11 outils matériels et logiciels essentiels pour la production de musique de danse moderne

Depuis la folie du disco il y a 40 ans, la musique de danse est devenue inextricablement liée à la technologie. Par exemple, le piano numérique Roland MKS-20 était le son de piano maison définitif lorsque le genre est né, bien que le Korg M1 l’ait ensuite supplanté.

De même, le Roland Alpha Juno était une composante énorme du son rave des années 90, grâce à son preset « Hoover », qui peut maintenant être recréé avec des softsynths modernes. Pendant ce temps, des instruments tels que le TB-303,-808 et-909 continuent d’être des éléments de base dans les configurations de production de danse et apportent une crédibilité immédiate grâce à leur signature sonore.

Mais à mesure que les styles changent, les nouvelles technologies deviennent essentielles, à la fois pour améliorer le flux de travail et pour s’assurer que vos pistes sonnent légitimes dans le contexte d’un ensemble. Les puristes peuvent soutenir que le synthétiseur que vous utilisez importe peu tant que la musique groove, mais l’histoire nous incite à ne pas être de cet avis.

Par exemple, la supersaw du Roland JP-8000 est devenue un composant tellement nécessaire pour la trance épique et l’EDM que presque tous les synthétiseurs modernes sont maintenant livrés avec leur propre version.

Nous nous concentrons ici sur 11 produits/technologies qui sont devenus essentiels aux créateurs de musique de danse moderne dans une variété de genres populaires. Mais comme les lignes entre les styles sont fluides, nos suggestions de genre ne sont que cela – une recommandation abrégée que nous sommes sûrs que les artistes développeront au fur et à mesure de leur travail.

Hardware

Ableton Push 2

(Image credit : Future)

Considérant que le Push d’Ableton est arrivé quatre ans après la sortie de Maschine Mk I, il est difficile de ne pas établir de comparaisons. Mais alors que Maschine a commencé comme un plug-in qui s’est étendu au séquençage et à la production, Push a été conçu dès le départ pour être un contrôleur matériel pour la myriade de composants du DAW immensément populaire d’Ableton, Live.

L’écran LCD à base de caractères du premier Push rappelait la MPC originale, ce qui ne devrait pas surprendre puisque le matériel était en fait une collaboration entre Ableton et Akai. Deux ans plus tard, Ableton a amicalement apporté le matériel Push 2 en interne, mettant à jour l’écran vers un OLED centré sur le graphique qui permettait aux utilisateurs d’échantillonner, d’éditer les formes d’onde et d’ajuster les effets ou les synthés d’une manière beaucoup plus cohérente.

En plus de son énorme grille 8×8 de pads sensibles à la vélocité et à la pression, l’un des aspects les plus convaincants du Push est qu’il peut être utilisé pour contrôler presque tous les aspects du flux de travail de Live, sans beaucoup de menus obscurs et de recherche de paramètres. L’attention d’Ableton pour les interfaces utilisateur transparentes brille avec Push, ce qui explique pourquoi il trouve sa place dans les rigs non basés sur la musique de danse, aussi.

Bien que Push puisse s’intégrer avec n’importe quel plug-in compatible avec Live, l’une de ses utilisations les plus populaires est de servir de contrôleur matériel pour l’emblématique softsynth d’Ableton, Operator : Ce synthé a son propre culte en tant que partie essentielle d’innombrables pistes techno, du son précoce de Skrillex, et maintenant du trap et du hip hop.

Bien sûr, tout dans Ableton Live peut être exploité via Push, souvent sans même jeter un coup d’œil à l’écran de votre ordinateur. Cela en fait bien plus qu’un simple contrôleur.

Korg Volcas

(Image credit : Korg)

Alors que le Minilogue et le Monologue deviennent rapidement des piliers des rigs de production dance, ce sont les Volcas qui ont trouvé leur place dans le cœur des producteurs techno, dans le monde entier.

L’idée du concepteur de synthétiseurs prodige Tatsuya Takahashi, la série a démarré fin 2013 avec le trio du Volca Beats lo-fi, du Volca Bass semblable à une 303 et du Volca Keys paraphonique, doté de véritables oscillateurs et filtres analogiques ainsi que d’une synchronisation basée sur le voltage, ce qui facilite le verrouillage correct des grooves. En plus de capter une adhésion immédiate auprès de la scène techno, la combinaison du prix abordable et de l’accès facile aux composants internes a fait des Volcas un succès auprès de la foule de circuit-bending, qui a immédiatement mis à niveau les Volca Beats avec un snare plus claquant.

Le succès du trio d’origine a conduit à trois autres unités, le Volca Sample (un hommage lâche à la MPC), le Volca FM (qui présentait une compatibilité avec les présélections DX7) et le Volca Kick, qui est probablement le meilleur générateur de kick trap analogique sur le marché à l’heure actuelle.

Comme le matériel modulaire Eurorack, le caractère abordable de la série Volca permet aux producteurs de prendre chacun d’entre eux avec l’argent de la bière de rechange tous les quelques mois et d’étendre leurs rigs au fil du temps. Combiné avec l’application SyncKontrol de Korg compatible avec Ableton Link, il est même possible de tout verrouiller avec les rigs DJ Ableton Live et les jams iOS impromptues.

Moog Music Sub 37

(Image credit : Moog)

Quand Deadmau5 a explosé sur la scène en 2007, la plus grande question des producteurs était de savoir comment obtenir ses sons massifs de plomb et de basse électro. Réponse courte : C’est un Moog ; plus précisément, le Voyager.

Mais vous pouvez également obtenir « ce son » à partir d’un Sub 37. Pour beaucoup, il est en fait préférable au Voyage en raison de ses commodités de modulation tout à fait modernes telles que les doubles LFO, les enveloppes de bouclage, le multidrive mis à jour et un séquenceur/arpégiateur intelligemment conçu – tous ces éléments sont disponibles à partir d’un panneau avant à boutons par fonction qui supplie d’être touché.

Bien que le Sub 37 excelle dans les sons électro monstrueux, il développe rapidement une suite parmi les artistes techno avec sa capacité innée à sonner sale, mélangée à ses options de modulation inhabituelles. En fait, du point de vue de la production, vous ne pouvez intégrer qu’une ou deux parties de Moog dans une piste car elles dominent la plupart des autres éléments. Cela peut rendre les mixages denses un peu difficiles. Mais ce n’est pas grave car il est tout à fait possible de baser un morceau à succès sur deux parties de Moog. Il suffit de demander à Deadmau5.

Il convient également de noter que le son Moog original a défini le funk des années 70 et 80, de sorte que le Sub 37 est tout à fait à l’aise sur les basses et les leads pour le R&B rétro, le trap et le hip-hop. Pour cette raison, les producteurs avisés ayant une oreille pour la soul incluront presque toujours un Moog dans leur rig.

Native Instruments Maschine

(Image credit : Native Instruments)

Ce n’est pas un énorme saut d’imagination que de suggérer que le succès imparable de la série MPC d’Akai a inspiré Native Instruments à développer Maschine, un système hybride composé d’un contrôleur à base de pad qui fonctionne en conjonction avec l’énorme gamme de synthés et d’échantillonneurs logiciels de NI.

L’objectif initial de Maschine, comme la MPC, était carrément axé sur l’échantillonnage logiciel et le séquençage de motifs, incorporant des éléments de la suite logicielle Komplete du développeur. En 2012, Maschine Mk II est arrivé, avec un nouveau moteur audio, un séquençage avancé, et une intégration beaucoup plus profonde avec le bundle Komplete de NI. À ce moment-là, Maschine s’est imposé comme un outil de composition et de production intégré pour presque tous les types de musique électronique – basée sur la danse ou autre.

Bien qu’une analyse exhaustive de Komplete dépasse le cadre de cette fonctionnalité, l’intégration de Maschine avec Massive de NI ne peut être sous-estimée. En tant que softsynth, Massive a dominé l’évolution précoce de genres tels que le progressif/EDM et le dubstep. Encore aujourd’hui, Massive est un composant essentiel de nombreux styles big-room, plus que certaines offres plus complexes de NI comme Absynth et Reaktor.

Cela dit, il est difficile de singulariser des softsynths individuels dans le catalogue de produits Native Instruments comme des outils pour des genres spécifiques. Ils font tous partie intégrante de l’univers actuel de la production de musique de danse. Et pour de nombreux producteurs, Maschine est la colle qui les relie.

Novation Peak

(Image credit : Novation)

Pour un synthé qui a à peine commencé à être expédié, le buzz de Novation Peak dans le monde de la danse – en particulier le progressif et la trance – est étonnant. Et malgré le succès bien ancré de la BassStation II sur la scène britannique, nous avons le sentiment que le Peak va trouver sa place dans encore plus de configurations de production, grâce à son approche révolutionnaire de la conception des oscillateurs.

Désignés sous le nom de NCO (oscillateurs à commande numérique), les DAC des oscillateurs du Peak fonctionnent à 24 MHz (24 millions de fois par seconde), oblitérant théoriquement toute forme d’aliasing et virant dans la « pureté » sonore des oscillateurs analogiques. Ces trois NCO offrent des formes d’onde standard, une synthèse à table d’onde et une modulation croisée, et ils sont suivis d’un filtre multimode analogique approprié, ainsi que de trois points de distorsion analogiques dans la chaîne du signal.

Les spécifications de pointe mises à part, les caractéristiques de Peak combinées à la street cred de Novation garantissent virtuellement que ce synthé va être une grande partie des gearheads avant-gardistes, surtout grâce à un panneau avant festonné de boutons et de faders.

Roland AIRA/Boutiques

(Crédit image : Roland)

Si le System-8 est le vaisseau-mère de la ligne AIRA pour les artistes qui ont besoin de tout avoir en un seul endroit (et le TR-8 cloue le son de la trap centrée sur les 808), la ligne Boutique de Roland et le AIRA System-1 sont devenus des modules de référence pour les artistes qui veulent des sons extrêmement spécifiques sans les dépenses et les tracas liés à l’acquisition d’unités vintage.

Par exemple, le System-1 offre des superwaves pour des leads massifs de festival, mais il peut aussi se doubler d’un clone SH-101 note-perfect si vous recherchez le son rave du début des années 90. En parlant de raves, leur nouveau TB-03 est sans doute le meilleur clone matériel de la 303 pour l’acid house et la techno, et sa distorsion et son delay/reverb intégrés vous évitent de trimballer des pédales de guitare comme à l’époque.

Pour capturer les timbres du populaire Juno-106, Roland a ajouté le JU-06 à son écurie de synthés Boutique. C’est parce que le Juno-106 n’était pas seulement essentiel à l’électropop des années 80, sa saveur a contribué à définir les premières scènes house et techno des années 90. Il s’agissait essentiellement d’un SH-101 polyphonique doté d’un chorus luxuriant, et sa spécialité reste les pads vintage, ainsi qu’un lead occasionnel infusé de bruit. Accessoirement, le sub-oscillateur et la résonance juteuse du Juno ont trouvé leur place dans de nombreux morceaux de funk et de R&B des années 80, donc il a de l’âme, aussi.

L’AIRA TR-8 comprend un éventail de sons 909 légitimes en plus de ses 808 (et 707 en option), mais le Boutique TR-09 lui a volé un peu de son tonnerre – surtout pour les fans de house classique des années 90, qui nécessite des kick, snare, hats et cymbales 909 pour l’authenticité. Il est intéressant de noter que les toms 909 sont facilement identifiables dans la techno précoce, et que le kick 909 est au hardstyle ce que le kick 808 est à la trap.

Pour compléter les Boutiques, les JP-08 et VP-03 sont taillés sur mesure pour la synthwave, car les originaux ont été utilisés par des légions d’actes de synthpop dans les années 1980. Basés sur le Jupiter-8, les presets du JP-08 se lisent comme un hit-parade de sons new wave essentiels, tandis que le vocodeur du VP-03 évoque à la fois Laurie Anderson et Daft Punk.

Une autre grande caractéristique des synthés de la série Boutique est leur compatibilité avec presque toutes les normes de synthé pertinentes, y compris les triggers de tension et CV/gate (sur le TR-09 et le TB-03, respectivement), ainsi que DIN MIDI et USB audio/MIDI sur toutes les unités. Avec un peu d’ajustement de latence du côté audio, vous pouvez même synchroniser leurs séquenceurs intégrés via USB à un logiciel DJ compatible si vous vous sentez ambitieux.

– Les 18 meilleurs synthétiseurs 2020 : claviers, modules et synthés semi-modulaires
– Les meilleurs plugins VST 2020 : les meilleurs synthés, boîtes à rythmes, échantillonneurs et plugins d’effets que vous pouvez acheter dès maintenant

Les logiciels

Korg M1 Legacy Edition

(Crédit image : Korg)

Selon de nombreux témoignages, le Korg M1 (et ses successeurs apparentés) a vendu plus d’unités que tout autre synthétiseur matériel, y compris le DX7 et le Minimoog. En conséquence, son son est fermement ancré dans la fibre de la pop des années 90 et plus particulièrement de la house music de cette époque. Donc, si vous voulez être reconnu dans le monde de la production de house classique et profonde, vous avez besoin de ce son de piano (Piano 16′) et de ces orgues (Organ 2 et Organ 4). Oui, vous pouvez utiliser d’autres synthés, mais cela ne sonnera tout simplement pas « juste ». »

Et si vous êtes dans d’autres genres de danse des années 90, en parcourant les presets du M1, vous trouverez pas mal de sons instantanément identifiables de cette époque, comme le chœur, Lore (une ambiance semblable à une pluie) et Pole (un mât de drapeau frappé qui est parfait pour les claquements métalliques vintage). Du côté des percussions, les claquements de doigts du M1 sont apparus dans pas mal de morceaux de deep house également.

Se déplacer sur un M1 matériel original était un peu une corvée, avec son écran LCD à deux lignes, mais heureusement son essence est toujours disponible dans deux saveurs logicielles avec des interfaces graphiques faciles : La Legacy Collection de Korg (VST, AU et RTAS) et l’iM1 pour iOS. Les deux sont vendus à moins de 50 $ et la version iOS s’intègre directement dans Korg Gadget si c’est votre studio mobile de prédilection.

Lennar Digital Sylenth1

(Image credit : Lennar Digital)

Pour la première fois en 2007, Sylenth1 a connu un succès mondial instantané auprès de la scène trance, mais ses adeptes ont rapidement dépassé ce marché, grâce à ses oscillateurs analogiques virtuels propres avec un anticrénelage impressionnant. Mieux encore, il est extrêmement léger en termes d’utilisation du CPU. Ces deux caractéristiques ont contribué à propulser Sylenth1 au-delà de la scène trance et dans les DAW des producteurs d’un large éventail de genres dance, y compris les morceaux synthwave modernes. Une raison particulière est que ses outils de synthèse simples sont améliorés par une approche intégrée de la superposition.

Essentiellement, chaque preset Sylenth1 peut se composer de deux synthés analogiques virtuels avec des caractéristiques classiques et familières et un son remarquablement chaud. Les nouveaux venus peuvent rapidement se plonger dans les doubles couches sans se sentir perdus dans les options de modulation et de tables d’ondes, ce qui se prête à un flux de travail rapide. Les utilisateurs plus avancés peuvent bricoler avec les routages de filtre, qui vous permettent d’alimenter la sortie des oscillateurs de l’une des couches dans le filtre de l’autre ou de les combiner tous pour des effets de filtrage inhabituels. À partir de là, Sylenth1 offre un éventail d’effets utiles, y compris un compresseur percutant qui constitue une grande partie de son identité sonore, même aujourd’hui.

Une autre caractéristique de fan est un arpégiateur qui intègre intelligemment un séquenceur à pas d’une barre en option, faisant un travail léger de tout, des riffs 303 de type acide aux motifs vintage de Giorgio Moroder. De nos jours, il y a un assortiment infini d’alternatives, mais la base de fans de Sylenth1 reste engagée pour une raison : il sonne bien, va doucement sur le CPU, et ne vous submerge pas avec des options.

Reveal Sound Spire

(Crédit image : Reveal Sound)

Spire peut sembler « underground » aux États-Unis, mais outre-Atlantique, il a un public enthousiaste parmi les groupes de trance emblématiques tels que Dash Berlin, Armin van Buuren et Ferry Corsten. D’une part, il est fortement inspiré par quelques synthés plus populaires de cette liste, mais son son est décidément plus numérique et plus énervé que ses ancêtres, donc finalement cela devient une question de goût.

En parcourant les presets, il est immédiatement évident que Spire n’essaie pas de sonner analogique ou anti-aliasé. En conséquence, la collection d’usine est pleine de textures numériques dures et in-your-face qui coupent à travers les mixages big-room sans aucune honte. En fait, si vous êtes un aficionado de la trance ou du hardstyle, vous pouvez même entendre quelques patches familiers d’innombrables festivals.

Si vous êtes un fan de ce son arène européen dur, la conception de patches originaux dans Spire vous occupera pendant très longtemps : Il propose quatre oscillateurs (chacun offrant plusieurs types de synthèse, y compris des tables d’ondes prédéfinies), des filtres multimodes doubles, des options de modulation étendues et une section multi-effets lumineuse. Bien que tout cela puisse sembler exagéré, les résultats finaux clouent les ingrédients des genres qui s’appuient sur son son.

Spectrasonics Omnisphere 2

(Image credit : Spectrasonics)

L’Omnisphere 2 a une relation intéressante avec la musique de danse. Conçu par le légendaire programmeur Eric Persing – un homme qui a sans doute défini le concept moderne de « Rockstar Sound Designer » – les utilisateurs d’origine d’Omnisphere se composaient en grande partie de connaisseurs de la synthèse, de compositeurs de bandes sonores et de musiciens électroniques avant-gardistes. Soyons francs, les fonctionnalités de l’Omnisphere sont non seulement profondes mais aussi intimidantes, car elles combinent une vaste collection de superbes instruments échantillonnés, la synthèse granulaire et à table d’ondes, la FM, huit arpégiateurs simultanés et jusqu’à 10 sources de sons par voix. Ce synthé n’est pas pour les peureux.

Mais grâce à un marché en croissance rapide pour les bibliothèques de présélections qui sont adaptées à des genres de danse spécifiques – et la possibilité d’importer votre propre audio original dans son moteur de synthèse – l’Omnisphere s’insinue maintenant dans presque tous les genres modernes qui dépendent de sons radicaux « comment ont-ils fait ça ».

Bien qu’il y ait toujours eu une base de fans avec les irréductibles du progressif et de la trance grâce à son énorme collection de pads luxuriants et de stabs durs, la future house et la trap embrassent maintenant Omnisphere de manière importante.

Xfer Serum

(Crédit image : Xfer Records)

Comme Ableton Live, Serum est l’un de ces rares outils qui vous permet de faire à peu près tout ce à quoi vous pouvez penser, sans vous forcer à naviguer dans une interface indisciplinée ou encombrée, ce qui explique pourquoi il a instantanément attiré l’attention de tous lorsqu’il est arrivé il y a près de trois ans. (Divulgation complète : j’ai conçu plusieurs packs de presets pour Xfer, en grande partie parce que j’adore travailler avec Serum.)

Pour commencer, ses oscillateurs à double table d’ondes n’ont pas d’aliasing audible (un truc difficile à réaliser ) et offrent une énorme gamme d’options de presets. Et quand il s’agit de créer vos propres tables d’ondes (via une gamme incroyable de méthodes), le processus est absolument sans douleur. Serum vous permet même de glisser et de déposer des fichiers audio pour la conversion des tables d’ondes, et si vous avez fait un tout petit peu de planification préalable, l’audio importé se transformera instantanément en quelque chose d’utile.

En ce qui concerne le filtrage, Serum comprend près de 100 options couvrant tout, du fare multimode standard aux types exotiques de ring-mod et de réverbération. Enfin, vous pouvez intégrer vos propres échantillons audio originaux en les faisant glisser et en les déposant sur le générateur de bruit, où ils peuvent être accordés et acheminés vers le filtre, puis superposés avec les deux oscillateurs et un sub-oscillateur flexible.

Naturellement, Serum offre une modulation et des effets étendus, mais grâce au passé de professeur du concepteur Steve Duda, les quatre enveloppes graphiques et les huit LFO affichent tous exactement ce qui se passe chaque fois que vous frappez une touche. De plus, presque tout peut être modulé par simple glisser-déposer d’éléments, ce qui ressemble un peu au branchement de câbles de patch. Et si vous modulez quelque chose comme la coupure du filtre, sa courbe se déplacera également en synchronisation.

Lorsqu’il a été introduit pour la première fois, Serum a rapidement trouvé des adeptes parmi les producteurs de dubstep et d’EDM, mais au fur et à mesure que le mot de ses capacités se répandait, il est devenu une partie importante des scènes trap, future bass et synthwave. Mieux encore, si vous avez un compte Splice.com, vous pouvez louer Serum pour 10 dollars par mois. Ça aussi, c’est révolutionnaire.

Nouvelles récentes

{{Nom de l’article }}

.

Laisser un commentaire

Votre adresse e-mail ne sera pas publiée.