En tant que cinéastes, nous devons notre passion aux pionniers du cinéma et de la photographie, puis aux cinéastes qui ont suivi. Je crois qu’il faut regarder en arrière pour innover et aller de l’avant, pour être inspiré et POUR inspirer. J’emporte mon inspiration partout où je vais, où je travaille, et je la transmets à ceux qui m’entourent sur le plateau et dans mon équipe HA.
Dans le billet d’aujourd’hui, j’aimerais vous présenter à tous un cinéaste en herbe à part entière qui a fait partie de notre équipe HA et qui se fait un nom en tant que cinéaste depuis quelques années, Brendan Sweeney. Il est originaire de Pittsburgh, mais je ne lui en tiendrai pas rigueur ! Ha ha ! Il est venu à Los Angeles pour poursuivre son rêve et il apporte chaque jour sa créativité et sa passion pour le cinéma – surtout le cinéma old school – à notre QG, et nous l’en remercions ! Son dernier film « Impossibility:Possibility » Et maintenant, il va partager sa passion avec vous tous et vous montrer où le cinéma a commencé. Il aime parler et partager l’histoire du cinéma et il est si important de se rappeler où nous avons été afin de pouvoir forger de nouveaux chemins d’où aller.
Take it away Sweeney!
Le film photographique est une bande ou une feuille de base de film plastique transparent recouverte sur une face d’une émulsion de gélatine contenant des cristaux d’halogénure d’argent sensibles à la lumière de taille microscopique. La taille et les autres caractéristiques des cristaux déterminent la sensibilité, le contraste et la résolution du film. (Karlheinz Keller et al. « Photographie » dans Ullmann’s Encyclopedia of Industrial Chemistry, 2005, Wiley-VCH, Weinheim.)
Alors attendez, où est un capteur ? Qu’en est-il des 1 et des 0 ? Comment puis-je voir ce que je photographie ? Puis-je vérifier mon exposition avec la fausse couleur ?
La plupart d’entre vous se souviennent probablement de l’époque de la pellicule, du moins au sens photographique. À un moment donné dans notre industrie, l’utilisation du film celluloïd était la seule option pour nos projets. Ce n’était pas une sélection du type de capteur d’image, mais une sélection du type de film. Le film était le « capteur d’images », le procédé chimique qui contenait les images. Le choix consistait à choisir la pellicule que vous vouliez utiliser pour raconter vos histoires et les objectifs que vous vouliez utiliser avec. Les choses n’étaient pas immédiatement sous vos yeux comme elles le sont aujourd’hui dans le monde numérique. Il n’y avait pas de moniteurs pour vérifier la mise au point ou les niveaux d’IRE. C’était un monde où l’on regardait à travers l’objectif à l’aide d’un viseur optique et où l’on voyait la scène dans sa perspective inchangée.
C’était l’époque de la réalisation de films… Un monde où le directeur de la photographie pouvait faire corps avec la caméra et où aucun producteur ne pouvait jamais remettre en question ce qu’il faisait. C’était un jeu mental, une époque de véritable prévisualisation, et de mise à l’épreuve de vos compétences.
Alors, pourquoi est-ce que je parle si bien du cinéma ? Eh bien avant de parler de mon amour personnel pour le cinéma – discutons de son histoire et de son importance pour l’industrie dans laquelle nous travaillons aujourd’hui.
Un bref regard sur le passé
Le premier film photographique disponible publiquement était appelé, Daguerréotype. Ce film a été introduit pour la première fois en 1839 par Louis-Jacques-Mandé Daguerre et a tenu le marché pendant environ 20 ans jusqu’à ce que des méthodes de photographie plus nouvelles/plus économiques soient développées. Dans les années 1850, la photographie sur plaque de verre est devenue la norme pour la plupart des appareils photo sur le terrain. Avec une meilleure qualité optique que les premiers plastiques transparents et le daguerréotype, cette méthode est devenue la meilleure pour les photographes jusqu’à ce que George Eastman entre en scène. En 1885, George a introduit le premier « film photographique flexible en rouleau », mais ce film était en fait du papier avec un revêtement. Le premier rouleau de plastique transparent est entré sur le marché en 1889 et était fabriqué à partir de nitrocellulose « celluloïd » hautement inflammable ou maintenant connu sous le nom de « film nitrate ». C’est le truc dont tout le monde a entendu parler dans l’histoire du cinéma et comment il brûlerait !
C’est là que Eastman Kodak Company est devenu l’institution qui a mené le mouvement dans le film photographique et comment il devait être fait dans la photographie. Tout le monde a au moins entendu parler de Kodak et de sa longue histoire dans les films cinématographiques. Pour moi, ils sont l’une des plus grandes entreprises américaines à avoir jamais existé !
LA NAISSANCE D’UNE INDUSTRIE
Alors, commençons à discuter de la façon dont la pellicule photographique a été ramassée et placée dans le cadre du film cinématographique. Le plus ancien court métrage enregistré date de 1888 et s’appelle, Roundhay Garden Scene.
« Roundhay Garden Scene »
Cette courte scène a été enregistrée par l’inventeur Louis Le Prince. Le film a été tourné sur place à Oakwood Grange à Roundhay, Leeds, et serait le plus ancien film existant. Avec son aspect noir & blanc, brut sur les bords – il est étonnant de voir le chemin parcouru, depuis nos humbles débuts dans le métier jusqu’à nos productions qui valent aujourd’hui plusieurs millions de dollars. Regarder des œuvres comme celle-ci ne peut que vous faire imaginer où nous serons dans une centaine d’années, où ce médium transcendera et comment il nous définira.
Le cinéma a vraiment pris pied pendant la poussée du Kinetoscope de Thomas Edison et du Cinématographe des frères Lumière. Ces deux inventions ont propulsé ce qui, à l’époque, n’était qu’une nouveauté et ont contribué à créer les bases de notre industrie actuelle. Le Kinétoscope a été inventé en premier et était un dispositif d’exposition pour une seule personne pour les images en mouvement – ce n’était pas un projecteur de cinéma, mais il a introduit l’approche de base qui deviendrait la norme pour toute projection cinématographique avant l’avènement de la vidéo en créant l’illusion de mouvement en transportant une bande de film perforé portant des images séquentielles au-dessus d’une source de lumière avec un obturateur à grande vitesse.
La famille Lumière était déjà un géant dans l’industrie de la photographie et a eu vent de ce qu’Edison et son équipe faisaient aux États-Unis. En raison de leur situation en Europe, ils ont décidé de reprendre son concept, mais voulaient pouvoir présenter une image en mouvement à plusieurs personnes à la fois. Ils ont conçu une machine qui pouvait non seulement capturer une image en mouvement, mais aussi l’imprimer et la projeter pour un public plus large. La chose étonnante est que leur invention serait environ ¼ de la taille de celle d’Edison et établirait un besoin commercial pour leur produit.
Les premiers films des frères Lumière
En raison de la nature compacte de leur caméra, elle a ouvert de nouvelles façons pour les gens de composer des plans – ainsi que des façons de déplacer la caméra. Les cinéastes ont apporté cette caméra dans le monde entier et ont transporté les spectateurs dans des endroits que les gens n’avaient jamais vus auparavant. C’était électrisant et le nombre de films produits au fil des ans par les frères Lumière se comptait par milliers ! Ils ont dessiné les premiers plans de la manière dont une histoire devait être racontée à l’aide de ce nouveau support. Pendant une période de l’histoire du film cinématographique, cela est devenu l’instrument standard pour faire le travail.
Si vous voulez en savoir plus sur les frères Lumière, consultez ces deux podcasts de Tracy V. Wilson et Holly Frey sur Things You Missed In History Class :
Les frères Lumière, 1ère partie :
Les frères Lumière, partie 2:
Les années silencieuses
A mesure que les années progressaient dans les années 1900, le cinéma devenait la forme d’art du 20e siècle à battre ! Des sociétés de production ont surgi de terre, de nouveaux cinéastes sont entrés en scène et des célébrités sont nées. Les années 1910 à 1927 sont celles des films narratifs muets structurés – appelés « films à bobines multiples » (bientôt appelés longs métrages) – qui deviennent la norme pour les spectateurs du monde entier. Ce média est bientôt devenu l’équivalent des représentations théâtrales et a permis d’adapter des romans au grand écran. En 1916, on comptait plus de 21 000 salles de cinéma rien qu’aux États-Unis.
Pendant environ deux décennies, les films muets ont traversé les hauts et les bas de la propagande de la Première Guerre mondiale, se sont épanouis dans les pays européens, puis une nouvelle évolution du cinéma a inauguré…
PRE-WORLD WAR II SOUND ERA
Avec la popularité commerciale et culturelle presque instantanée du cinéma auprès des publics du monde entier, il est devenu évident que nous avions besoin de quelque chose de nouveau après presque deux décennies de succès avec les films muets. En 1900, la première exposition publique connue de films sonores synchronisés projetés a eu lieu à Paris. Il s’agissait des premières bases de ce à quoi nous allions nous habituer au 21e siècle.
Bord d’une copie de film 35mm montrant les bandes sonores. La bande la plus extérieure (à gauche de l’image) contient la piste SDDS sous forme d’image d’un signal numérique ; la suivante contient les perforations utilisées pour faire passer le film dans le projecteur, avec entre elles la piste Dolby Digital, les zones grises avec le logo Dolby Double-D. Les deux pistes de la bande sonore analogique sur la bande suivante sont à zone variable bilatérale, où l’amplitude est représentée sous forme d’onde. Elles sont généralement codées en utilisant le matriçage Dolby Stereo pour simuler quatre pistes. Enfin, à l’extrême droite, le timecode utilisé pour se synchroniser avec un CD-ROM de bande sonore DTS est visible.
En 1919, l’inventeur américain Lee Dee Forest a déposé plusieurs brevets qui allaient ouvrir la voie à la première technologie optique de son sur film. Ces nouvelles avancées seraient appliquées à un cadre commercial.
Avec de nouveaux développements en 1923, le public a assisté à la première projection commerciale d’un court métrage utilisant le « son sur film ». Lorsque les films sonores avec des dialogues synchronisés ont été introduits, ils ont immédiatement été baptisés « talking pictures » ou « talkies ». Au début, ils étaient exclusivement utilisés dans le cadre de courts métrages et il a fallu un certain temps pour que les longs métrages s’emparent de cette technologie.
Il fallut attendre octobre 1927 pour que le premier long métrage utilisant cette technologie arrive sur le marché. Il s’agissait de la production de Warner Bros. Pictures, The Jazz Singer. Il a remporté un grand succès auprès du public dans tout le pays et a été réalisé avec Vitaphone, qui était à l’époque la marque leader de la technologie du son sur disque.
A mesure que les demandes du public pour les « talkies » augmentaient, il est devenu évident pour le système des studios que cela était là pour rester et qu’ils devaient suivre le mouvement. Dans les années 1930, les talkies étaient un phénomène mondial et ont contribué à assurer la position d’Hollywood comme l’un des plus importants centres d’influence culturels/commerciaux du monde.
LA COULEUR ET LA NOUVELLE VAGUE
La couleur dans les films cinématographiques a toujours été la direction vers laquelle l’industrie essayait de se diriger. La première cinématographie en couleur était par des systèmes de couleur additifs comme celui breveté par Edward Raymour Turner en 1899 et testé en 1902. Le premier système de couleur additif commercialisé avec succès était le Kinemacolor. Il s’agissait d’un système simplifié qui utilisait un film noir et blanc pour la photographie et projetait ensuite deux ou plusieurs images composantes à travers différents filtres de couleur. Le procédé a prospéré entre 1908 et 1913.
Vers 1920, les premiers procédés pratiques de couleur soustractive ont été développés et introduits dans l’industrie. Comme le Kinemacolor, il utilisait également un film noir et blanc pour photographier plusieurs images sources filtrées en couleur et le produit final était un tirage multicolore qui ne nécessitait pas d’équipement de projection spécial.
En 1932, la plus grande avancée dans le domaine du film couleur fut l’introduction du procédé Technicolor à trois bandes. Le Technicolor datait d’abord de 1916 et a été amélioré sur plusieurs décennies. Il est devenu le deuxième plus grand procédé couleur derrière le Kinemacolor et a été principalement utilisé dans la production hollywoodienne de 1922 à 1952. Technicolor était connu pour son aspect magnifique et unique. Ses couleurs hautement saturées sont devenues un aspect nostalgique que le public voulait voir. Le Technicolor était couramment utilisé dans des films comme Le Magicien d’Oz (1939), Autant en emporte le vent (1939), et dans des motions animées comme Blanche-Neige et les sept nains (1937).
En 1932, la plus grande avancée dans le film couleur a été l’introduction du procédé Technicolor à trois bandes. Le Technicolor datait d’abord de 1916 et a été amélioré sur plusieurs décennies. Il est devenu le deuxième plus grand procédé couleur derrière le Kinemacolor et a été principalement utilisé dans la production hollywoodienne de 1922 à 1952. Technicolor était connu pour son aspect magnifique et unique. Ses couleurs très saturées sont devenues l’aspect nostalgique que le public voulait voir. Le Technicolor était couramment utilisé dans des films comme Le Magicien d’Oz (1939), Autant en emporte le vent (1939), et dans des motions animées comme Blanche-Neige et les sept nains (1937).
La couleur dans les films cinématographiques a continué à gagner en popularité jusqu’à devenir la norme pour les longs métrages. Au 21e siècle, il est rare que nous obtenions un film complet en noir et blanc. La couleur s’est taillée une place dans nos esprits en tant que spectateurs et elle est là pour rester.
L’IMPORTANCE DU FILM
Alors pourquoi je vous fais l’historique de tout ça ? Vous en avez probablement entendu une partie, alors comment cela se traduit-il dans l’importance du film ? Eh bien, disons-le ainsi… le film est le support original. C’est ce que les grands ont utilisé pendant plus de 100 ans et, pour une raison quelconque, il a été relégué en raison du numérique.
Le numérique est maintenant le roi de la colline, mais est-ce une bonne chose ? Ce n’est ni une bonne ni une mauvaise chose ! Nous avons ouvert les vannes à une nouvelle génération de cinéastes qui n’auraient jamais pu obtenir de films. Nous avons donné une voix à des gens qui n’auraient peut-être jamais pu s’exprimer auparavant. Le support numérique est l’outil dont nous avons besoin pour ouvrir l’industrie à ceux qui veulent y participer. Cela nous a aidé à comprendre une façon différente de faire des films et c’est toujours génial d’avoir des « options » quand on fait des films.
Bien, prenons une seconde pour parler de ces « options »…
En 2014, nous avons eu l’une des entreprises de film négatif couleur de longue date qui a arrêté sa production de film. C’était Fujifilm, le fabricant de l’ETERNA, et ce que certains considèrent comme un beau concurrent de Kodak. Maintenant, nous nous retrouvons avec un stock discontinué avec lequel nous n’aurons potentiellement plus jamais la chance de tourner.
Alors pourquoi est-ce un problème ? La question est que nous avons perdu une « option » pour la réalisation de films. La seule couleur négative restante est la ligne Kodak Vision3 et Wittner Agfachrome 200D pour l’inversion des couleurs. À l’exception de quelques petits stocks expérimentaux, c’est tout ce qu’il nous reste comme film couleur. Oh, ai-je oublié de mentionner que Kodak a déposé le bilan en 2012 et que nous avons presque perdu cela aussi…
Mon problème avec le numérique est qu’il a permis aux masses d’oublier facilement ce qu’est le « film », son rôle dans la façon dont le cinéma est arrivé jusqu’à maintenant, et ce qu’il a représenté. En moins d’une décennie, le cinéma a failli être mis à mort. Si ce n’était pas pour un groupe d’élites hollywoodiennes qui se sont regroupées, nous aurions potentiellement perdu un médium, une forme d’art, et une façon de penser.
Voici ce que certains cinéastes ont à dire sur le film :
Hoyte van Hoytema (Tinker Tailor Soldier Spy, Interstellar, Her)
Le débat lui-même est juste stupide, vous savez ? L’une des pires choses a été le débat, parce qu’il suppose qu’il y a un « meilleur » et un « pire », qu’il y a un « gagnant » et un « perdant ». Ce n’est pas du tout la façon dont je vois les choses. Cette polarisation et cette présentation qu’il y a quelque chose de meilleur et quelque chose de pire est tout simplement ridicule. Tout le monde peut donner une raison pour laquelle quelque chose est bon ou mauvais dans un sens technique. Mais la raison pour laquelle des cinéastes comme Christopher Nolan tournent sur pellicule n’a rien à voir avec « mieux » ou « pire ». C’est juste une question de goût très personnel. Tout le monde veut un type de toile différent. Certaines personnes aiment peindre à l’huile, d’autres aiment peindre à l’acrylique, d’autres encore aiment peindre avec de la bouse de vache, vous voyez ? Toute cette discussion est inutile, et la seule chose que cette discussion a provoquée, c’est que des gens qui n’y connaissent rien commencent à faire pression pour un format. Un format devient lentement obsolète et empêche beaucoup de gens de faire ce choix à l’avenir, ce qui est très triste, car je pense que ce choix devrait être disponible pour des gens comme Chris ou Quentin Tarantino ou Scorsese ou Spielberg, peu importe, ou Paul Thomas Anderson. Leurs choix dans la raison pour laquelle ils prennent des films n’est pas toujours un choix technique.
(« ‘Interstellar’ cinematographer on grounding Nolan’s movie and shooting Bond on film »)
Martin Scorsese (Goodfellas, Casino, The Departed)
Nous avons plusieurs noms pour ce que nous faisons – cinéma, films, images animées. Et… film. On nous appelle réalisateurs, mais plus souvent on nous appelle cinéastes. Cinéastes. Je ne suggère pas que nous ignorions l’évidence : la HD n’est pas à venir, elle est là. Les avantages sont nombreux : les caméras sont plus légères, il est beaucoup plus facile de filmer la nuit, nous avons beaucoup plus de moyens à notre disposition pour modifier et perfectionner nos images. Et les appareils sont plus abordables : on peut vraiment faire des films pour très peu d’argent. Même ceux d’entre nous qui tournent encore en pellicule finissent en HD, et nos films sont projetés en HD. Donc, nous pourrions facilement convenir que l’avenir est là, que la pellicule est encombrante et imparfaite et difficile à transporter et sujette à l’usure et à la dégradation, et qu’il est temps d’oublier le passé et de dire au revoir – vraiment, cela pourrait être fait facilement. Trop facilement.
Il semble qu’on nous rappelle sans cesse que le cinéma est, après tout, une entreprise. Mais le cinéma est aussi une forme d’art, et les jeunes qui sont poussés à faire des films devraient avoir accès aux outils et aux matériaux qui ont été les éléments constitutifs de cette forme d’art. Qui songerait à dire à de jeunes artistes de jeter leurs peintures et leurs toiles parce que les iPads sont tellement plus faciles à transporter ? Bien sûr que non. Dans l’histoire du cinéma, seul un pourcentage minuscule des œuvres qui composent notre forme d’art n’a pas été tourné sur pellicule. Tout ce que nous faisons en HD est un effort pour recréer l’aspect du film. Le film, même aujourd’hui, offre une palette visuelle plus riche que la HD. Et nous devons nous rappeler que la pellicule reste le meilleur et le seul moyen éprouvé de préserver les films. Nous n’avons aucune assurance que les informations numériques dureront, mais nous savons que les films le feront, s’ils sont correctement stockés et entretenus.
Notre industrie – nos cinéastes – s’est ralliée à Kodak parce que nous savions que nous ne pouvions pas nous permettre de les perdre, comme nous avons perdu tant d’autres stocks de films. Cette nouvelle est un pas positif vers la préservation de la pellicule, la forme d’art que nous aimons.
(« Martin Scorsese écrit une lettre de soutien à Kodak et aux pellicules »)
De nombreux cinéastes que nous admirons aujourd’hui ont leur opinion sur la question. La guerre fait rage avec le débat « film contre numérique », mais ce n’est pas le point auquel je veux en venir. Il s’agit de l’importance de conserver autant d’options que possible. Moins nous avons d’options, moins nous avons de moyens de nous exprimer. En tant que cinéaste, je sais que je ne veux pas être limité sur le plan créatif à cause de produits discontinus.
L’AVENIR DU FILM
Alors que nous progressons encore sur la voie de la numérisation du reste du monde, je vois un avenir brillant pour le film. Au cours des deux dernières années, nous avons assisté à une résurgence du « film » dans l’industrie et à l’intérêt d’une population plus jeune. Kodak a échappé aux griffes d’une mort presque certaine et n’est plus en faillite. De plus en plus de longs métrages optent pour le tournage entièrement en pellicule ou pour une approche hybride avec le numérique. Les productions indépendantes ont envie d’un look vintage et nostalgique et recherchent des équipes qui savent comment travailler avec ce support. Nous voyons de plus en plus de films ajouter des projections sur pellicule et le public venir les apprécier !
Nous sommes en train de créer un monde où les DEUX médiums peuvent vivre et travailler ensemble. C’est l’avenir que je vois et il ne fait qu’arriver. Avec l’ouverture par Kodak de nouveaux laboratoires de traitement aux États-Unis et au Royaume-Uni, ainsi que la relance de l’Ektachrome, j’espère que cela donnera l’occasion à Arri et Panavision d’annoncer une nouvelle caméra de cinéma. Comme les réalisateurs et les directeurs de la photographie continuent à se dépasser, ce n’est qu’une tendance à la hausse pour le film et sa durabilité.
Même Blackmagic Design, l’un des plus grands fabricants de caméras de cinéma numérique, fait également parler de lui dans le domaine « film » de l’industrie. Au cours des deux dernières années, ils ont acquis une société de scanner de film de longue date, Cintel, et ont introduit leur premier scanner de film 4K. L’élégant scanner Cintel de Blackmagic Design peut être accroché au mur et se connecte sans effort à Davinci Resolve. Cela crée une avenue pour des scans rentables pour les cinéastes qui cherchent à entrer dans la porte.
EN CONCLUSION
Je suppose que tout mon propos ici est d’étudier ce qui nous a précédés et d’essayer les outils que les grands ont utilisés. Que vous vous en teniez à la pellicule ou que vous décidiez de rester entièrement numérique, au moins vous aurez essayé le support et compris son importance. Je pourrais vous dire toute la journée qu’il n’y a pas de meilleure sensation que d’entendre la pellicule passer dans l’appareil photo, qu’il n’y a rien de plus satisfaisant que de voir votre image prendre vie lorsqu’elle revient du laboratoire. C’est une expérience magique, mais le fait que je l’exprime ne vous fera jamais comprendre, jusqu’à ce que vous sortiez et que vous l’essayiez.
Nous devons continuer à élaborer des moyens de capturer une image en mouvement. Si de nouveaux moyens utilisent la vidéo VR 360 degrés, eh bien ajoutons-la à la boîte à outils. Nous avons besoin d’un avenir sans limites et cela commence avec nous préservant, pas méprisant.
Une dernière chose… les caméras numériques cherchent à reproduire le « film ». Pourquoi ne pas simplement filmer sur pellicule au lieu de faire semblant ? Allez-y et faites un film !
Cheers,
Brendan Sweeney
www.brendanjsweeney.com
@brenjamessween
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