Som filmskapare är vi skyldiga vår passion till pionjärerna inom film och fotografi, och sedan till de filmskapare som följde efter. Jag tror på att se tillbaka för att kunna förnya sig och gå framåt, för att bli inspirerad och för att inspirera. Jag tar min inspiration med mig vart jag än går, var jag än arbetar, och jag förmedlar min inspiration till dem runt omkring mig på inspelningsplatsen och i mitt HA-team.
I dagens inlägg vill jag presentera er alla för en blivande filmskapare i sin egen rätt som har varit en del av vårt HA Team och som har gjort sig ett namn som filmskapare de senaste åren, Brendan Sweeney. Han kommer från Pittsburgh, men det ska jag inte lägga honom till last! Ha ha! Han kom till Los Angeles för att fullfölja sin dröm och han tar med sig sin kreativitet och passion för film – särskilt old school-film – till vårt högkvarter varje dag, och vi tackar honom för det! Hans senaste film ”Impossibility:Possibility” Och nu ska han dela sin passion med er alla och där filmen började. Han älskar att prata om och dela med sig av filmens historia och det är så viktigt att komma ihåg var vi har varit så att vi kan skapa nya vägar för vart vi ska gå.
Take it away Sweeney!
Fotografisk film är en remsa eller ett ark av genomskinlig plastfilmbas som på ena sidan är belagd med en gelatinemulsion som innehåller mikroskopiskt små ljuskänsliga silverhalogenidkristaller. Kristallernas storlek och andra egenskaper bestämmer filmens känslighet, kontrast och upplösning. (Karlheinz Keller et al. ”Photography” i Ullmann’s Encyclopedia of Industrial Chemistry, 2005, Wiley-VCH, Weinheim.)
Så vänta, var är en sensor? Hur är det med 1:or och 0:or? Hur ser jag vad jag fotograferar? Kan jag kontrollera min exponering med falsk färg?
De flesta av er minns förmodligen filmens dagar, åtminstone i fotografisk mening. Vid en tidpunkt i vår bransch var det enda alternativet för våra projekt att använda celluloidfilm. Det var inte ett val av typ av bildsensor, det var ett val av typ av film. Film var den ”bildsensor”, den kemiska process som innehöll dina bilder. Valet låg i vilket filmmaterial du ville använda för att berätta dina historier och vilka objektiv du ville kombinera med det. Saker och ting fanns inte omedelbart framför dig som de gör idag i den digitala världen. Det fanns inga monitorer för att kontrollera fokus eller IRE-nivåer. Det var en värld där man tittade genom linsen med hjälp av en optisk sökare och såg scenen i sitt oförändrade perspektiv.
Detta var filmproduktionens dagar… En värld där filmfotografen kunde vara ett med kameran och där ingen producent någonsin kunde ifrågasätta vad han eller hon gjorde. Det var ett mentalt spel, en tid av sann previsualisering och att sätta sina färdigheter på prov.
Så varför talar jag så högt om film? Jo, innan jag går in på min personliga kärlek till film – låt oss diskutera dess historia och dess betydelse för den bransch som vi arbetar i idag.
En kort inblick i det förflutna
Den första allmänt tillgängliga fotografiska filmen kallades Daguerreotype. Denna film introducerades första gången 1839 av Louis-Jacques-Mandé Daguerre och höll marknaden i ungefär 20 år tills nyare/billigare metoder för fotografering utvecklades. På 1850-talet blev glasplåtfotografering standard för de flesta kameror på området. Med bättre optisk kvalitet än de tidiga genomskinliga plasterna och Daguerreotype blev detta den bästa metoden för fotograferna tills George Eastman trädde in på scenen. År 1885 introducerade George den första ”flexibla fotografiska rullfilmen”, men denna film var i själva verket papper med beläggning. Den första genomskinliga plastrullen kom ut på marknaden 1889 och var tillverkad av lättantändlig nitrocellulosa ”celluloid” eller numera känd som ”nitratfilm”. Detta är det som alla har hört talas om i filmhistorien och hur det skulle brinna!
Det var här som Eastman Kodak Company blev institutionen som ledde rörelsen för fotografisk film och hur det skulle gå till inom fotografering. Alla har åtminstone hört talas om Kodak och deras långa historia inom filmfilm. För mig är de ett av de största amerikanska företagen som någonsin har funnits!
En branschs födelse
Okej, låt oss börja diskutera hur fotografisk film plockades upp och placerades i inställningen av rörlig film. Den äldsta inspelade kortfilmen går tillbaka till 1888 och heter Roundhay Garden Scene.
”Roundhay Garden Scene”
Denna korta scen spelades in av uppfinnaren Louis Le Prince. Filmen spelades in på plats vid Oakwood Grange i Roundhay, Leeds, och tros vara den äldsta bevarade filmen som finns. Med sitt svarta & vita, grova utseende är det fantastiskt att se hur långt vi har kommit, från vår ödmjuka start i hantverket till våra produktioner som nu omsätter flera miljoner dollar. När man ser verk som detta kan man bara föreställa sig var vi kommer att befinna oss om ytterligare hundra år, vart detta medium kommer att ta vägen och hur det kommer att definiera oss.
Filmen fick verkligen sitt fotfäste under den satsning som gjordes av Thomas Edisons Kinetoskop och bröderna Lumieres Cinematograf. Dessa två uppfinningar drev fram det som på den tiden bara var en nyhet och bidrog till att skapa grunden för vår industri i dag. Kinetoskopet uppfanns för första gången och var en enmansvisningsapparat för rörliga bilder – det var inte en filmprojektor, men introducerade det grundläggande tillvägagångssättet som skulle bli standard för all filmprojektion före videons tillkomst genom att skapa illusionen av rörelse genom att överföra en remsa perforerad film med sekventiella bilder över en ljuskälla med en höghastighetsslutare.
Familjen Lumiere var redan en jätte inom fotobranschen och fick nys om vad Edison och hans team höll på att göra i Förenta staterna. På grund av sitt europeiska läge bestämde de sig för att ta till sig hans koncept, men ville kunna presentera en rörlig bild för flera personer samtidigt. De skapade en maskin som inte bara kunde fånga en rörlig bild utan även skriva ut och projicera den för en större publik. Det fantastiska är att deras uppfinning skulle vara ungefär en fjärdedel så stor som Edisons och att det skulle finnas ett kommersiellt behov av deras produkt.
Bröderna Lumieres tidiga filmer
Den kompakta karaktären hos deras kamera öppnade upp nya sätt för människor att komponera bilder – liksom sätt att flytta kameran. Filmskaparna tog med sig denna kamera över hela världen och transporterade publiken till platser på den tiden som människor aldrig hade sett förut. Det var elektrifierande och antalet filmer som producerades under åren av bröderna Lumiere uppgick till tusentals! De utarbetade de tidiga ritningarna för hur en historia skulle berättas med hjälp av detta nya medium. Under en period i filmens historia blev detta standardinstrumentet för att få jobbet gjort.
Om du vill lära dig mer om bröderna Lumiere kan du lyssna på dessa två poddar av Tracy V. Wilson och Holly Frey på Things You Missed In History Class:
The Lumiere Brothers, Part 1:
The Lumiere Brothers, Part 2:
THE SILENT YEARS
När åren gick in på 1900-talet blev filmskapande den konstform som var bäst på 1900-talet! Produktionsbolag sprang ur marken, nya filmskapare trädde in på scenen och kändisar föddes. 1910 – 1927 var åren med strukturerade stumma berättande filmer – kallade ”Multiple-Reel Films” (som snart kom att kallas för spelfilmer) – som blev normen för publiken runt om i världen. Mediet var snart likvärdigt med teaterföreställningar och var en möjlighet att anpassa romaner till den stora duken. År 1916 fanns det mer än 21 000 biografer enbart i USA.
I ungefär två decennier genomkorsade stumfilmerna upp- och nedgångarna i propagandan under första världskriget, blommade upp i europeiska länder och sedan inleddes en ny utveckling av filmen…
PRE-WORLD WAR II SOUND ERA
Med biografens nästan omedelbara kommersiella och kulturella popularitet hos en publik över hela världen blev det uppenbart att vi behövde något nytt efter nästan två decennier av framgång med stumma rörliga bilder. År 1900 ägde den första kända offentliga visningen av projicerade synkroniserade ljudfilmer rum i Paris. Detta var den tidiga grunden för vad vi skulle bli vana vid under 2000-talet.
Kant på en 35 mm filmkopia som visar ljudspåren. Den yttersta remsan (till vänster i bild) innehåller SDDS-spåret som en bild av en digital signal; nästa remsa innehåller de perforeringar som används för att driva filmen genom projektorn, med Dolby Digital-spåret, de grå områdena med Dolby Double-D-logotypen, mellan dem. De två spåren av det analoga ljudspåret på nästa remsa är bilaterala variabla områden, där amplituden representeras som en vågform. Dessa kodas i allmänhet med hjälp av Dolby Stereo matrixing för att simulera fyra spår. Slutligen syns längst till höger den tidskod som används för att synkronisera med en DTS-soundtrack-CD-ROM.
1919 ansökte den amerikanske uppfinnaren Lee Dee Forest om flera patent som skulle bana väg för den första optiska tekniken för ljud på film. Dessa nya framsteg skulle tillämpas i en kommersiell miljö.
Med ytterligare utveckling 1923 fick publiken ta del av den första kommersiella visningen av en kortfilm med ”ljud på film”. När ljudfilmer med synkroniserad dialog introducerades fick de genast beteckningen ”talking pictures” eller ”talkies”. Till en början användes de uteslutande i kortfilmer och det tog ett tag innan långfilmerna fick upp ögonen för denna teknik.
Det dröjde ända till oktober 1927 innan den första långfilmen som utnyttjade denna teknik kom ut på marknaden. Det var Warner Bros. Pictures produktion The Jazz Singer. Den blev en stor succé hos publiken i hela landet och gjordes med Vitaphone, som vid den tiden var det ledande varumärket för ljud på skivteknik.
I takt med att publikens krav på ”talfilmer” växte blev det uppenbart för studiosystemet att detta var här för att stanna och att de var tvungna att följa efter. På 1930-talet var talkies ett globalt fenomen och bidrog till att säkra Hollywoods position som ett av världens viktigaste kulturella/kommersiella inflytandecentra.
FÄRG OCH DEN NYA VÅGEN
Färg i rörlig film var alltid den riktning som branschen försökte komma till. Den första färgfilmningen skedde genom additiva färgsystem som det som Edward Raymour Turner patenterade 1899 och testade 1902. Det första kommersiellt framgångsrika additiva färgsystemet var Kinemacolor. Det var ett förenklat system som använde svartvit film för fotografering och sedan projicerade två eller flera komponentbilder genom olika färgfilter. Processen blomstrade mellan 1908 och 1913.
Omkring 1920 utvecklades de första praktiska subtraktiva färgprocesserna och introducerades i industrin. Liksom Kinemacolor använde även den svartvit film för att fotografera flera färgfiltrerade källbilder och slutprodukten var ett flerfärgstryck som inte krävde någon särskild projektionsutrustning.
År 1932 var det största framsteget inom färgfilm introduktionen av Technicolor-processen med tre band. Technicolor daterades först till 1916 och förbättrades under flera decennier. Den blev den näst största färgprocessen efter Kinemacolor och användes främst i Hollywoodproduktion från 1922 till 1952. Technicolor var känd för sitt vackra och unika utseende. Dess starkt mättade färger blev vårt numera nostalgiska utseende som publiken ville se. Technicolor användes ofta i filmer som Trollkarlen från Oz (1939), Borta med vinden (1939) och i animerade rörelser som Snövit och de sju dvärgarna (1937).
År 1932 var det största framsteget inom färgfilm introduktionen av den trestrimmiga Technicolorprocessen. Technicolor daterades först till 1916 och förbättrades under flera decennier. Den blev den näst största färgprocessen efter Kinemacolor och användes främst i Hollywoodproduktion från 1922 till 1952. Technicolor var känd för sitt vackra och unika utseende. Dess starkt mättade färger blev vårt numera nostalgiska utseende som publiken ville se. Technicolor användes ofta i filmer som Trollkarlen från Oz (1939), Borta med vinden (1939) och i animerade rörelser som Snövit och de sju dvärgarna (1937).
Färg i rörliga filmer fortsatte att öka i popularitet tills det var normen för långfilmer. På 2000-talet är det sällsynt att vi får en komplett svartvit film. Färgen har huggit sig in i våra sinnen som åskådare och den är här för att stanna.
FILMENS BETYDELSE
Så varför går jag igenom historien om detta? Du har förmodligen hört en del av den, så hur kan detta översättas till filmens betydelse? Låt oss säga så här… film är det ursprungliga mediet. Det är vad de stora utnyttjade i över 100+ år och av någon anledning – det har blivit förpassat på grund av det digitala.
Digitalt är nu kungen av kullen, men är det en bra sak? Detta är varken bra eller dåligt! Vi har öppnat slussarna för en ny generation filmskapare som aldrig skulle ha kunnat skaffa film. Vi har gett människor en röst som potentiellt aldrig skulle ha kunnat uttrycka sig tidigare. Det digitala mediet är det verktyg vi behöver för att öppna upp branschen för dem som vill delta. Det har hjälpt oss att förstå ett annat sätt att göra film och det är alltid bra att ha ”alternativ” när man gör film.
Nja, låt oss ta en sekund för att prata om dessa ”alternativ”…
Under 2014 fick vi ett av de gamla färgnegativa filmbolagen att lägga ner sin produktion av film. Det var Fujifilm, tillverkaren av ETERNA, och vad vissa anser vara en vacker konkurrent till Kodak. Nu är vi kvar med ett utgånget lager som vi eventuellt aldrig kommer att få chansen att fotografera med igen.
Så varför är detta ett problem? Problemet är att vi har förlorat ett ”alternativ” för filmskapande. Det enda färgnegativa som finns kvar är Kodak Vision3-serien och Wittner Agfachrome 200D för färgomvändning. Med undantag för några små boutique- och experimentella filmer är detta ALLT vi har kvar för färgfilm. Åh, glömde jag att nämna att Kodak ansökte om konkurs 2012 och att vi nästan förlorade den också…
Mitt problem med det digitala är att det har gjort det möjligt för massorna att lätt glömma vad ”film” är, dess roll i hur filmskapande kom att bli fram till nu, och vad den har stått för. På mindre än ett decennium blev filmen nästan sparkad ihjäl. Om det inte hade varit för en grupp Hollywood-eliter som gick samman hade vi potentiellt förlorat ett medium, en konstform och ett sätt att tänka.
Här är vad några filmskapare har att säga om film:
Hoyte van Hoytema (Tinker Tailor Soldier Spy, Interstellar, Her)
Debatten i sig själv är helt enkelt korkad, förstår du? En av de värsta sakerna har varit debatten, eftersom den utgår från att det finns ett ”bättre” och ett ”sämre”, att det finns en ”vinnare” och en ”förlorare”. Det är inte alls så jag ser på saken. Den polariseringen och presentationen att det finns något bättre och något sämre är bara löjlig. Vem som helst kan ge en anledning till varför något är bra eller dåligt i teknisk mening. Men anledningen till att filmskapare som Christopher Nolan filmar på film har inget att göra med ”bättre” eller ”sämre”. Det har bara att göra med mycket personlig smak. Alla vill ha en annan sorts duk. Vissa människor gillar att måla med oljefärg och andra människor gillar att måla med akrylfärg och andra människor gillar att måla med koskit, förstår du? Hela den diskussionen är meningslös, och det enda som diskussionen har framkallat är att människor som inte vet något om det börjar lobba för ett format. Ett format blir långsamt föråldrat och håller många människor borta från det valet i framtiden, vilket är mycket tråkigt, för jag tycker att det valet borde vara tillgängligt för människor som Chris eller Quentin Tarantino eller Scorsese eller Spielberg, vem som helst, eller Paul Thomas Anderson. Deras val av varför de tar film är inte alltid ett tekniskt val.
(”’Interstellar’ cinematographer on grounding Nolan’s movie and shooting Bond on film”)
Martin Scorsese (Goodfellas, Casino, The Departed)
Vi har många namn på det vi gör – biograf, filmer, motion pictures. Och … film. Vi kallas regissörer, men oftare kallas vi filmare. Filmskapare. Jag föreslår inte att vi ignorerar det uppenbara: HD är inte på väg, den är här. Fördelarna är många: kamerorna är lättare, det är mycket lättare att filma på natten, vi har många fler medel till vårt förfogande för att förändra och fullända våra bilder. Dessutom är kamerorna mer prisvärda: det går verkligen att göra film nu för väldigt lite pengar. Till och med de av oss som fortfarande filmar på film gör klart i HD, och våra filmer projiceras i HD. Så vi skulle lätt kunna enas om att framtiden är här, att film är besvärlig och ofullkomlig och svår att transportera och utsatt för slitage och förfall, och att det är dags att glömma det förflutna och säga adjö – det skulle verkligen vara lätt att göra. Alltför lätt.
Det verkar som om vi alltid påminns om att film trots allt är en affärsverksamhet. Men film är också en konstform, och unga människor som drivs av att göra film bör ha tillgång till de verktyg och material som var byggstenarna i denna konstform. Skulle någon drömma om att säga till unga konstnärer att kasta bort sina färger och dukar för att iPads är så mycket lättare att bära med sig? Naturligtvis inte. I filmens historia är det bara en mycket liten del av de verk som ingår i vår konstform som inte har spelats in på film. Allt vi gör i HD är ett försök att återskapa filmens utseende. Även i dag erbjuder film en rikare visuell palett än HD. Och vi måste komma ihåg att film fortfarande är det bästa och enda beprövade sättet att bevara filmer. Vi har ingen garanti för att digital information kommer att hålla, men vi vet att film kommer att hålla, om den förvaras och tas om hand på rätt sätt.
Vår bransch – våra filmskapare – samlades bakom Kodak eftersom vi visste att vi inte hade råd att förlora dem, på samma sätt som vi har förlorat så många andra filmmaterial. Den här nyheten är ett positivt steg mot att bevara filmen, den konstform vi älskar.
(”Martin Scorsese Writes Letter Writes Supporting Kodak and Film Stock”)
En hel del av de filmskapare vi ser upp till i dag har sin åsikt i frågan. Kriget rasar vidare med debatten ”film vs. digitalt”, men det är inte det jag vill komma fram till. Det är vikten av att behålla så många alternativ som möjligt. Ju färre alternativ vi har, desto färre sätt har vi att uttrycka oss på. Som filmskapare vet jag att jag inte vill vara kreativt bunden på grund av utgångavtalade produkter.
FILMENS FRAMTID
I takt med att vi fortsätter att digitalisera resten av världen ser jag en ljus framtid för filmen. Under de senaste två åren har vi sett ett återupplivande av ”film” i branschen och ett intresse från en yngre befolkningsgrupp. Kodak undkom den nästan säkra döden och är inte längre i konkurs. Fler och fler filmer väljer att fotografera helt och hållet på film eller en hybridmetod med digital teknik. Indieproduktioner är sugna på en vintage, nostalgisk look och letar efter team som vet hur man arbetar med detta medium. Vi ser att fler och fler filmer lägger till filmprojektioner och att publiken kommer ut för att njuta av dem!
Vi håller på att skapa en värld där BÅDA medier kan leva och arbeta tillsammans. Detta är den framtid som jag ser, och den är bara på väg att komma. Nu när Kodak öppnar nya utvecklingslaboratorier i USA och Storbritannien och återupplivar Ektachrome hoppas jag att detta leder till en möjlighet för Arri och Panavision att tillkännage en ny filmkamera. Eftersom regissörer och filmfotografer fortsätter att pressa sig själva är det bara en uppåtgående trend för film och dess hållbarhet.
Även Blackmagic Design, en av de största tillverkarna av digitala biografkameror, gör också rubriker inom branschens ”film”-område. Under de senaste åren har de förvärvat det mångåriga filmskannerföretaget Cintel och introducerat sin första 4K-filmskanner. Den eleganta och snygga Blackmagic Design Cintel Scanner kan hänga vackert på en vägg och ansluts utan ansträngning via Davinci Resolve. Detta skapar en väg för kostnadseffektiva skanningar för filmskapare som vill komma in genom dörren.
I SLUTSATS
Jag antar att hela min poäng här är att studera vad som har kommit före oss och prova de verktyg som de stora använde. Oavsett om du håller dig till film eller bestämmer dig för att förbli helt digital har du åtminstone provat mediet och förstått dess betydelse. Jag skulle kunna svamla hela dagen om hur det inte finns någon bättre känsla än att höra filmen rulla genom kameran, att det inte finns något mer tillfredsställande än att se din bild komma till liv när den kommer tillbaka från labbet. Det är en magisk upplevelse, men om jag uttrycker det kommer du aldrig att förstå det, förrän du går ut och provar det.
Vi måste fortsätta att skapa sätt att fånga en rörlig bild. Om det finns nya sätt att använda VR 360-graders video, låt oss lägga till det i verktygslådan. Vi behöver en framtid utan begränsningar och det börjar med att vi bevarar, inte ignorerar.
En sista sak… digitala kameror försöker kopiera ”film”. Varför inte bara fotografera på film i stället för att låtsas? Gå ut och gör en film!
Hälsningar,
Brendan Sweeney
www.brendanjsweeney.com
@brenjamessween