Lorsque le terme « Americana » a été inclus dans le prestigieux dictionnaire Merriam-Webster en 2011, le directeur exécutif de l’Americana Music Association, Jed Hilly, a plaisanté en disant qu’ils vendraient des T-shirts portant le mot, ainsi que la ligne d’accroche « Cherchez-le ! ». « C’est encore un peu hors du radar », a ajouté Hilly, « parce que nous ne sommes pas super commerciaux. »
Dans les cinq années qui ont suivi, le paysage musical s’est transformé, la musique Americana devenant bona fide hot property. Le disque Americana de Chris Stapleton, Traveller, a été le septième album le plus vendu de 2016, avec des ventes atteignant près d’un million et demi d’exemplaires, ce qui le place juste derrière les disques des mégastars pop Adele, Beyoncé et Rihanna.
Merriam-Webster définit la musique Americana comme « un genre de musique américaine ayant des racines dans la musique folk et country ancienne ». Le panorama de ces racines est large, englobant la country et le western, les Appalaches, le gospel, le roots-rock, le folk, le bluegrass, le R&B et le blues. Les groupes d’Americana sont généralement construits autour d’instruments acoustiques, mais peuvent comporter un groupe électrique complet.
Les premiers musiciens folk et gospel ont façonné le terrain pour la musique country et Americana, mais certains des plans modernes sont venus du mouvement Western swing des années 20 et 30, et de son talisman, Bob Wills, dont la musique typiquement texane a gagné une popularité nationale dans les années 30. L’air caractéristique de Wills et de ses Texas Playboys, « San Antonio Rose », a été repris des centaines de fois, par tout le monde, de John Denver à Clint Eastwood. Wills a eu une influence directe sur Willie Nelson et a contribué à façonner sa vision inclusive de la musique.
Nelson a rendu un hommage complet à Wills et a également reconnu une dette plus importante envers l’un des véritables pionniers de la musique : Hank Williams. Williams, qui n’avait que 29 ans lorsqu’il est décédé, le 1er janvier 1953, a mis tant de choses dans sa courte vie, notamment les 29 tubes qu’il a enregistrés, tels que « Hey, Good Lookin », « Why Don’t You Love Me ? » et « Long Gone Lonesome Blues ». Il a été reconnu comme un guide par la Smithsonian Institution en 1999, lorsque son tout premier forum sur la musique country – A Tribute To Hank Williams – a rendu hommage à cette icône énigmatique et à ce qu’il avait fait pour créer les fondements de la musique country moderne.
Comme beaucoup de musiciens d’avant-guerre, Williams a appris à chanter dans une chorale d’église (en Alabama) et sa musique a synthétisé les styles musicaux de son environnement du Sud profond – le swing occidental, la musique de montagne des Appalaches, le honky-tonk, le country blues et le gospel. Mais c’est son don remarquable pour écrire des chansons narratives confessionnelles déchirantes, comme « Lovesick Blues », qui l’a distingué comme un artisan de la chanson suprêmement talentueux.
Williams a été l’un des premiers auteurs-compositeurs-interprètes américains à exprimer, dans des paroles directes et élégiaques, les émotions personnelles intenses, les rêves et les peines de cœur, des gens ordinaires. Leonard Cohen a qualifié son écriture de « sublime », et Bob Dylan a déclaré : « Les chansons de Hank étaient l’archétype des règles de l’écriture poétique. » L’œuvre de Williams a été reprise par des artistes aussi divers que Louis Armstrong, Elvis Presley et Al Green.
Williams a inspiré des légions de musiciens : des légendes de la country comme Johnny Cash, qui a enregistré un album entier en hommage à l’icône ; des chanteurs comme George Jones ; des forces créatives comme Gram Parsons ; et même des stars du rock moderne comme Beck, Keith Richards et Tom Petty. Lorsque Ryan Adams et les autres stars de la country des années 80 et 90 ont trouvé leur voie, ils se sont à nouveau tournés vers l’homme capable d’écrire un chef-d’œuvre tel que « I’m So Lonesome I Could Cry ». Lucinda Williams a déclaré : « J’écoutais Hank depuis aussi loin que je me souvienne. Sa musique est l’une des premières auxquelles j’ai été exposée. »
Buveur invétéré et franc-parleur, Williams était peut-être le premier rebelle de la country, un trait de caractère imité par les stars autoproclamées de la country outlaw des années 70 qui ont apporté une partie de l’attitude rebelle de la musique punk dans le courant dominant de la country. Hank Williams était l’Americana 70 ans avant que le mot ne devienne populaire.
La musique change quand les genres se heurtent, et un autre homme qui était en avance sur son temps en rassemblant différents courants musicaux était Ingram Cecil Connor III, qui a pris le nom de scène Gram Parsons. Né en Floride, Parsons était un grand fan d’Elvis Presley dans son enfance et a formé son premier groupe, The Pacers, à la Bolles High School de Jacksonville au début des années 60. Luke Lewis, un de ses camarades de classe, qui est devenu par la suite président d’Universal Music Nashville, a déclaré que l’écoute de l’album Modern Sounds In Country And Western Music de Ray Charles, sorti en 1962, qui est en soi un exemple glorieux des débuts de la musique Americana, a eu une énorme influence sur eux deux. « C’était probablement la première fois que l’un de nous deux avait une idée de la musique country », a déclaré Lewis, qui a ensuite enregistré Ryan Adams, Lucinda Williams et Johnny Cash.
Parsons a eu son premier véritable impact avec The Byrds, pour qui il a écrit l’indémodable « Hickory Wind ». Il a joué un rôle central dans leur album phare Sweetheart Of The Rodeo, avant de partir avec Chris Hillman, en 1969, pour former The Flying Burrito Brothers. Les Flying Burrito Brothers, qui jouaient un mélange de musique country traditionnelle et de rock, ont contribué à créer ce qu’on a appelé la « Cosmic American Music » avec leurs deux premiers albums, The Gilded Palace Of Sin et Burrito Deluxe. « Le plus grand héritage des Flying Burrito Brothers et de Gram est que nous étions le groupe de country alternatif. On ne pouvait pas passer sur les radios country ni sur les radios rock. Nous étions le groupe de country outlaw pendant une brève période », a déclaré Hillman.
Les Flying Burrito Brothers ont lié des inflexions country, rock’n’roll, R&B, folk et soul, et Parsons a acquis beaucoup de confiance en créant quelque chose d’aussi puissant. À l’époque, Parsons saisit avec enthousiasme toutes les occasions de se développer musicalement. Au cours de l’été 1971, il s’est installé dans le sud de la France, où il a vécu pendant une courte période à la Villa Nellcôte en tant qu’invité de son ami Keith Richards, à l’époque où les Rolling Stones travaillaient sur leur album classique Exile On Main St.
Parsons a joué de la musique country avec Richards et a appris à élargir ses propres horizons ; les Stones ont laissé les Burritos enregistrer la chanson ‘Wild Horses’ avant même que leur propre version ne soit sortie. Mick Jagger et le groupe ont fortement influencé la décision de Parsons de se lancer en solo. « J’avais juste le sentiment que cet homme était sur le point de sortir quelque chose de remarquable », a déclaré Richards.
Ses albums solo, GP et Grievous Angel, étaient en effet remarquables et ont contribué à lancer la carrière de la cochante Emmylou Harris. Cette dernière, émerveillée par les connaissances de Parsons en matière de musique country, a déclaré : » J’apprenais toutes ces chansons country. J’étais comme une convertie religieuse. Je n’en avais jamais assez. »
Hillman pense qu’avec des chansons comme ‘Sweetheart Of The Rodeo’, Parsons a « ouvert les vannes » aux booms country-rock, country alternatif et Americana qui ont suivi. Parsons lui-même pensait que la musique était soit bonne, soit mauvaise, et qu’il ne fallait pas trop se préoccuper « d’étiqueter et de définir » les types de musique. Sa mort prématurée, à 26 ans, en 1973, a privé le monde d’un musicien pionnier, mais son influence – dans le travail d’autres musiciens et à travers le travail de la Gram Parsons Foundation – plane sur la musique Americana qui a suivi. Les premiers travaux de Ryan Adams ou de Jeff Tweedy de Wilco montrent clairement l’influence de chansons telles que « Sin City » et « One Hundred Years from Now ».
Au moment où Parsons apprenait à connaître Hank Williams, The Band – Robbie Robertson, Levon Helm, Garth Hudson, Richard Manuel et Rick Danko – se faisait les dents sous le nom de The Hawks. Ils ont commencé comme groupe d’accompagnement du chanteur de rockabilly Ronnie Hawkins, mais ils ont rapidement commencé à tracer leur propre voie et à prendre une importance que les premiers fans des Hawks auraient eu du mal à prévoir. Robertson a déclaré : « En tant que The Band, nous nous sommes mis à jouer la musique que nous avions recueillie au cours de toute cette expérience. Nous prenions un peu de gospel d’ici, un peu de musique de montagne de là-bas, un peu de blues du Delta ici, un peu de blues de Chicago là. »
La tournée 1965-66 de The Band avec Bob Dylan a été l’une des tournées les plus changeantes et les plus infâmes de l’histoire de la musique, alors que la controverse a éclaté sur la décision de Dylan de lancer la musique folk dans l’ère électrique. Le Band était heureux de déployer ses ailes musicales et de jouer son propre rôle dans l’évolution de la musique américaine. Des décennies plus tard, Robertson confie : « Les gens disaient : ‘Vous êtes de l’Americana’. Et moi, je répondais : ‘Nous venons du Canada. Nous sommes « NorthAmericana, peut-être… »‘ Je ne suis toujours pas sûr de savoir ce que c’est. »
Leur marque de « North Americana » impliquait les évocations pastorales subtiles et émouvantes d’un groupe canadien de la mythologie sud-américaine dans des classiques des temps modernes tels que « Up On Cripple Creek », « The Weight » et « The Night They Drove Old Dixie Down ».
Le Band disposait des talents de compositeur superlatifs de Robertson, de la voix soul de Helm et de la dextérité musicale du claviériste Hudson. Leur premier album, Music From Big Pink, sorti en 1968, a poussé d’autres musiciens, dont Eric Clapton et Grateful Dead, vers un son plus roots. Avec le célèbre concert filmé par Martin Scorsese et surnommé The Last Waltz, le groupe a brillamment soutenu des artistes comme Van Morrison, Joni Mitchell, Muddy Waters et Neil Diamond, montrant qu’il pouvait jouer n’importe quoi avec n’importe qui.
Lorsque Clapton les a entendus pour la première fois, à la fin des années 60, ce fut un tournant dans sa désillusion avec Cream. Tout comme The Band avait réagi contre le psychédélisme avec un son de retour aux sources, Clapton a formé Blind Faith comme mouvement de contrecoup, avant d’explorer davantage l’Americana dans son travail avec Derek And The Dominos, qui comprenait Duane Allman à la guitare slide.
En 2017, Clapton a déclaré à un public du Festival international du film de Toronto : « On m’a donné un acétate de Music From Big Pink en Angleterre et ça m’a secoué au plus profond de moi-même. J’étais dans Cream à l’époque, déjà avec l’idée que ça n’allait pas dans la bonne direction, et je me suis dit, voilà ce que c’est. Je savais qui était Robbie Robertson mais je n’avais pas réalisé que c’était leur groupe. Je pensais qu’ils étaient juste apparus. Je pensais qu’ils venaient tous du delta du Mississippi… ils étaient de magnifiques héros pour moi. Je suis allé jammer avec eux et ils m’ont dit : « On ne jamme pas, on écrit des chansons et on les joue ». Je me suis dit : ‘Mon Dieu, ces gars-là sont vraiment sérieux' »
La roue est presque bouclée en 1999, lorsque Helm enregistre l’album live Ramble At the Ryman’ dans le cadre de l’Americana Music Festival And Conference, une reconnaissance de son influence sur l’Americana et de la façon dont The Band a directement inspiré des musiciens comme Ryan Adams, Lee Ann Womack, Rosanne Cash et The Allman Brothers Band.
Comme nous l’avons vu, les icônes de l’Americana remontent aux pères et mères fondateurs de la musique country, des titans comme Bob Wills, Hank Williams, Woody Guthrie et Patsy Cline. Mais dans les années 70 et 80, un groupe de grands noms modernes a décidé de créer son propre héritage. Il y a eu des individus talentueux qui ont labouré leurs propres champs – notamment Guy Clark, Glen Campbell, Don Williams, Dolly Parton, John Prine et Alan Jackson – mais ce qui se rapproche le plus d’un supergroupe Americana est apparu en 1984. Willie Nelson, qui était alors un vétéran de la scène des auteurs-compositeurs de Nashville et qui avait percé pour devenir l’un des musiciens les plus distinctifs de l’ère moderne, est devenu le catalyseur d’une nouvelle direction dans la musique country lorsqu’il a aidé à persuader les autres grands de la country, Johnny Cash, Waylon Jennings et Kris Kristofferson, de se regrouper en tant que « outlaws ».
Ils se sont appelés The Highwaymen (reprenant le nom d’une chanson de Jimmy Webb) et ont rendu hommage aux héros du passé en reprenant des chansons de Woody Guthrie et Hank Williams. Les Highwaymen ont souvent été qualifiés de « Mont Rushmore de la musique country », ce qui a fait dire à Emmylou Harris « qu’ils devraient être là-haut, sur le gros rocher, avec les présidents ». Leur influence était énorme et les liens se poursuivent : Le guitariste d’acier des Highwaymen, Robby Turner, travaille maintenant avec Chris Stapleton.
Pendant la période où les Highwaymen étaient actifs (1984 à 1995), une nouvelle forme de musique Americana a commencé à se développer. Tout comme The Band avait réagi aux tendances dominantes de la musique populaire en les transcendant avec leurs propres chansons et leur propre style d’interprétation, les musiciens qui ont incarné le boom de l’alt.country à la fin des années 80 et dans les années 90 ont considéré qu’ils défiaient l’establishment dominant de la musique country. Comme l’a dit Lucinda Williams : « Je ne me sens absolument pas partie prenante de ce que j’appelle l’industrie de la musique country plus stricte de Nashville. »
Steve Earle, qui a réalisé un quatuor d’albums brillants entre 1986 et 1990 (Guitar Town, Exit 0, Copperhead Road et The Hard Way) était une âme sœur de Williams, et tous deux faisaient partie de ce que l’on a également appelé le boom de la « country insurgée » de la fin des années 80, avec des stars montantes comme Rodney Crowell et Del McCoury. Copperhead Road est l’album qui a vraiment fait connaître Earle à un public européen de plus en plus nombreux. La chanson-titre est un grand récit narratif sur un fumiste qui change sa base de produits pour faire pousser quelque chose de plus parfumé, et a démontré que l’écriture des chansons de Earle avait la puissance narrative des auteurs de l’ancien temps comme Woody Guthrie, Lefty Frizzell et Hank Snow.
Earle a déclaré que, bien que lui et Lucinda Williams aient été surnommés « les nouveaux hors-la-loi », le cœur de ce qu’ils faisaient était de faire un type de musique différent, plutôt que la rébellion sociale. « Il ne s’agissait pas des drogues que nous prenions et des ennuis dans lesquels nous nous mettions à l’époque », a déclaré Earle, « il s’agissait de liberté artistique. »
Guitar Town est sorti en 1986, la même année que kd lang, Dwight Yoakam et Lyle Lovett, avec son merveilleux premier album éponyme, chez MCA, ont émergé. Lovett a déclaré : « À cette époque, beaucoup de choses que l’on ne considérerait pas comme des signatures traditionnelles de Nashville ont été signées. On voyait des gens qui avaient la chance de faire un disque, et c’est quelque chose de très cool. »
Le groupe The Jayhawks, basé au Minnesota, dont les harmonies et le son twang-rock ont établi une partie du plan directeur de la musique Americana moderne, a également sorti son premier album en 1986 et il a rapidement acquis une forte audience en Europe. Lorsque Ryan Adams a commencé à faire de la musique Americana avec le groupe Whiskeytown, il a déclaré avoir réalisé que d’autres personnes étaient « branchées Gram Parsons » et a cité The Jayhawks comme une influence. Whiskeytown a été formé en 1994, en Caroline du Nord, et a fait trois albums studio avant qu’Adams ne parte en 2000 pour lancer sa carrière solo et se lancer dans tant de directions musicales intéressantes.
Lucinda Williams a sorti quelques albums dans les années 80 mais, après une longue période de relative obscurité, elle a capté l’attention du monde de la musique avec son superbe album de 1998 Car Wheels On A Gravel Road, son premier disque à être certifié or. L’album contient une série de chansons émouvantes et envoûtantes qui sont aussi pertinentes au 21e siècle qu’à l’époque où elles ont été enregistrées. Williams, qui a ensuite réalisé d’autres excellents albums, tels que Essence et Blessed, a déclaré à propos de Car Wheels… : « Je ne voulais pas refaire le même album. J’essayais d’aller chercher un certain son vocal que j’avais l’impression de n’avoir encore obtenu sur aucun de mes albums jusqu’à ce moment-là. »
Ce n’est peut-être pas une coïncidence si Joni Mitchell a donné une interview l’année de la sortie de l’album dans laquelle elle a déclaré : « J’avais l’habitude d’être monastique, presque. Maintenant, je suis comme un Tibétain qui a découvert les hamburgers et la télévision. Je rattrape mon retard en matière d’Americana. »
Williams fait partie d’un fantastique héritage de femmes auteurs-compositeurs-interprètes d’Americana qui ont écrit certains des textes les plus puissants de la musique country moderne. Dans la lignée de grands noms comme Kitty Wells, June Carter Cash, Dolly Parton, Loretta Lynn, Patsy Cline, Bonnie Raitt, Linda Ronstadt et Emmylou Harris, les années 80 et 90 ont vu l’émergence d’un certain nombre d’artistes féminines formidables de l’Americana, dont Reba McIntyre, Mary Chapin Carpenter, Julie Miller, Mary Gauthier et Abigail Washburn. L’une des plus distinctives était Nanci Griffith, une poète en chanson, qui était aussi sûre d’elle en écrivant ses propres compositions qu’en interprétant les paroles d’autres auteurs de chansons Americana de qualité, comme Robert Earl Keen et Tom Russell.
La tendance au talent féminin s’est poursuivie dans les années 90, lorsque des interprètes innovantes comme Gretchen Peters, Iris DeMent, Sheryl Crow, Rita Hosking, Dar Williams, Lee Ann Womack, Lori McKenna, Ani DiFranco et Gillian Welch ont commencé à faire des albums aussi formidables.
L’un des auteurs-compositeurs les plus prometteurs de cette période est Patty Griffin, qui avait fait partie de la scène folk locale de Boston jusqu’à ce qu’elle apparaisse sur le radar de l’industrie avec son remarquable premier album A&M de 1996, Living With Ghosts. Griffin a continué à faire des albums puissants et pleins d’âme, et s’est lancée dans le gospel avec Downtown Church en 2011, récompensé par un Grammy Award. De nouveaux talents passionnants, tels que Sarah Jarosz, Aoife O’Donovan, Ruth Moody, Angeleena Presley, Maddie And Tae et la chanteuse et compositrice de Lady Antebellum, Hillary Scott, continuent d’apparaître et de prospérer.
Mais la vieille garde n’a pas été laissée pour compte. Dolly Parton est revenue au bluegrass avec des albums époustouflants au tournant du siècle, et l’album de Loretta Lynn de 2004, Van Lear Rose, était sensationnel. Jack White, auteur musical et maître à penser des White Stripes, n’avait que deux ans lorsque Lynn avait enregistré son précédent album, en 1977 : un hommage à Patsy Cline. Lynn et White formaient un couple improbable, mais ce dernier a contribué à faire connaître la musique de Lynn à un nouveau public lorsqu’il a produit le retour acclamé de la chanteuse, alors âgée de 72 ans.
Van Lear Rose reflète d’autres facettes de la musique Americana moderne – son originalité et son individualité. Cette musique peut tout englober, de l’esprit mordant de Lyle Lovett aux ballades rock de Drive-By Truckers, de l’observation sociale de James McMurty, Danny Schmidt, Todd Snider et Jason Isbell, aux chansons émotionnelles touchantes de Billy Joe Shaver, Dierks Bentley, Chris Stapleton, Sturgill Simpson et Amos Lee, ainsi que des talents moins connus comme Robby Hecht et Richard Shindell.
Il est difficile de dire exactement qui ont été les inspirateurs et les initiateurs de la musique Americana, tant son patrimoine est riche et varié, mais il ne serait pas exagéré de dire que l’Americana traverse des groupes aussi divers que Grateful Dead et Los Lobos. Neil Young, ainsi que Crosby, Stills And Nash, ne sont pas immédiatement étiquetés comme un groupe d’Americana, mais ils ont certainement contribué à pousser la popularité du rock moderne basé sur les racines.
En outre, les origines de l’Americana zigzaguent à travers les États de la nation, des déserts du sud de « Willin' » de Little Feat au delta du Mississippi de « Dixie Chicken ». Un reflet de ses racines est montré par la façon dont l’Americana Music Trail offre aux touristes une expérience qui va du hub de Muscle Shoals en Alabama aux bars de musique country de Nashville et aux joints de jazz de la Nouvelle-Orléans.
Parfois, un artiste non country plein d’âme peut capturer la musique Americana à travers son interprétation d’une grande chanson. Sur son album Feels Like Home de Blue Note Records, Norah Jones fait honneur à Townes Van Zandt avec une magnifique version de sa chanson ‘Be Here To Love Me’. La mégastar des Grammy Awards, Alison Krauss, a l’œil pour sélectionner les meilleures chansons de l’Americana moderne. Krauss a repris des chansons d’artistes aussi divers que Willie Nelson, Richard Thompson, Shawn Colvin, Sidney Cox, Mindy Smith, James Taylor, Tim O’Brien, Jackson Browne et Tom Waits – et sa voix incomparable peut même apporter quelque chose de nouveau à une chanson classique de Woody Guthrie.
Krauss a également fait partie intégrante de l’album triomphal de la bande originale de O Brother, Where Art Thou ?, produit par T Bone Burnett pour les frères Coen. Dan Tyminski, membre du groupe de Krauss, a créé un classique moderne avec sa version de » Man Of Constant Sorrow « , sur un album où la légende du bluegrass Ralph Stanley chante une version envoûtante de » O Death « . Stanley a offert la musique Americana dans sa forme la plus austère et la plus puissante, comme une voix directe des siècles passés.
Le Revival de Gillian Welch, également produit par Burnett, a puisé dans l’héritage de l’Americana. Revival a été enregistré à Nashville au Woodland Sound, qui devait sa place sur la carte musicale à des albums des années 70 comme Will The Circle Be Unbroken du Nitty Gritty Dirt Band. Burnett s’est même exercé à enregistrer la voix de Welch sur une ancienne machine Wollensak, celle qu’utilisait autrefois Hank Williams. Welch, un artiste Americana authentique, a fait beaucoup pour garder une époque révolue de la musique fraîche et pertinente.
Burnett, d’ailleurs, croit que l’ère moderne de la musique numérique a aidé la musique Americana à progresser parce qu’elle permet aux fans de puiser dans la musique source originale pour certaines des versions contemporaines des chansons. Il a déclaré : « Le public moderne, parce qu’il a tellement de choses à puiser, est beaucoup plus avisé qu’on ne le croit… et avec la musique ancienne, on peut la réinventer à tout moment. »
Les meilleurs jeunes musiciens essaient à la fois d’honorer et de réinventer la musique de leurs héros. Kacey Musgraves, dont l’album Same Trailer Different Park a connu un succès retentissant en 2013, dit que son « point de croisement idéal de la musique » est constitué des Beach Boys, de Lee Ann Womack et de John Prine.
Le groupe Midland, basé au Texas, dont le premier album, On The Rocks, est sorti en septembre 2017, a été salué par Billboard pour avoir apporté un son contemporain « George Strait 1980s new traditionalist » dans l’ère moderne. Midland, et les talentueux The Cadillac Three, ne sont peut-être pas strictement Americana, mais ils apportent tous deux le même genre de caractéristiques Americana – fraîcheur et empathie – à la musique country. The Cadillac Three ont été produits par le suprêmement talentueux Dave Cobb, qui a fait beaucoup d’excellent travail avec Chris Stapleton, Lindi Ortega, Colter Wall, Brandi Carlile, Jason Isbell et Amanda Shires.
Il est clair que l’Americana va de mieux en mieux. L’essor des services de streaming tels que Spotify signifie que le genre a une accessibilité et une visibilité grand public, même s’il n’est pas joué sur les stations de radio traditionnelles de musique country. Ajouté à cela, une foule de festivals ont vu le jour pour accompagner l’AmericanaFest annuel de Nashville, qui fêtera sa 19e année en septembre 2018. Parmi les nouveaux venus, citons The Long Road. Se présentant comme un festival « country, Americana et roots », il est lancé au Royaume-Uni le même mois. Les festivals sont devenus essentiels à l’évolution des nouveaux talents.
Depuis 2010, l’Americana est une catégorie reconnue par la Recording Academy. Levon Helm a été le premier lauréat d’un Grammy Americana (en réclamant un autre en 2012), et le prix a également été remporté deux fois par Jason Isbell. Mavis Staples to, Bonnie Raitt, Emmylou Harris, Rodney Crowell et Rosanne Cash ont également été victorieux. La nature universelle de l’Americana a été démontrée par la victoire en 2016 de la légende de Stax Records, William Bell. Robert Plant, l’ancien frontman de Led Zeppelin, qui a enregistré à la fois avec Alison Krauss et Patty Griffin, a déclaré « il n’y a pas de frontières quant à l’endroit où l’Americana peut aller ».
La nature multiforme de l’Americana se poursuivra à mesure qu’elle se répandra sur les continents. Lorsque l’Americana a été récompensé par une liste d’albums dédiée par l’Official Charts Company au Royaume-Uni, le Top 10 des actes comprenait Ryan Adams, Lucinda Williams et le duo de frères et sœurs suédois First Aid Kit. Il existe maintenant des associations de musique Americana au Royaume-Uni et en Australie – un
cri lointain par rapport à 1999, lorsqu’un groupe de DJ de radio, de travailleurs de labels de disques et de journalistes musicaux se sont rencontrés de manière informelle lors de la conférence de l’industrie musicale South By Southwest à Austin, au Texas, pour discuter de la façon dont ils pourraient promouvoir la musique qu’ils aimaient, et ont décidé de former une organisation.
Jimmie Fadden, du Nitty Gritty Dirt Band, est cité dans le livre The Americana Revolution, disant que « l’Americana était une tentative de regrouper beaucoup de formes inexplicables de musique roots d’une manière qui pouvait être encapsulée, présentée à un public, avec la compréhension qu’elle avait un nom ».
Le nom est maintenant significatif. La musique Americana est progressive et avant-gardiste, et l’un des genres musicaux les plus vendus pour les albums – dépassant le R&B, le hip-hop et la danse en 2016, selon Billboard – et acclamé par des poids lourds de la culture. La romancière Ann Patchett, lauréate du prix PEN/Faulkner, a récemment déclaré au New York Times que l’Americana est « la scène musicale la plus cool aujourd’hui ».
La nouvelle Americana continuera, selon les mots de Hank Williams, à « montrer aux gens une toute nouvelle danse », mais quoi qu’il arrive, les musiciens auront toujours une histoire précieuse à laquelle faire appel. Le remarquable Ry Cooder, qui fait de la musique Americana brillante depuis plus d’un demi-siècle, en est un bon exemple. Le dernier album de Cooder, The Prodigal Son (Fantasy Records), comprend une reprise de la chanson de Stanley Carter « Harbour Of Love », une chanson enregistrée pour la première fois dans les années 50 pour Mercury Records. « Il y a une sorte d’humeur de révérence qui s’installe lorsque vous jouez et chantez ces chansons », a-t-il déclaré.
Cette révérence et cet enthousiasme sont les raisons pour lesquelles la musique roots Americana continuera à s’épanouir.
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