The Scene
Quelque chose d’important est en train de se produire-un mouvement musical populaire d’une telle ampleur que son élan semble inarrêtable. Tout d’un coup, une nation de néo-hippies portant des chemises teintes en cravate et des anneaux de nez, empestant l’huile de patchouli et l’herbe à mouffette, gravite sur les pistes de danse du monde entier pour profiter des bonnes vibrations et des joies du jam ouvert orienté vers le groove. Le résultat de cet intérêt soudain et fervent pour l’improvisation basée sur la danse est une scène « jam band » tentaculaire et vitale qui s’étend d’un océan à l’autre et est reliée par un réseau de boîtes de nuit et de sites Internet, où les fanatiques du groove échangent des cassettes, des CD et des MP3 tout en discutant avec enthousiasme des prochains concerts de leurs groupes préférés. C’est un empire invisible qui touche à la tradition du jazz tout en existant dans un univers parallèle à plusieurs années-lumière de la vieille garde (Van). Bienvenue dans le futur du jazz ?
Similaire dans l’esprit et l’apparence à la Woodstock Nation, circa 1970, ces hordes avides de rythmes sont de fiers membres de la Groove Nation 2000. Ils affluent dans des clubs petits et grands comme le Mellow Mushroom à Chapel Hill, le Higher Ground à Burlington, le Bop Shop à Chicago, le Club One à Tulsa, le Mama Einstein’s à Athens, Ohio, l’Elbo Room à San Francisco, le Tipitina’s à la Nouvelle-Orléans, le Tinker Street à Woodstock, le Wetlands Preserve à New York… la liste est encore longue. Ou bien ils se rassemblent en masse lors de festivals estivaux de jam band en plein air, comme le Gathering of the Vibes dans le Connecticut, le All Good Festival dans le Maryland, le BeatJam dans le Maine, le High Sierra Festival en Californie du Nord et le Berkfest dans les montagnes du Berkshire au Massachusetts. Ils y groovent aux sons de Deep Banana Blackout, Galactic, Soulive, Fat Mama, Schleigho, Michael Ray & The Cosmic Krewe, Jacob Fred Jazz Odyssey, Jiggle the Handle, String Cheese Incident, Ominous Seapods, The Hosemobile, The Slip, ViperHouse, Greyboy Allstars, The Jazz Mandolin Project, Rockin’ Teenage Combo, Percy Hill, Project Logic, The New Deal, Living Daylights, Karl Denson’s Tiny Universe…la liste est longue, longue et longue.
Le public de ces concerts est d’une rare ouverture d’esprit, comme l’ont souligné de nombreux musiciens de la scène. Plus participants que spectateurs passifs, ils s’abandonnent à la musique, agitant et secouant leurs jeunes corps maigres sur la piste de danse dans une sorte de rituel de groove hippie spastique. Ils semblent s’épanouir autant dans l’esprit d’improvisation que dans les rythmes dansants. La dissonance et la complexité musicale ne les effraient pas. Les jams peuvent se dissoudre dans des abstractions spatiales ou des excursions denses et libres, et ils s’y accrochent toujours, plus curieux que désorientés. En fait, ils semblent être stimulés par le « son de la surprise » qui a longtemps été associé au jazz. Pas de jugements de la part de cette foule. Pas de risque de fausses notes ou de mauvaises vibrations ici. Tout est groovy avec eux, ce qui est un scénario très libérateur pour les musiciens.
« C’est définitivement une chose ouverte et c’est ce que j’aime à ce sujet », dit Brian Haas, leader et claviériste de l’audacieux septet Jacob Fred Jazz Odyssey, basé à Tulsa. « Je n’ai pas l’impression que ces gens viennent aux spectacles avec une quelconque attente. Ils ne se soucient même pas de savoir si nous nous isolons pendant 45 minutes et si mon batteur ne joue que du triangle, vous voyez ? Il y a une réelle ouverture d’esprit et cela semble aider la scène du jazz à passer au niveau supérieur. C’est un tout nouveau public, en quelque sorte. Nous étions très conscients, dès le début, que tous ces jeunes hippies aimaient ce jazz tout d’un coup. Et maintenant, nous disons toujours : » Merci mon Dieu pour les hippies « , parce qu’ils ont une attitude vraiment sans jugement qui est juste si parfaite pour le jazz. »
« C’est comme un autre monde », dit le guitariste John Scofield, dont le nouveau projet très groove, Bump (Verve), emploie un casting de jeunes turcs de la scène jam band, dont le percussionniste Johnny Durkin et le batteur Eric Kalb de Deep Banana Blackout, le bassiste Chris Wood de Medeski Martin & Wood, Mark De Gli Antoni de Soul Coughing et le tandem rythmique du bassiste Tony Scherr et du batteur Kenny Wollesen de Sex Mob. « Ce sont des enfants qui vont à ces trucs et qui sont vraiment ouverts à beaucoup de genres de musique différents et ouverts à l’expérimentation, ce qui est vraiment différent », dit Scofield.
« C’est une gigantesque famille », dit Arne Livingston, bassiste du trio Living Daylights de Seattle. « Et c’est la seule chose que j’ai apprise en jouant ces spectacles, c’est que ce n’est même pas tant la musique, après un certain point. Il s’agit de faire partie d’une famille, les gens veulent aller dans un club où ils vont voir leurs amis. La musique est importante, mais il s’agit aussi de faire partie d’une scène sociale. »
Selon Fuzz, guitariste de 29 ans du groupe Deep Banana Blackout, « c’est juste de la musique sur laquelle on peut s’amuser et danser. La plupart des musiques de cette scène sont basées sur le groove et ont généralement une ambiance joyeuse et amicale, ce qui permet aux gens de rester dans cet esprit. Mais ils ne se contentent pas d’écouter de la musique hippie joyeuse en permanence. Je pense qu’ils apprécient toutes les différentes saveurs que ces groupes ont à offrir.
« Aucune des musiques que j’ai entendues n’est sombre ou déprimante », poursuit Fuzz, « c’est donc une sorte d’alternative au rock alternatif des années 90. Une grande partie de cette musique était très déprimante, comme si tout le monde faisait un mauvais trip à l’héroïne et voulait se tuer. Mais cette scène jam band est plus faite pour que les gens s’amusent et s’intéressent à la musique pour ce qu’elle est, sans avoir cette image sombre et déprimante ou ce sentiment de « Je déteste ma vie, je déteste le monde, c’est la fin du monde ». Ce genre de mentalité a commencé à envahir la culture pop dans les années 90, mais c’est terminé maintenant. »
The Sound
Bien qu’il existe divers affluents stylistiques issus de la scène jam band, le point commun entre tous les groupes est cette idée de s’étirer et de laisser la musique évoluer organiquement, où que cela puisse les mener. Et le public est directement impliqué dans cette mission de recherche et de découverte musicale.
« Je suppose que cela a à voir avec l’héritage du Grateful Dead d’une certaine manière », dit Scofield. « Ce sont des nouveaux hippies… des gens qui écoutent de la musique et dansent et qui sont dans le fait que le groupe improvise ensemble et crée cette ambiance, avec le public qui en fait partie. Mais en fait, il s’agit de différentes versions d’un rock créatif influencé par le jazz. Certains groupes s’apparentent aux Dead, d’autres aux Headhunters de Herbie Hancock, d’autres encore à Soulive, un jeune trio d’orgue fabuleux qui sonne comme les disques Blue Note du début des années 60. Il y a même des groupes de bluegrass improvisés comme Strangefolk. Donc il y a toutes ces choses différentes et les jeunes sont en quelque sorte en train de tout creuser. »
Si le Grateful Dead a créé le précédent pour cette esthétique de jam hippie dans les années 60 et 70, le flambeau a ensuite été transmis à Phish, le groupe de rock inspiré par les Dead qui est devenu un phare pour l’étirement aventureux dans les années 90.
« Grâce à un groupe comme Phish, l’improvisation est devenue une de ces choses qu’il est correct de faire », dit Fuzz. « Maintenant, vous avez différents groupes qui apportent des trucs assez ‘out’ sur la table et les gens l’acceptent. Ils disent : « OK, c’est cool. Ça ressemble à ce truc de Phish. Tout d’un coup, il est possible de faire ce genre de choses, et c’est génial pour tout le monde. Ça ouvre la musique. »
Mais les Dead et Phish sont clairement issus d’un milieu plus rock. Pour savoir d’où vient la souche jazzy dans cette esthétique Groove Nation, il faut se tourner vers Medeski Martin &Wood (MMW), les parrains de tout le phénomène jam band. « Ces gars ont toujours été des idoles et un peu en avance sur nous, s’étant formés plus tôt que nous », déclare le percussionniste de Deep Banana Blackout, Johnny Durkin.
« Nous regardons juste totalement ces trois frères », dit Hass à propos de MMW. « Ils ont juste été une inspiration pour nous depuis que nous sommes ensemble, sans aucun doute. Nous avons, bien sûr, regardé comment ils ont commencé – faire des tournées dans un van – et vu comment cela a fonctionné pour eux. Donc ça nous dit de prendre le taureau par les cornes et de continuer à maintenir et à faire les choses de la même manière qu’eux. Et ça semble définitivement payer. C’est un processus lent, mais c’est tellement gratifiant. »
« En parlant de jazz et de groove music et de la scène Deadhead, ils sont définitivement un pont », dit Fuzz de la contribution de MMW. « Je pense qu’ils sont probablement similaires à nous… leur intention initiale était d’être une sorte de groupe kooky, jazzy, faisant leur propre truc. Ils voulaient juste faire de la musique cool. Mais d’une manière ou d’une autre, le mot s’est répandu à leur sujet et je pense qu’il y avait un lien avec Phish. Je pense que cela leur a vraiment donné un coup de fouet et les a aidés à obtenir d’autres dates avec d’autres groupes de cette scène.
Bien qu’il ait été rapporté à tort que la clé de la percée de MMW était une place en première partie d’une tournée de Phish, la vérité est qu’ils n’ont fait la première partie du groupe de rock à succès qu’à un seul concert, à la Nouvelle-Orléans. Mais Phish passait régulièrement des cassettes de MMW avant ses concerts, exposant ainsi un nouveau public à leurs grooves insinuants et psychédéliques. Comme le reconnaît le claviériste de MMW, John Medeski, « leur base de fans a fait parler de nous ».
« La première fois que j’ai vu , se souvient Fuzz, j’ai été assez époustouflé. C’est un groupe qui a un son vraiment unique et qui a sa propre direction, mais encore une fois, la musique est juste tellement groovy. Il y a une ambiance tellement cool et c’est en même temps tellement psychédélique. Et il y a tout un public de nouveaux hippies qui peuvent vraiment s’y retrouver. Je pense que MMW est une grande chose collective. Ils sont juste là à explorer des territoires inexplorés dans une situation hautement improvisée. Ils sont tellement dans l’instant qu’ils peuvent faire tout un concert en improvisant, sans aucune structure de chanson. Ils sont assez remarquables en matière d’improvisation pure. Et je pense que leur public apprécie vraiment cela. »
L’évolution de MMW
« Je me souviens que nous avons fait un concert à l’été 1991 à Martha’s Vineyard », se souvient Medeski. « C’était notre premier concert en dehors de la ville. Puis nous avons fini par faire une petite tournée d’automne dans le Sud, juste pour échapper au froid, vraiment. Ce qui s’est passé, c’est que nous étions à New York et nous avons réalisé que nous pouvions avoir 40 ou 50 personnes à l’époque pour venir nous voir jouer au Knitting Factory. On s’est alors dit qu’on pourrait aller dans ces petites villes universitaires et trouver 40 ou 50 personnes pour assister à nos concerts. On ne savait pas si les gens en dehors de New York allaient aimer ou pas. Nous étions un peu inquiets que personne ne puisse s’identifier à notre musique, mais nous aimions suffisamment jouer ensemble pour tenter le coup. Notre idée était la suivante : « Si ça marche, alors on peut le faire tout le temps ». Le seul objectif que nous avions était de gagner assez d’argent pour continuer à jouer la musique que nous voulions jouer ensemble, au lieu de devoir mettre un smoking et faire des concerts de mariage et des concerts occasionnels pour s’en sortir.
« Quand nous sommes sortis pour la première fois, nous avons fait quelques clubs de jazz et des cafés et des petits clubs de rock », poursuit-il. « Les clubs de jazz n’étaient pas de bonnes expériences à tous les niveaux, mais les cafés et les clubs de rock étaient géniaux. Les jeunes gens qui s’y trouvaient étaient beaucoup plus ouverts d’esprit et nous avons été vraiment choqués par la réponse. Les gens avaient l’air d’aimer ça et ils étaient vraiment contents que nous soyons venus, même s’ils n’avaient pas l’habitude de voir ce genre de musique. Nous avons donc été suffisamment encouragés par cette première expérience pour recommencer. Plus de gens sont venus pour la deuxième tournée et ça s’est construit petit à petit. Et c’est assez drôle, à cette époque, nous devions jouer du free jazz pour soutenir notre carrière plus commerciale. Nous revenions d’une tournée avec MMW et Billy et moi allions jouer avec les Lounge Lizards ou John Zorn tandis que Chris allait jouer avec Marc Ribot dans Rootless Cosmopolitans ou Shreck. On partait en tournée européenne avec eux, on gagnait assez d’argent, on revenait, puis on partait en tournée avec MMW, qui étaient un peu comme des petites vacances pour nous. »
Mais des vacances un peu éreintantes, du moins au début, comme le raconte Medeski. « On montait juste dans un van et on roulait. On avait une petite cuisinière dans le van, alors on cuisinait pour nous pendant que le van roulait. On arrivait au concert avec à peine le temps de faire une balance. On rencontrait quelqu’un au concert et on finissait par dormir sur son plancher. On n’avait jamais d’hôtel. Lors de notre première tournée, on a eu un concert à Knoxville où on nous a donné un hôtel et tout le reste était du genre « allons-y et voyons ce qui se passe ». Nous avons vraiment tout inventé au fur et à mesure. »
Après quelques tournées réussies, MMW est passé du van Ford de Billy Martin à un RV/camper Coachman d’occasion équipé d’une douche, d’une cuisinière et d’un réfrigérateur. « Il y a eu une période de deux ans où nous étions sur la route la plupart du temps, » dit Medeski, « et c’est à ce moment-là que nous avons dû déménager de nos appartements à New York. Nous ne pouvions plus nous permettre de les garder et, comme nous étions tout le temps sur la route de toute façon, nous avons simplement vécu dans le camping-car.
Tandis qu’ils continuaient à répandre l’évangile du groove et de la spontanéité musicale, l’audience du groupe n’a cessé de croître au fil du temps jusqu’à ce qu’ils se retrouvent assis au sommet du monde du néo-groove avec un bus de tournée, un public international enragé et un contrat d’enregistrement lucratif avec Blue Note, qui a sorti leur best-seller Combustication en 1998. (Ironiquement, le dernier album de MMW pour le label, Tonic, est un projet live de trio de piano acoustique en roue libre qui a plus à voir avec la scène avant-garde qu’avec la scène groove qu’ils ont contribué à créer.)
« Tout a vraiment commencé à partir d’un simple sentiment », dit Medeski avec du recul. « Quand je vivais à Boston, j’avais fait quelques concerts avec Either Orchestra dans le Midwest et j’ai réalisé qu’il y avait des collégiens qui voulaient juste entendre de la musique… une nouvelle génération de gens aux oreilles affamées. Et la plupart de nos mentors n’allaient pas jouer pour eux. Les gars de la quarantaine, qui étaient de vrais monstres, ne sortaient pas et ne jouaient pas parce qu’ils gagnaient leur vie en Europe. Et on s’est dit : « On est en Amérique. On devrait pouvoir faire ça dans notre propre pays. Et il semblait juste qu’avec les médias tels qu’ils sont – les ordinateurs et tout le reste – les jeunes ont juste une exposition plus large à différents types de musique que la génération qui les a précédés, donc leurs esprits sont naturellement un peu plus prêts, plus ouverts à ça.
» Bob Moses a dit un jour, et je suis totalement d’accord avec lui, que ces jeunes d’aujourd’hui recherchent une expérience cathartique qu’ils ne peuvent obtenir que par la musique improvisée. C’est ce qu’ils recherchent quand ils vont voir ces groupes de musique. Et je pense que parfois ils l’obtiennent et parfois non. Ils recherchent ce sentiment qu’ils ne peuvent avoir que lorsqu’un groupe est sur scène et improvise vraiment. Et je pense que c’est la responsabilité de tout le monde, y compris la nôtre, de se casser la tête, de pratiquer et d’étudier la musique pour avoir plus à offrir à ce public. J’ai vraiment l’impression que s’ils recherchent cette chose cathartique, c’est notre responsabilité d’essayer de la leur donner, de vraiment creuser profondément dans la musique improvisée et de puiser dans son côté spirituel. »
Mais est-ce du jazz ?
« J’aimerais penser au jazz comme un style en constante progression qui emprunte à lui-même et à peu près tout le reste », dit Livingston. « Le jazz n’est que l’aboutissement des efforts des jeunes gens dans une sorte de musique créative et plus poussée. »
« Il me semble, dit Fuzz, que le jazz a toujours été une question d’expression individuelle. Donc, le jouer ou essayer de recréer la façon dont le gars original l’a fait semble s’éloigner du concept original. Je veux dire, tu es censé prendre cette musique et la faire à ta façon, non ? Comment pouvez-vous en faire une partie de votre expression personnelle ? Pour moi, ce que je ressens depuis longtemps, c’est la musique funk et soul. Je combine donc le funk, la soul et le hip hop avec le jazz et même un peu de psychédélisme rock. Aujourd’hui, il n’y a pas de règles strictes pour faire un disque de jazz. Peut-être qu’à l’époque, certaines personnes avaient une attitude un peu snob à ce sujet. Avec son projet solo, On the Corner With Fuzz, le guitariste révèle une compréhension plus profonde du jazz dans ses reprises contemporaines de « Seven Come Eleven » de Charlie Christian, « Four on Six » de Wes Montgomery et « Bloomdido » de Charlie Parker, avec la participation du DJ Logic et du trompettiste Michael Ray. « J’ai étudié la musique à l’université et j’ai tâté du jazz », dit Fuzz. « Le jazz était plus une chose que j’appréciais vraiment par moi-même. Je l’appréciais et j’écoutais beaucoup de disques de jazz. Et ces trois ou quatre dernières années, en particulier, je m’y suis vraiment plongé. Donc avec ce projet, je peux rendre hommage à certaines musiques que j’apprécie vraiment et y mettre mon expression personnelle. »
Selon le batteur Stanton Moore de Galactic, basé à la Nouvelle-Orléans, « le truc du jam band est une étiquette placée sur des groupes qui ont des approches similaires mais pas nécessairement des sons similaires. Si vous prenez un groupe comme les Greyboy Allstars, un groupe comme Moe ou un groupe comme Soulive, ils sont tous classés dans la catégorie des groupes de jam, mais musicalement, il n’y a pas beaucoup de différences. Mais le problème, c’est que tous ces groupes prennent la route et tournent sans relâche. Ils ne passent pas beaucoup à la radio, alors ils développent un public grâce aux tournées, comme MMW l’a fait. Je pense que tous ces groupes ont remarqué que c’est une approche qui a fonctionné, notamment pour les Grateful Dead. Ils sont restés sur la route pendant des années et des années et n’ont jamais eu beaucoup de succès à la radio, mais ils ont été parmi les plus grands groupes de tous les temps. Je pense donc que l’idée du jam band s’est développée autour de groupes qui aiment jouer en direct. Et il y a en fait beaucoup de gens qui aiment venir voir ça et qui ne se soucient pas du nombre de hits ou du nombre de disques d’or ou de platine d’un groupe. Il s’agit de venir et de voir les groupes jouer en direct. Il s’agit de groupes qui jouent et expérimentent devant un public, en improvisant à un niveau ou à un autre. »
« Toute la scène des jam bands est assez large », dit Eric Krasno, guitariste de 23 ans du groupe Soulive. « Nous ne sommes absolument pas un groupe de hippies et pourtant nous plaisons à une grande partie de ce public. Nous jouons au Berkshire Mountain Festival avec Deep Banana Blackout, des groupes de hip-hop et des groupes de jungle. En fait, ce que nous jouons, c’est du R&B et du soul-jazz, mais nous sommes tout de même sur le circuit des groupes de jam. Je suppose que le point commun est le facteur groove. »
Ancouru par le batteur Alan Evans et son frère Neal, qui joue de l’orgue B-3, Soulive s’est forgé un solide public grâce à ses fréquentes apparitions sur la scène des jam bands – ils ont récemment joué un mois de mercredis au Wetlands à New York – et grâce aux ventes de son premier CD ultra-groovy, Turn It Out (Velour). Le prochain enregistrement du groupe prévoit la participation de l’un de ses plus grands supporters, le guitariste John Scofield.
Selon Evans, ancien batteur des Greyboy Allstars, « Nous sommes influencés par tout le monde, de Jimmy Smith et Groove Holmes à Grant Green et aux débuts de George Benson. Et pourtant, les jeunes nous apprécient toujours. Il y a quelque chose dans le groove auquel ils peuvent s’identifier. Personnellement, j’ai toujours voulu faire ce genre de groupe. Je me souviens que la première fois que j’ai entendu Grant Green, je me suis dit « Yo, c’est ça ». C’est donc une musique que j’ai toujours aimée. J’ai grandi en jouant du jazz mais j’ai aussi aimé Hendrix et James Brown, donc ce que nous faisons est une combinaison parfaite de … »
« Ce qui est nouveau, ajoute Krasno, c’est que nous avons grandi en ayant accès à tant de musique. Nous avons pu entendre Grant Green et Sco faire de la fusion, et nous avons aussi pu entendre du reggae et du hip-hop. Une grande partie de ce que nous écoutions en grandissant n’était pas nécessairement du jazz, donc il y a définitivement beaucoup d’éléments différents mélangés dans notre son. On peut entendre sur notre CD des passages plus rock et blues par moments. J’utilise une pédale wah et une pédale vocoder sur la guitare pour certains morceaux, mais en même temps je joue une guitare jazz à corps creux, donc on peut aussi aller vers quelque chose qui sonne comme un vieux disque de Grant Green. Mais il y a tellement d’autres éléments là-dedans et c’est ce qui nous différencie du simple fait de jeter un vieux disque. »
« Nous sortons d’une tradition jazz et la laissons refléter les tendances musicales actuelles », dit Haas à propos de Jacob Fred Jazz Odyssey. « L’approche que nous avons choisi d’adopter, et que MMW a choisi d’adopter, est quelque chose que je ne rencontre pas vraiment très souvent, où l’on aborde les choses d’un point de vue totalement improvisé. Ce qui veut dire que parfois on a de la chance et ça fume, et parfois, quand on improvise, on tombe sur le cul. Je ne rencontre pas beaucoup de groupes qui prennent ce genre de risques, où il suffit de monter sur scène et de se lancer. Mais avec Jacob Fred, je dirais que 98 % des morceaux sont totalement improvisés. Et avec Welcome Home, nous avons été extrêmement chanceux. On s’est donné deux nuits dans un petit club de Tulsa pour le faire. Et boum – c’est arrivé, Dieu merci. »
Le Jazz Mandolin Project, basé dans le Vermont, est une autre attraction populaire sur la scène des jam bands. Initialement perçu par les fans comme un projet dérivé de Phish, en raison de la présence du batteur de Phish Jon Fishman dans une édition précédente du trio, JMP a considérablement renforcé sa crédibilité en matière de jazz l’année dernière en recrutant le batteur Ari Hoenig et le bassiste Chris Dahlgren, deux jeunes talents de la scène jazz dynamique du centre-ville de New York. Et si le lien avec le jazz est d’autant plus évident avec leur récente signature chez Blue Note (ils s’étirent vers de nouveaux sommets sur leur premier album chez Blue Note, *Xenoblast*), JMP a conservé sa base de fans de jam band.
« Je n’ai jamais vraiment fait quoi que ce soit pour promouvoir ce lien », déclare l’as de la mandoline et fondateur de JMP, Jamie Masefield, « mais c’est ce que sont la majorité des gens qui viennent nous écouter – ces jeunes fans de musique bohème. J’ai l’impression que nous avons la chance d’avoir une telle base de fans, mais c’est un peu étrange parce que j’ai l’impression que la communauté du jazz ne sait pas encore que nous existons. Peut-être qu’ils ont entendu parler de nous, mais ils ont entendu dire que c’était une sorte de truc hippie, et donc peut-être qu’ils ont été rebutés. Mais j’espère que le lien avec Blue Note donnera envie aux fans de jazz d’y jeter un coup d’œil. »
En fin de compte, qu’un groupe soit issu du Grateful Dead, de Phish, de P-Funk, de Sun Ra ou du Mahavishnu Orchestra, il s’agit en fin de compte de persévérer, de faire passer le message à la base et de gagner des convertis en cours de route. Comme le dit Moore : « Tout ce dont tu as besoin, c’est de cinq ou six personnes motivées et d’une camionnette à mille dollars, et tu peux partir en tournée, en tournée, en tournée. Tu continues à le faire et à le faire et avant que tu ne t’en rendes compte, il y a cette scène de jam band. »
Masefield de JMP est d’accord. « C’est en fait une notion très ancienne. Vous devez faire en sorte que ça se passe là où vous êtes et vous disperser comme des ténacles. La responsabilité est la vôtre. Prends la route, mec. C’est là qu’est la vie. Vous montez dans la camionnette et vous mangez dans les restaurants à cuillères grasses et vous vous faites des amis dans chaque ville et vous revenez six mois plus tard et vous êtes là et vous pouvez rire de la dernière fois où vous étiez là… vous vivez la vie. C’est dur mais, hé, si tu es marié à la musique et que tu l’aimes, c’est ce que tu veux faire. Vous montez dans le van et vous conduisez sans fin pendant longtemps et vous allumez des feux de forêt partout. Il n’y a pas d’autre moyen de le faire que de prendre la route tout le temps. »
Le futur : MMW Jam Off It?
Ironiquement, les parrains de la scène jam band s’éloignent considérablement du groove thang sur leur nouvel album provocateur Blue Note, Tonic. Enregistré en direct dans la boîte de nuit ultra branchée du même nom (l’ancien site d’un vignoble casher dans le Lower East Side de Manhattan), ce projet audacieux de trio acoustique au piano a plus à voir avec la combustion spontanée du trio de Cecil Taylor qu’avec toute la scène jam band qu’ils ont contribué à développer.
Medeski, Martin & Wood a fait allusion à ce départ radical du néo-groove sur « Latin Shuffle », le seul morceau acoustique de l’album Combustication de 1998. L’influence de Cecil Taylor était en effet apparente sur cette excursion dissonante, ouvrant la voie à l’esthétique plus outrée de Tonic. Avec Chris Wood à la contrebasse, Billy Martin à la batterie et aux percussions et John Medeski au piano acoustique, ils s’étirent intuitivement dans des voies abstraites qui peuvent laisser la foule du jam band confuse et désemparée. Il n’y a pas de battements de tambour funky, pas de motifs répétés et accrocheurs, pas de grooves lancinants et ondulants auxquels les hippies pourraient s’accrocher (à l’exception peut-être du morceau soul-jazz « Rise Up » aux accents de Les McCann ou du numéro enjoué « Buster Rides Again » à la Ahmad Jamal). Mais MMW n’est pas si enthousiaste que ça à l’idée de prendre le train du groove-jam. Je ne sais pas, je vais simplement de l’avant », dit Martin, qui ne semble pas conscient du phénomène qui a suivi le sillage de MMW. « Je ne suis pas au courant de cette scène jam band et je ne m’attribue certainement pas le mérite de tous ces différents groupes qui s’inspirent de nous. Je suis vraiment flatté d’entendre comment ces musiciens sont inspirés par ce que nous faisons. Mais je fais juste ce que je fais, vous savez ? Je vais de l’avant. »
Et ce vers quoi Martin se dirige avec ses projets solo va totalement à l’encontre du groove. « J’explore tellement de choses maintenant », dit-il avec beaucoup d’enthousiasme. « J’écris des musiques de percussion très différentes. Je viens de terminer un morceau intitulé ‘Strijulations’, qui est basé sur le son des grillons. Il s’agit essentiellement de tous ces rythmes différents joués par quatre à huit joueurs qui créent ce paysage de motifs. C’est un morceau que je vais sortir sur mon propre label. J’ai également écrit un morceau pour grosse caisse et gong intitulé « Black Elk Speaks ». Toutes ces choses sur lesquelles je travaille en ce moment sont très éloignées de la scène des groupes de jam, et cela m’aide vraiment à trouver un équilibre. Parce que, ne vous méprenez pas, j’aime le groove. J’aime faire danser les gens et j’aime la sensation de jouer des grooves comme ça avec John et Chris. Cette scène est intéressante. Mais j’ai besoin de cette autre musique improvisée pour équilibrer tout ça. »
Le bassiste Chris Wood a grimacé lorsque je lui ai mentionné que je travaillais sur un article sur la scène des jam bands que MMW a contribué à créer. Notre interview a commencé timidement :
J’aimerais avoir vos commentaires sur tous ces jeunes groupes de jam qui vous considèrent comme le modèle de ce genre de groove.
« Ohmigod ! »
Des groupes de partout… Seattle, Tulsa, Montréal… ils appellent tous MMW les parrains de la scène.
« Maintenant… quelle scène ? »
La scène des jam bands.
« Oh, c’est vrai. »
Vous êtes les icônes, les vétérans de la scène.
« Ohmigod ! »
Et c’est intéressant que vous ayez aidé à lancer tout un mouvement sans vraiment en être conscients.
« Et nous n’en avons toujours pas la moindre idée. Nous sommes dans notre propre monde, je suppose. »
En attendant, votre nouveau disque n’a rien à voir avec toute cette histoire de jam band.
« Rien du tout. Nous essayons de garder une longueur d’avance. »
MMW prévoit de faire quelques concerts ce printemps pour promouvoir le tout-acoustique Tonic. Ensuite, ils retourneront en studio pour enregistrer leur prochaine phase de musique funky groove, qui devrait sortir à la fin de l’automne. Le rythme continue, encore et encore…
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Publié initialement le 1er mai 2000