The Scene
Något stort är på gång-En musikalisk gräsrotsrörelse i så stor skala att den verkar ostoppbar. Plötsligt drar en nation av nyhippies i slipsfärgade skjortor och näsringar, som stinker av patchouliolja och skunkweed, till dansgolv överallt för att ta del av goda vibbar och glädjeämnena i öppen groove-orienterad jamming. Och lika plötsligt har en ny generation av band vuxit fram för att ge näring åt deras passion.
Resultatet av allt detta plötsliga och brinnande intresse för dansbaserad improvisation är en utbredd och livskraftig ”jam band”-scen som sträcker sig från kust till kust och som är sammanlänkad med ett nätverk av nattklubbar och webbplatser på Internet, där groove-fanatiker byter kassettband, CD-skivor och MP3-skivor samtidigt som de pratar entusiastiskt om kommande spelningar av sina favoritgrupper. Det är ett osynligt imperium som berör jazztraditionen men som existerar i ett parallellt universum flera ljusår från det gamla (Van) gardet. Välkommen till jazzens framtid?
Som liknar Woodstock Nation, cirka 1970, i anda och utseende, är dessa beathungriga horder stolta medlemmar av Groove Nation 2000. De flockas på små och stora klubbar som The Mellow Mushroom i Chapel Hill, Higher Ground i Burlington, Bop Shop i Chicago, Club One i Tulsa, Mama Einstein’s i Athens, Ohio, Elbo Room i San Francisco, Tipitina’s i New Orleans, Tinker Street i Woodstock, Wetlands Preserve i New York City … listan kan göras lång och lång och lång. Eller så samlas de i massor på sommarens utomhusjambandsfestivaler som Gathering of the Vibes i Connecticut, All Good Festival i Maryland, BeatJam i Maine, High Sierra Festival i norra Kalifornien och Berkfest i Berkshire Mountains i Massachusetts. Där groovar de till ljudet av Deep Banana Blackout, Galactic, Soulive, Fat Mama, Schleigho, Michael Ray & The Cosmic Krewe, Jacob Fred Jazz Odyssey, Jiggle the Handle, String Cheese Incident, Ominous Seapods, The Hosemobile, The Slip, ViperHouse, Greyboy Allstars, The Jazz Mandolin Project, Rockin’ Teenage Combo, Percy Hill, Project Logic, The New Deal, Living Daylights, Karl Denson’s Tiny Universe…listan kan göras lång och lång och lång.
Publiken vid dessa spelningar är ovanligt öppensinnad, vilket många av musikerna på scenen har påpekat. De är mer deltagare än passiva åskådare, de överlämnar sig själva till musiken och kastar och viftar med sina magra, unga kroppar över dansgolvet i en slags spastisk hippie-groove-ritual. De verkar också trivas lika mycket med improvisationsandan som med dansbara beats. Dissonans och musikalisk komplexitet skrämmer inte bort dem. Jams kan upplösas i rymliga abstraktioner eller täta, fritt blåsande utflykter och de kommer fortfarande att hänga kvar där, mer nyfikna än desorienterade. De verkar faktiskt få en laddning från ”överraskningsljudet” som länge har förknippats med jazzen. Ingen bedömning från den här publiken. Här finns ingen risk för fel toner eller dålig stämning. Allt är groovy med dem, vilket är ett mycket befriande scenario för musikerna.
”Det är definitivt en öppen sak och det är det jag älskar med det”, säger Brian Haas, ledare och keyboardist i den djärva Tulsa-baserade septetten Jacob Fred Jazz Odyssey. ”Jag får inte känslan av att dessa människor kommer till spelningarna med några förväntningar. De bryr sig inte ens om att vi bara är helt vilse i 45 minuter och att min trummis inte spelar något annat än en triangel, förstår du? Det finns en verklig öppenhet där och det verkar hjälpa jazzscenen att nå nästa nivå. Det är bara en helt ny publik på ett sätt. Vi var från början mycket medvetna om att alla dessa hippieungdomar helt plötsligt älskar den här jazzen. Och nu säger vi alltid: ”Tack gode Gud för hippierna”, för de har verkligen en icke-dömande attityd som är så perfekt för jazzen.”
”Det är som en annan värld”, säger gitarristen John Scofield, vars groove-tunga nya projekt, Bump (Verve), använder sig av en grupp unga turkar från jambandscenen, inklusive slagverkaren Johnny Durkin och trummisen Eric Kalb från Deep Banana Blackout, basisten Chris Wood från Medeski Martin & Wood, Mark De Gli Antoni från Soul Coughing och rytm-tandem av basisten Tony Scherr och trummisen Kenny Wollesen från Sex Mob. ”Det är barn som går på dessa saker och verkligen är öppna för många olika sorters musik och öppna för experiment, vilket är väldigt annorlunda”, säger Scofield.
”Det är en gigantisk familj”, säger Arne Livingston, basist i den Seattle-baserade trion Living Daylights. ”Och det är en sak som jag har lärt mig när jag spelar dessa spelningar är att det inte ens handlar så mycket om musiken, efter en viss tid. Det handlar om att vara en del av en familj, att folk vill gå till en klubb där de ska träffa sina vänner. Musiken är viktig, men det handlar också om att vara en del av en social scen.”
Enligt Fuzz, 29-årig gitarrist i Deep Banana Blackout, ”är det bara musik som är ganska kul att umgås till och dansa till. Det mesta av musiken på den här scenen är baserad på groove och den har i allmänhet en glad och vänlig stämning så det håller folk i den andan. Men de är inte bara ute efter glad hippiemusik hela tiden. Jag tror att de gillar alla de olika smaker som dessa grupper har att erbjuda.
”Ingen av den musik jag har hört är mörk eller deprimerande”, fortsätter Fuzz, ”så det är ett slags alternativ till den alternativa rockmusiken på 90-talet. Mycket av den musiken var väldigt deprimerande, som om alla är på en dålig heroinresa och vill ta livet av sig. Det är ett alternativ till den rockmusik från 90-talet. Men den här jambandscenen handlar mer om att folk har roligt och gillar musiken för vad den är och inte har hela den här mörka, depressiva bilden eller känslan av ’jag hatar mitt liv, jag hatar världen, världen kommer att gå under’. Den typen av mentalitet började ta över popkulturen på 90-talet, men det är över nu.”
The Sound
Men även om det finns olika stilistiska bidrag från jambandscenen är den gemensamma grunden för alla banden idén om att sträcka ut sig och låta musiken utvecklas organiskt, vart det än leder dem. Och publiken är direkt involverad i det musikaliska sök- och upptäcktsuppdraget.
”Jag antar att det har att göra med arvet från Grateful Dead på ett sätt”, säger Scofield. ”Det är nya hippies… människor som lyssnar på musik och dansar och som gillar det faktum att bandet improviserar tillsammans och skapar den här stämningen, med publiken som en del av det. Men i grund och botten är det alla olika sätt att se på riktigt kreativ jazzinfluerad rock. Vissa grupper låter som Dead, andra grupper låter mer som Herbie Hancocks Headhunters, och sedan finns det grupper som Soulive, som är en fantastisk ung orgeltrio som låter som Blue Note-skivor från det tidiga 60-talet. Det finns även en del improviserande bluegrass som Strangefolk. Så det finns alla dessa olika saker och ungdomarna gillar allting.”
Om Grateful Dead skapade prejudikat för denna hippie-jam-estetik på 60- och 70-talen, så fördes facklan vidare till Phish, det Dead-inspirerade rockbandet som blev en ledstjärna för äventyrlig stretching på 90-talet.
”På grund av en grupp som Phish har improvisation blivit en av de där sakerna som det är okej att göra”, säger Fuzz. ”Nu har du olika grupper som tar med sig en del ganska ”out” saker till bordet och folk accepterar det. De säger: ’Okej, det här är coolt. Det låter som den där Phish-grejen. Så plötsligt blir det okej att göra den sortens saker, och det är bra för alla. Det öppnar bara upp musiken.”
Men både Dead och Phish kommer helt klart från en mer rockig bakgrund. För att ta reda på var den jazziga spänningen kom in i Groove Nation-estetiken måste man vända sig till Medeski Martin & Wood (MMW), gudfäderna till hela jambandsfenomenet. ”De där killarna har alltid varit idoler och lite före oss, eftersom de bildades tidigare än vi”, säger Deep Banana Blackout-perkussionisten Johnny Durkin.
”Vi ser helt enkelt upp till alla tre bröderna”, säger Hass om MMW. ”De har varit en inspiration för oss ända sedan vi var tillsammans, utan tvekan. Vi har förstås tittat på hur de började – att turnera runt i en skåpbil – och sett hur det har fungerat för dem. Så det säger oss att liksom bita i det sura äpplet och bara fortsätta upprätthålla och bara fortsätta göra det på samma sätt som de gjorde. Och det verkar definitivt ge resultat. Det är en långsam process, men det är så givande.”
”På tal om jazz och groove-musik och Deadhead-scenen är de definitivt en bro”, säger Fuzz om MMW:s bidrag. ”Jag tror att de förmodligen liknar oss… deras ursprungliga avsikt var att vara ett slags knasigt, jazzigt, gör-det-själv-grejen-band. De ville bara göra häftig musik. Men på något sätt kom ryktet ut om dem och jag tror att det var någon koppling till Phish. Jag tror att det verkligen gav dem en riktig spark i byxorna och hjälpte dem att komma på andra datum med andra band som fanns på den scenen.”
Och även om det felaktigt har rapporterats att nyckeln till MMW:s genombrott var en öppningsplats på en Phish-turné, så är sanningen den att de öppnade för det megasuccéfyllda rockbandet vid endast en spelning, i New Orleans. Men Phish spelade regelbundet upp MMW-banden före sina spelningar och utsatte en ny stor publik för deras insinuanta, psykedeliska grooves. Som MMW:s keyboardist John Medeski erkänner: ”Deras fanbas spred ordet om oss.”
”Första gången jag såg ,” minns Fuzz, ”blev jag ganska överväldigad. De är ett band som har ett riktigt unikt sound och de har sin egen riktning, men återigen är musiken bara så groovig. Den har bara en så cool vibe och den kan vara så psykedelisk på samma gång. Och det finns en hel publik av nya hippiefolk som verkligen kan gå in i det. Jag tycker att MMW är en fantastisk kollektiv grej. De är bara ute och utforskar outforskad mark i en mycket improviserad situation. De är bara så i ögonblicket att de kan göra en hel spelning där de bara improviserar, utan att ha någon form av låtstruktur överhuvudtaget. De är ganska anmärkningsvärda när det gäller ren improvisation. Och jag tror att deras publik verkligen uppskattar det hos dem.”
M MMW:s utveckling
”Jag minns att vi gjorde en spelning sommaren 1991 på Martha’s Vineyard”, minns Medeski. ”Det var vår första spelning utanför staden. Sedan slutade det med att vi gjorde en liten höstresa genom södern, bara för att komma bort från kylan, egentligen. Det som hände var att vi var i New York och vi insåg att vi kunde få 40 eller 50 personer på den tiden att komma ut för att se oss spela på Knitting Factory. Så vi började fundera på att vi kanske kunde åka ut till dessa små universitetsstäder och förmodligen få 40 eller 50 personer att komma till våra spelningar där. Vi hade ingen aning om folk utanför New York skulle gilla det eller inte. Vi var lite oroliga för att ingen skulle kunna relatera till musiken, men vi älskade att spela tillsammans tillräckligt mycket för att ge det ett försök. Vår tanke var: ”Om det här fungerar kan vi göra det hela tiden”. Det enda mål vi hade var att tjäna tillräckligt med pengar för att kunna fortsätta spela den musik som vi ville spela tillsammans, i stället för att behöva ta på oss en smoking och göra bröllopsspelningar och tillfälliga spelningar för att klara oss.
”När vi först gav oss ut gjorde vi några jazzklubbar och kaffehus och små rockklubbar”, fortsätter han. ”Jazzklubbarna var inte bra upplevelser på alla plan, men kaffehusen och rockklubbarna var fantastiska. De yngre människorna där var en mycket öppnare publik och vi blev verkligen chockade över responsen. Folk verkade gilla det och de var verkligen glada att vi kom även om de inte var vana vid att se den typen av musik. Så vi blev tillräckligt uppmuntrade av den första upplevelsen för att gå ut igen. Fler människor kom ut på den andra turnén och det byggdes sakta upp. Och lustigt nog var vi under den tiden tvungna att spela frijazz för att stödja vår mer kommersiella karriär. Vi kom tillbaka från en turné med MMW och Billy och jag skulle spela med Lounge Lizards eller John Zorn medan Chris skulle spela med Marc Ribot i Rootless Cosmopolitans eller Shreck. Vi skulle åka på en Europaturné med dem, tjäna tillräckligt med pengar, komma tillbaka och sedan åka ut på turné med MMW, vilket var lite som små semestrar för oss.”
Men något slitsamma semestrar, åtminstone i början, som Medeski berättar. ”Vi satte oss bara i en skåpbil och körde. Vi hade en liten spis i skåpbilen så vi kunde laga mat åt oss själva medan skåpbilen körde. Vi kom till spelningen med knappt tillräckligt med tid för en soundcheck. Vi träffade någon på spelningen och det slutade med att vi sov på deras golv. Vi fick aldrig hotell. Vår första turné hade vi en spelning i Knoxville där de gav oss ett hotell och allt annat var som ”låt oss åka och se vad som händer”. Vi hittade på allt under tiden.”
Efter några framgångsrika turnéer gick MMW från Billy Martins Ford van till en begagnad Coachman RV/camper utrustad med dusch, spis och kylskåp. ”Det fanns en tvåårsperiod då vi var på resande fot mest hela tiden”, säger Medeski, ”och det var då vi var tvungna att flytta från våra lägenheter i New York. Vi hade inte råd att behålla dem längre och eftersom vi ändå var ute på vägarna hela tiden så bodde vi bara i husbilen.”
När de fortsatte att sprida groovets och den musikaliska spontanitetens evangelium fortsatte bandets anhängare att byggas upp med tiden tills de befann sig på toppen av neo-groovevärlden med en turnébuss, en rabiat internationell anhängarskara och ett lukrativt skivkontrakt med Blue Note, som gav ut deras bästsäljande Combustication 1998. (Ironiskt nog är MMW:s senaste för skivbolaget, Tonic, ett live, fritt svängande akustiskt pianotrioprojekt som har mer att göra med avantgardescenen än den groovescen som de hjälpte till att skapa.)
”Allting började verkligen med bara en känsla”, säger Medeski i efterhand. ”När jag bodde i Boston hade jag gjort några spelningar med Either Orchestra i Mellanvästern och jag insåg att det fanns några collegeungdomar där ute som bara ville höra lite musik… en ny generation människor med hungriga öron. Och de flesta av våra mentorer gick inte ut och spelade för dem. Killarna i 40-årsåldern, som var riktiga monster, gick inte ut och spelade eftersom de försörjde sig i Europa. Och vi kände: ”Det här är Amerika. Vi borde kunna göra det här i vårt eget land. Och det verkade bara som att med medierna som de är – datorer och allting – har unga människor bara en bredare exponering för olika typer av musik än generationen före dem, så deras sinnen är naturligtvis lite mer redo, mer öppna för det.
” Bob Moses sa en gång, och jag håller helt med honom, att dessa unga människor i dag letar efter en kathartisk upplevelse som de bara kan få genom improviserad musik. Det är vad de letar efter när de går och ser dessa jamband. Och jag tror att de ibland får det och ibland inte. De letar efter den där känslan som de bara kan få när ett band är där uppe och improviserar. Och jag tror att det är allas ansvar, även vårt, att verkligen anstränga oss och öva och studera musik för att ha mer att erbjuda publiken. Jag känner verkligen att om de letar efter det där katartiska är det vårt ansvar att försöka ge dem det, att verkligen gräva djupt i den improviserade musiken och utnyttja den andliga sidan av den.”
Men är det jazz?
”Jag skulle vilja se jazzen som en stil som ständigt utvecklas och som lånar från sig själv och från nästan allt annat”, säger Livingston. ”Jazz är bara en kulmen på unga människors ansträngningar för att skapa kreativ, vidareutvecklande musik.”
”Det verkar för mig”, säger Fuzz, ”som om jazz alltid handlade om individuella uttryck. Så att framföra den eller försöka återskapa hur den ursprungliga killen hade gjort det verkar vara att ta bort från det ursprungliga konceptet. Jag menar, det är meningen att du ska ta den här musiken och göra den på ditt sätt, eller hur? Hur kan du göra detta till en del av ditt personliga uttryck? För min del är det som jag verkligen har känt under en lång tid nu definitivt funk- och soulmusik. Så jag kombinerar funk, soul och hiphop med jazz och till och med lite rockpsykedelia. I dag finns det inga fasta regler för att göra en jazzskiva. Kanske hade en del människor förr i tiden en lite snobbig attityd till det. Inte idag.”
Med sitt soloprojekt On the Corner With Fuzz avslöjar gitarristen en djupare förståelse för jazz i sina samtida covers av Charlie Christians ”Seven Come Eleven”, Wes Montgomerys ”Four on Six” och Charlie Parkers ”Bloomdido”, som också har medverkat av skivspelarkonstnären DJ Logic och trumpetaren Michael Ray. ”Jag studerade musik på college och jag har sysslat med jazz”, säger Fuzz. ”Jazz var mer en sak som jag verkligen gillade på egen hand. Jag hade en uppskattning för det och lyssnade på många jazzskivor. Och under de senaste tre eller fyra åren, särskilt under de senaste tre eller fyra åren, har jag verkligen fördjupat mig i det. Så med det här projektet kan jag hylla viss musik som jag verkligen tycker om och sätta mitt eget personliga uttryck i den.”
Enligt trummisen Stanton Moore från New Orleans-baserade Galactic: ”Jambandsgrejen är en etikett som sätts på band som har liknande tillvägagångssätt men inte nödvändigtvis liknande ljud. Om du tar ett band som Greyboy Allstars och ett band som Moe och ett band som Soulive, så är de alla ganska mycket klumpade i jambandskategorin men musikaliskt kan du inte få mycket olika. Men saken är den att alla dessa band åker ut på turné och turnerar obevekligt. De spelas inte så mycket på radion, så de utvecklar en publik genom att turnera, som MMW gjorde. Jag tror att alla dessa band har märkt att det är ett tillvägagångssätt som fungerat, nämligen för Grateful Dead. De stannade kvar på vägarna i åratal och åratal och hade aldrig någon större radiosuccé, men de var bland de största banden någonsin. Så jag tror att hela jambandsgrejen har utvecklats kring band som tycker om att spela live. Och det finns faktiskt många människor som gillar att komma och se det och som inte bryr sig om hur många hits eller hur många guld- eller platinaskivor ett band har. Det handlar om att komma ut och se banden spela live. Det handlar om band som uppträder och experimenterar inför publik och improviserar på en eller annan nivå.”
”Hela jambandscenen är ganska bred”, säger Eric Krasno, 23-årig gitarrist i Soulive. ”Vi är definitivt inte ett hippieband, men vi tilltalar ändå en stor del av den publiken. Vi spelar på Berkshire Mountain Festival tillsammans med Deep Banana Blackout och hiphopband och nya djungelband. I grund och botten är det vi spelar R&B och soul-jazz, men vi är ändå definitivt med i den där jamband-kretsen. Jag antar att den gemensamma grunden är groovefaktorn.”
Med trummisen Alan Evans och hans bror Neal, som spelar B-3-orgel, som förankring, har Soulive odlat en stark följarskara genom sina frekventa framträdanden på jambandscenen – de spelade nyligen en månad på Wetlands i New York på onsdagar – och genom försäljningen av sin ultragrooviga debut-CD, Turn It Out (Velour). Gruppens kommande inspelning innehåller ett gästspel av en av dess största supportrar, gitarristen John Scofield.
Säger Evans, tidigare trummis i Greyboy Allstars, ”Vi är influerade av alla från Jimmy Smith och Groove Holmes till Grant Green och tidiga George Benson. Och ändå gillar ungdomarna oss fortfarande. Det är något med groovet som de kan relatera till. Personligen har jag alltid velat göra den här typen av grupp. Jag minns första gången jag hörde Grant Green och tänkte: ”Yo, det är det. Så det är musik som jag alltid har älskat. Jag växte upp med jazz men jag älskade också Hendrix och James Brown, så det vi gör är en perfekt kombination av .”
”Det som gör det nytt”, tillägger Krasno, ”är att vi växte upp med tillgång till så mycket musik. Vi fick höra Grant Green och Sco göra fusiongrejen, och vi fick också höra reggae och hiphop. Mycket av det vi lyssnade på när vi växte upp var inte nödvändigtvis jazz, så det finns definitivt många olika element blandade i vårt sound. Du kan höra på vår CD att det blir mer rock och blues ibland. Jag använder en wah-pedal och en vocoder-pedal på gitarren i vissa låtar, men samtidigt spelar jag en jazzgitarr med ihålig kropp, så vi kan också gå in i något som låter som en gammal Grant Green-skiva. Men det finns så många andra element där inne och det är det som skiljer oss från att bara slänga på en gammal skiva.”
”Vi utgår från en jazztradition och låter den spegla dagens musikaliska trender”, säger Haas om Jacob Fred Jazz Odyssey. ”Det tillvägagångssätt som vi har valt att ta, och som MMW har valt att ta, är något som jag egentligen inte stöter på alltför ofta, där man kommer till det från en helt improvisatorisk synvinkel. Vilket innebär att man ibland har tur och det är helt rökfritt, och ibland när man improviserar faller man liksom på rumpan. Jag stöter inte på många band som tar den typen av risker, där man bara hoppar upp på scenen och kör. Men med Jacob Fred skulle jag säga att 98 procent av grejerna är helt improviserade. Och med Welcome Home hade vi bara extremt mycket tur. Vi gav oss själva i princip två nätter på en liten klubb i Tulsa för att få det gjort. Och boom – det hände, tack och lov.”
Det Vermont-baserade Jazz Mandolin Project är en annan populär attraktion på jambandscenen. JMP uppfattades till en början av fansen som ett Phish-avknoppningsprojekt, på grund av Phish-trummisen Jon Fishmans närvaro i en tidigare upplaga av trion, men ökade sin jazzkredibilitet avsevärt förra året genom att rekrytera trummisen Ari Hoenig och basisten Chris Dahlgren, båda begåvade unga uppkomlingar på New Yorks livskraftiga jazzscen i centrum av staden. Och även om jazzkopplingen blir ännu tydligare i och med deras senaste signering till Blue Note (de sträcker sig till nya höjder på sin Blue Note-debut, *Xenoblast*), har JMP behållit sin fanbas av jamband.
”Jag har aldrig riktigt gjort något för att främja den kopplingen”, säger mandolinasset och JMP:s grundare Jamie Masefield, ”men det är det som majoriteten av de människor som kommer för att lyssna på oss är – dessa unga bohemiska musikfantaster. Jag känner att vi är så lyckligt lottade att vi har en så stor fanbase, men det är lite märkligt eftersom jag känner att jazzgemenskapen egentligen inte vet att vi existerar ännu. Kanske har de hört talas om oss, men de har hört att det är någon slags hippiegrej, och därför kanske de är avstängda. Men jag hoppas att Blue Note-kopplingen kommer att få jazzfans att vilja kolla in oss.”
I slutändan, oavsett om ett band kommer från Grateful Dead, Phish, P-Funk, Sun Ra eller Mahavishnu Orchestra, handlar det i slutändan om att vara uthållig, att sprida ordet på gräsrotsnivå och att plocka upp konvertiter längs vägen. Som Moore uttrycker det: ”Allt du behöver är fem eller sex villiga killar och en tusen dollar dyr skåpbil och så kan du bara turnera, turnera, turnera. Du fortsätter att göra det och fortsätter att göra det och innan du vet ordet av finns det en syltbandsscen.”
JMP:s Masefield håller med. ”Det är faktiskt en väldigt gammaldags föreställning. Man måste få det att hända där man är och sprida ut sig som tenakler. Ansvaret är ditt eget. Sätt igång. Det är där livet finns. Man sätter sig i skåpbilen och äter på de smutsiga restaurangerna och skaffar sig vänner i varje stad och åker tillbaka sex månader senare och där är man och kan skratta åt den senaste gången man var där … man lever livet. Det är svårt, men om du är gift med musiken och älskar den så är det vad du förhoppningsvis vill göra. Man sätter sig i skåpbilen och kör runt i all oändlighet under en lång tid och startar ”skogsbränder” överallt. Det finns inget annat sätt att göra det än att bara åka ut på vägarna hela tiden.”
Framtiden: MMW Jam Off It?
Ironiskt nog tar gudfäderna för jambandscenen ett rejält avstånd från groovet på sitt nya provocerande Blue Note-album Tonic. Detta djärva akustiska pianotrioprojekt, som spelades in live på den ultrahippa nattklubben med samma namn (där det en gång i tiden låg en kosher vingård på Manhattans Lower East Side), har mer att göra med den spontana förbränningen av Cecil Taylors trio än med hela den jambandscen som de hjälpte till att utveckla.
Medeski, Martin & Wood antyder detta radikala avståndstagande från neogroovet på Latin Shuffle, det enda akustiska spåret på Combustication från 1998. Cecil Taylors inflytande var verkligen uppenbart på den dissonanta utflykten och visade vägen till den mer udda estetik som är Tonic. Med Chris Wood på kontrabas, Billy Martin på trummor och handpercussion och John Medeski på akustiskt piano sträcker de sig intuitivt på abstrakta sätt som kan lämna jambandsfolket förvirrade och aningslösa. Inga funkiga trumslag, inga catchiga, upprepade motiv, inga pulserande, böljande grooves för hippierna att ta tag i här (möjligen med undantag för den Les McCann-smakande souljazzen ”Rise Up” eller det pigga, Ahmad Jamal-liknande numret ”Buster Rides Again”). Men MMW är inte så angelägna om att följa med på hela den där groove-jam-vagnen.
”Jag vet inte, jag rör mig bara framåt”, säger Martin, som verkar vara omedveten om det fenomen som har följt i MMW:s kölvatten. ”Jag är inte medveten om den här jambandscenen och jag tar verkligen inte åt mig äran för alla dessa olika band som inspirerats av oss. Jag är verkligen smickrad att höra hur dessa musiker inspireras av det vi gör. Men jag gör bara det jag gör. Jag rör mig bara framåt.”
Och det som Martin rör sig in i med sina soloprojekt går helt emot groovet. ”Jag utforskar så många saker nu”, säger han med stor entusiasm. ”Jag skriver riktigt annorlunda slagverksmusik. Jag har just avslutat ett stycke som heter ’Strijulations’, som bygger på ljudet av syrsor. Det är i princip alla dessa olika rytmer som spelas av mellan fyra och åtta spelare som skapar detta landskap av mönster. Det är något som jag kommer att ge ut på mitt eget bolag. Jag har också gjort ett stycke för bastrumma och gong som heter ”Black Elk Speaks”. Allt det här som jag arbetar med nu är så långt ifrån den där jambandscenen, och det hjälper mig verkligen att balansera. För missförstå mig inte, jag älskar att groova. Jag älskar att få folk att dansa och jag gillar känslan av att spela sådana grooves med John och Chris. Den scenen är intressant. Men jag behöver den här andra improviserade musiken för att balansera upp det.”
Bassisten Chris Wood ryckte till när jag nämnde för honom att jag arbetade på ett stycke om den jambandscen som MMW hjälpte till att vara pionjär för. Vår intervju började försiktigt:
Jag skulle vilja höra dina kommentarer om alla dessa unga jamband som ser er som förebild för det här med groove.
”Ohmigod!”
Band överallt… Seattle, Tulsa, Montreal… de kallar alla MMW för scenens gudfäder.
”Vilken scen?”
Jambandsscenen.
”Just det.”
Ni är ikonerna, veteranerna på scenen.
”Ohmigod!”
Och det är intressant att ni hjälpte till att vara pionjärer för en hel rörelse utan att egentligen vara medvetna om det.
”Och vi har fortfarande inte en aning. Vi är i vår egen värld, antar jag.”
Men er nya skiva har ingenting att göra med hela den här jambandsgrejen.
”Ingenting alls. Vi försöker hålla oss ett steg före det.”
MMW planerar att göra utvalda spelningar i vår för att marknadsföra den helt akustiska Tonic. Sedan är det tillbaka i studion för att spela in deras nästa fas av funky groove-musik, som ska släppas i slutet av hösten. The beat goes on and on and on…
Starta din kostnadsfria provperiod för att fortsätta läsa
Ursprungligen publicerad den 1 maj 2000.