby Hecht och Richard Shindell.
Det är svårt att säga exakt vilka som var inspiratörer och upphovsmakare till americana-musiken, så rik är dess mångsidiga arv, men det skulle inte vara för långtgående att säga att americana löper genom så olika band som Grateful Dead och Los Lobos. Neil Young, tillsammans med Crosby, Stills And Nash, är inte omedelbart stämplade som ett americana-band, men de bidrog definitivt till att driva på populariteten för modern roots-baserad rock.
Det är dessutom så att americanas ursprung går i sicksack genom landets olika delstater, från de sydliga öknarna i Little Feats ”Willin”” till Mississippideltat i ”Dixie Chicken”. En återspegling av dess rötter visas av det sätt på vilket Americana Music Trail erbjuder turister en upplevelse som tar in allt från Muscle Shoals-hubben i Alabama till countrymusikbarerna i Nashville och jazzkåtorna i New Orleans.
Ibland kan en själfull artist som inte är countryledare fånga americana-musiken genom sin tolkning av en stor låt. På sitt album Feels Like Home från Blue Note Records gör Norah Jones Townes Van Zandt stolt med en vacker version av hans låt ”Be Here To Love Me”. Grammy-megastjärnan Alison Krauss har ett extremt skickligt öga för att välja ut det allra bästa av modernt americana-låtskrivande. Krauss har täckt låtar av så olika artister som Willie Nelson, Richard Thompson, Shawn Colvin, Sidney Cox, Mindy Smith, James Taylor, Tim O’Brien, Jackson Browne och Tom Waits – och hennes ojämförliga röst kan till och med ge en klassisk Woody Guthrie-låt något nytt.
Krauss var också en viktig del av det triumferande soundtrackalbumet O Brother, Where Art Thou? som producerades av T Bone Burnett för bröderna Coen. Krauss bandmedlem Dan Tyminski skapade en modern klassiker med sin version av ”Man Of Constant Sorrow”, på ett album där bluegrasslegenden Ralph Stanley sjunger en hemsökande version av ”O Death”. Stanley bjöd på americana-musik i dess krassaste och mest kraftfulla form, som en röst direkt från förflutna århundraden.
Gillian Welchs Revival, som också producerades av Burnett, tog fasta på americanas arv. Revival spelades in i Nashville på Woodland Sound, som hade sin plats på den musikaliska kartan att tacka för 70-talsplattor som The Nitty Gritty Dirt Band’s Will The Circle Be Unbroken. Burnett övade till och med på att spela in Welchs röst på en gammal Wollensak-maskin, av den typ som en gång användes av Hank Williams. Welch, en äkta americana-artist, har gjort mycket för att hålla en svunnen tid av musik fräsch och relevant.
Burnett anser för övrigt att den moderna tidsåldern av digital musik har hjälpt americana-musiken att utvecklas eftersom den gör det möjligt för fansen att ta del av den ursprungliga källmusiken för vissa av de samtida versionerna av låtarna. Han sade: ”Den moderna publiken, eftersom de har så mycket att hämta från, är mycket mer kunnig än vad de får beröm för… och med gammal musik kan man återuppfinna den när som helst.”
De bästa unga musikerna försöker både hedra och återuppfinna musiken från sina hjältar. Kacey Musgraves, vars album Same Trailer Different Park blev en fantastisk succé 2013, säger att hennes ”ideala korsningspunkt i musiken” är The Beach Boys, Lee Ann Womack och John Prine.
Det Texas-baserade bandet Midland, vars debutalbum On The Rocks släpptes i september 2017, hyllades av Billboard för att de förde in ett samtida ”George Strait 1980s new traditionalist”-sound i den moderna tiden. Midland, och det talangfulla The Cadillac Three, är kanske inte strikt americana men båda tillför samma slags americana kännetecken – friskhet och inlevelse – till countrymusiken. The Cadillac Three har producerats av den ytterst begåvade Dave Cobb, som har gjort mycket bra arbete med Chris Stapleton, Lindi Ortega, Colter Wall, Brandi Carlile, Jason Isbell och Amanda Shires.
Det är tydligt att Americana går från styrka till styrka. Framväxten av streamingtjänster som Spotify innebär att genren har tillgänglighet och mainstream synlighet, även om den inte spelas på traditionella radiostationer för countrymusik. Dessutom har en mängd festivaler vuxit fram som ett komplement till den årliga AmericanaFest i Nashville, som kommer att fira sitt 19:e år i september 2018. Bland nykomlingarna finns The Long Road. Den lanserar sig själv som en ”country-, americana- och rootsfestival” och startar i Storbritannien samma månad. Festivalerna har blivit viktiga för utvecklingen av nya talanger.
Sedan 2010 har Americana varit en kategori som erkänts av Recording Academy. Levon Helm var den första vinnaren av en Americana Grammy (han fick ytterligare en 2012), och priset har också vunnits två gånger av Jason Isbell. Mavis Staples to, Bonnie Raitt, Emmylou Harris, Rodney Crowell och Rosanne Cash har också vunnit. Americanas allomfattande karaktär visade sig i 2016 års seger för Stax Records-legendaren William Bell. Robert Plant, den tidigare Led Zeppelin-frontmannen, som har spelat in med både Alison Krauss och Patty Griffin, sade att ”det finns inga gränser för vart Americana kan ta vägen”.
Americanas mångsidiga karaktär kommer att fortsätta när den sprider sig över kontinenterna. När Americana belönades med en särskild albumlista av Official Charts Company i Storbritannien fanns bland annat Ryan Adams, Lucinda Williams och den svenska syskonduon First Aid Kit på topp tio. Det finns nu Americana Music Associations i Storbritannien och Australien – ett stort steg från 1999, då en grupp radio-dj:s, skivbolagsanställda och musikjournalister träffades informellt vid musikbranschkonferensen South By Southwest i Austin, Texas, för att diskutera hur de skulle kunna främja den musik de älskade, och beslutade att bilda en organisation.
Jimmie Fadden, från The Nitty Gritty Dirt Band, citeras i boken The Americana Revolution när han säger att ”Americana var ett försök att gruppera en massa oförklarliga former av roots-musik på ett sätt som kunde kapslas in, presenteras för en publik, med en förståelse för att den hade ett namn”.
Namnet är nu betydelsefullt. Americana-musiken är progressiv och banbrytande och en av de bäst säljande musikgenrerna när det gäller album – den överträffar R&B, hiphop och dans under 2016, enligt Billboard – och hyllas av kulturella tungviktare. Den PEN/Faulkner-belönade romanförfattaren Ann Patchett sa nyligen till New York Times att americana är ”den coolaste musikscenen i dag”.
Ny americana kommer att fortsätta, med Hank Williams ord, att ”visa folket en helt ny dans”, men vad som än kommer kommer, kommer musikerna alltid att ha en värdefull historia att åberopa. Någon som sammanfattar detta är den anmärkningsvärda Ry Cooder, som utan tvekan har gjort lysande americana-musik i mer än ett halvt sekel. Cooders senaste album, The Prodigal Son, på Fantasy Records, innehåller en cover av Stanley Carter-låten Harbour Of Love, en låt som han först spelade in på 50-talet för Mercury Records. ”Det finns en slags vördnadsfull stämning som infinner sig när man spelar och sjunger de här låtarna”, säger han.
Denna vördnad och entusiasm är anledningen till att americana roots music kommer att fortsätta att blomstra.
Söker du mer? Upptäck de 10 bästa Americana-albummen genom tiderna.
