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La nature du monde dans lequel nous vivons aujourd’hui nécessite presque la fusion – un mélange de styles ou d’idées distinctes en une entité unique. De la cuisine fusion asiatique à la musique fusion country rap, notre culture se nourrit de la combinaison de choses qui ne vont pas nécessairement ensemble. Il en va de même dans le monde de la danse. Si la fusion des styles de danse peut être intéressante, elle peut rendre difficile le placement correct des routines dans les catégories lors des compétitions. Les genres de la danse lyrique et de la danse contemporaine peuvent être incroyablement déroutants en raison de leurs similitudes, alors aujourd’hui, nous recueillons les opinions des juges et des enseignants de l’IDA, Jen Garaffa, Mary Roberts, Miranda Spada et Max Vasapoli, afin d’éclaircir toutes les questions que les enseignants et les chorégraphes peuvent avoir concernant ces deux styles.
Danse contemporaine
Sortant directement du programme de MFA de l’Université d’État de Floride, Mary Roberts considère la danse contemporaine comme » un véhicule de recherche pour disséquer, analyser et interpréter ce que la danse et le mouvement disent et créent culturellement « . La danse contemporaine suit la lignée de la danse moderne, et cherche à remettre en question et à démanteler les formes de danse précédentes ». Souvent, lors des compétitions de danse, cette explication plus académique peut être perdue, mais il est extrêmement important de se rappeler que la danse contemporaine s’est développée à partir des techniques du ballet, du jazz et de la danse moderne, cette dernière étant un ancêtre direct de la danse contemporaine. Nous n’aurions pas de contemporain sans les pionniers du moderne et du jazz, qui ont cherché à briser les moules et les attentes de la danse classique traditionnelle.
Miranda Spada ajoute : « La danse contemporaine met fortement l’accent sur la compréhension de la musique, du rythme, de l’espace autour d’un danseur, et sur la façon de prendre des lignes techniques classiques et de les rendre différentes. La danse contemporaine a tendance à être basée sur l’avant-garde, et peut inclure des thèmes et des idées par rapport à une histoire claire et concise. La danse conceptualisée est explorée, lorsqu’un danseur et/ou un chorégraphe s’empare d’une technique de danse telle que les niveaux, l’espace, les accents, les motifs, le phrasé, et l’utilise pour développer une pièce plutôt que de s’appuyer sur un thème ou une idée préconçue ». Moins axée sur une histoire ou une narration, la danse contemporaine ne cherche pas nécessairement à divertir, mais à éduquer, à provoquer et à explorer différents mouvements.
Lorsque vous placez vos routines dans la catégorie contemporaine en compétition, vous devez vous poser les questions suivantes : cette pièce est-elle centrée sur le danseur ? C’est-à-dire, ai-je permis à ce danseur un niveau d’exploration personnelle dans le mouvement, par le biais de l’improvisation ? Y a-t-il un thème visuel ou interne spécifique que cette pièce suit ? Ai-je inclus des lignes classiques, mais en les déformant d’une manière nouvelle et différente ? Cette routine utilise-t-elle des techniques du programme de danse moderne et de ballet ?
Danse lyrique
La danse lyrique a commencé comme une ramification de la danse jazz, et a été initialement appelée « jazz lyrique » pour cette raison. Max Vasapoli définit la danse lyrique comme « combinant la technique du ballet et la fluidité de la danse jazz ». L’une des caractéristiques uniques de la danse lyrique est la connexion émotionnelle et la narration d’une histoire rendue vivante par les paroles de la chanson. Le mouvement peut être chorégraphié sur la performance vocale d’une chanson, et pas seulement sur le rythme. »
Avec une définition similaire, Mary Roberts est d’accord et ajoute : « La danse lyrique est typiquement donnée par le chorégraphe au danseur, avec une attente que le danseur s’engage à la chorégraphie telle qu’elle est établie, mais en ajoutant du souffle et de l’âme au mouvement à partir de l’interprétation du danseur. La danse lyrique, qu’elle soit exécutée sur des bateaux de croisière, en concert ou lors de compétitions, est une forme de danse de divertissement, créée pour se connecter à un public d’une manière spécifique. » Ce qu’il faut retenir de la danse lyrique, telle que nous la connaissons aujourd’hui, c’est qu’elle cherche à connecter et à divertir à travers une intrigue claire tout en utilisant des éléments de la technique du ballet et du jazz.
Lorsque vous placez vos routines dans la catégorie lyrique, posez-vous les questions suivantes : cette routine raconte-t-elle une histoire qui suit les paroles de la musique ? Ma chorégraphie nécessite-t-elle que le danseur la répète exactement de la même manière à chaque représentation ? Ai-je utilisé des éléments de la technique du ballet et du jazz dans la chorégraphie ? Les lignes et les images que j’ai créées reflètent-elles clairement l’émotion de la pièce ?
En tant que juges, il est incroyablement difficile de juger une routine avec précision si elle n’est pas placée dans la bonne catégorie. Jen Garaffa déclare : « Au lieu d’apprécier le travail qui est là, les juges passent leur temps à essayer de trouver comment noter équitablement quelque chose pour lequel ils n’étaient pas préparés. Imaginez que vous allez au cinéma prêt à voir une grande comédie romantique et qu’au lieu de cela, un documentaire sur la nourriture passe à l’écran – il faut un certain temps pour ajuster votre cerveau afin d’être ouvert à cela. Un juge ne dispose que de trois minutes au total pour s’adapter, absorber et réagir. Si vous restez fidèle au style et au genre, cela permet aux juges d’apprécier le travail et d’offrir un excellent retour aux danseurs. »
En tant que chorégraphes, vous pouvez nous aider à vous aider en plaçant correctement vos routines. Miranda Spada ajoute : « La danse contemporaine et la danse lyrique sont souvent confondues car peu de gens ont leur définition personnelle de chaque style. Chaque chorégraphe et créateur a imprimé son propre type de danse contemporaine et nous, en tant que société, essayons de trouver les zones noires et blanches des deux. Plus elle s’intègre dans cette génération de danseurs, plus nous voyons des danses lyriques concourir dans une catégorie contemporaine ; juste pour dire qu’elles le sont, parce que l’idée semble plus difficile, ou parce qu’elles ont besoin d’une catégorie supplémentaire pour placer une routine. » La catégorie ouverte existe pour cette raison – si vous avez une pièce qui brouille les lignes du style, c’est l’endroit parfait pour entrer dans la routine.
En tant qu’êtres humains, nous avons besoin de catégories – elles nous aident à donner un sens au monde qui nous entoure. Lorsque ces catégories commencent à s’entremêler, nous devons, en tant qu’éducateurs de danse, trouver un équilibre entre la perte de l’intégrité d’une technique et le fait de permettre à un style de se développer.
Max Vasapoli le dit bien lorsqu’il affirme que « la fusion des styles permet à la danse de continuer à évoluer ». Cependant, le critère des compétitions de danse impose la différenciation. Apprendre les différences subtiles entre les styles est un outil important pour que les danseurs deviennent des interprètes et des collaborateurs plus forts. L’une des nombreuses valeurs d’une formation en danse est l’apprentissage de la « sensation » des différents styles par la mémoire musculaire. Des concepts et des thèmes similaires unissent les deux styles, mais leurs intentions sont intrinsèquement uniques. »
Photos : « Contemporain » – Danseur : Jennilee Paez/Rising Stars Dance Academy. Chorégraphe – Jackie Nowicki, juge de l’IDA – fourni par ASH
« Lyrique » – Danseuse : Gabriella Papa/American Dance Academy. Chorégraphe : Kailee Combs &Juge IDA Jessica Olinik – fourni par ASH