C’était une année bizarre pour les films, tout comme c’était une année bizarre pour le monde. Mais malgré beaucoup d’obscurité – sous la forme de Suicide Squad et d’autres ratés laids – il y avait beaucoup dans le cinéma de 2016 qui méritait d’être célébré. Ici, le critique de cinéma de Vanity Fair, Richard Lawson, fait l’éloge de 10 points forts d’une année étonnamment remplie de films merveilleux.
10. The Lobster
Le premier long métrage en langue anglaise du réalisateur grec Yorgos Lanthimos est mystérieux et mélancolique – à l’image des relations dépeintes dans ce conte de science-fiction glacial, mais humain. Colin Farrell est à la fois minable et adorable dans le rôle d’un pauvre type envoyé dans un hôtel où il a 45 jours pour trouver une compagne, sans quoi il sera transformé en animal. Olivia Colman est parfaite dans le rôle de l’administratrice pincée de l’hôtel, tandis que Ben Whishaw, John C. Reilly, Ashley Jensen et Angeliki Papoulia jouent les autres clients de l’hôtel avec un mélange de souffrance et d’espoir. Rachel Weisz et Léa Seydoux complètent l’impressionnante distribution. Lanthimos a réalisé un film solitaire, qui se cherche, mais qui donne aussi l’impression d’une main tendue à travers le vide, offrant réconfort et compréhension, à défaut de résolution. Lanthimos a toujours été un inventeur audacieux, mais avec ce film, il révèle davantage son cœur battant. Muet mais frémissant de vie, The Lobster est plein à la fois d’une vision unique et d’une douleur familière douce-amère.
9. Mountains May Depart
Le maître chinois Jia Zhangke illumine le macro et le micro dans ce film nostalgique et finalement profondément émouvant, enquêtant avec soin et perspicacité sur les énormes changements culturels et les petites évolutions personnelles. Avec la merveilleuse actrice Zhao Tao au centre, Jia traverse le passé, le présent et l’avenir, nous montrant une génération de Chinois coincée quelque part dans les interstices entre une ancienne nation et une nouvelle. Raconté en trois parties, à mesure que la Chine passe de la distance économique et culturelle à une vision globale plus large, Mountains May Depart s’égare un peu dans la troisième partie. Mais Jia ramène le film à quelque chose d’assez profond à la fin, en mettant en scène un plan final qui est aussi percutant que tout ce que j’ai vu cette année, ou dans bien d’autres années. Qui aurait cru qu’une chanson des Pet Shop Boys pouvait nous briser le cœur en 2016 ? Mais c’est le cas, et Mountains May Depart n’en est que plus puissant.
8. The Edge of Seventeen
Comédie adolescente magistrale qui est aussi un regard sournois et réfléchi sur les mécanismes de la dépression, le premier long métrage de la scénariste-réalisatrice Kelly Fremon Craig est un début prometteur. Son écriture sage et mordante est brillamment incarnée par Hailee Steinfeld, qui livre l’une des meilleures performances de 2016. Les seconds rôles de Steinfeld sont excellents, du Woody Harrelson ironique et piquant à Haley Lu Richardson dans le rôle d’une meilleure amie crédible, en passant par Hayden Szeto dans celui d’un intérêt amoureux honnêtement adorable. Hip et vif, The Edge of Seventeen tempère sa dyspepsie par un savant mélange d’humour et d’empathie, un amalgame que Steinfeld traduit de manière experte à travers un prisme millénaire piquant. C’est un film qui mériterait de devenir un classique culte, un film qui pourrait réellement offrir à un jeune qui se bat avec ses propres sentiments d’anxiété et de doute de soi une certaine mesure de confort ou de compréhension. Il est également très drôle et un peu romantique. Que demander de plus ?
7. Jackie
L’opus tourbillonnant et en boucle de Pablo Larraín est bien plus un film d’art qu’un biopic. En fait, ce n’est pas du tout un biopic. Il s’agit plutôt d’un film sur l’imagination d’un moment donné, lorsque Jackie Kennedy pleurait l’assassinat de son mari et que la nation était bouleversée. Le film tombe à point nommé, car nombreux sont ceux qui, dans ce pays, se débattent aujourd’hui avec le sentiment que quelque chose d’énorme vient d’être irrémédiablement brisé, un chagrin et une désolation que Larraín illustre prodigieusement. L’exaltante compositrice Mica Levi a créé une partition gémissante, évocatrice, presque menaçante, pleine de cordes qui gémissent et s’entrechoquent, comme si elles portaient un coup de couteau à l’environnement aisé de Jackie. La caméra de Stéphane Fontaine a une grâce vagabonde qui correspond à l’élégance du scénario de Noah Oppenheim. Mais, bien sûr, tout film sur Jackie Kennedy vit ou meurt en fonction de la personne qui porte le chapeau à oreiller. Consciente de ce fait, Natalie Portman s’empare du rôle et se déchaîne, livrant une performance d’une intensité stupéfiante, située quelque part entre la méthode et la comédie, entre l’imitation et le devenir absolu. Elle est hypnotique. Mais sa performance serait insensée et démesurée dans un film plus linéaire. Heureusement, Portman a trouvé en Larraín le collaborateur idéal. Ensemble, ils réalisent quelque chose de farouchement étrange et indélébile, une carte séduisante et convaincante d’une pathologie américaine fiévreuse, plutôt qu’une histoire par cœur.
6. Manchester by the Sea
Lourd et déprimant, le superbe drame de Kenneth Lonergan aurait facilement pu être un sabordage misérabiliste. Mais il remplit son film d’une abondance d’humour et d’humanité, traitant ses personnages avec une douceur qui donne à Manchester un éclat pâle et douloureux. En rendant magnifiquement – ou peut-être simplement en capturant – les villes froides et rocailleuses au nord de Boston, Lonergan raconte une histoire dévastatrice teintée d’un simple espoir. Casey Affleck, voûté et saturnin, est fascinant alors qu’il semble faire très peu. Il joue le rôle d’un homme qui a dépassé la chaleur tremblante du chagrin et qui est maintenant embourbé dans un hiver long et isolant. Il est réchauffé, juste un peu, par l’insistance soudaine de son neveu adolescent, joué par le merveilleusement naturel Lucas Hedges. Ensemble, ils traversent une période difficile, négociant une façon de vivre, et peut-être de s’épanouir, dans un monde chargé de pertes. Dans quelques brèves scènes, une formidable Michelle Williams brise la glace du film, son émotion brute et bouillonnante servant de catharsis parfaitement synchronisée. Lonergan a une réelle maîtrise de son film, mais sa main n’est jamais brutale. Manchester by the Sea est une histoire délicate et perspicace sur la tragédie qui, assez miraculeusement, ne le devient jamais.
5. American Honey
L’arrivée fulgurante d’Andrea Arnold sur le continent américain s’annonce très tôt avec le « We Found Love » de Rihanna qui retentit dans un supermarché. Elle ne cesse de s’élancer à cette verve envoûtante pendant les trois heures suivantes. Merveilleux road-trip sur des jeunes gens vivant en marge d’une Amérique vibrante et troublée, American Honey bourdonne d’un sentiment extatique de libération, tout en montrant aussi les choses désordonnées et dérangeantes. Arnold, en collaboration avec le directeur de la photographie Robbie Ryan, crée des images exquises de gloire et de pourriture, des états des plaines grouillant de vie alors même que le désespoir économique s’empare d’eux et les étrangle. La nouvelle venue Sasha Lane se fait remarquer dans le rôle de l’héroïne sentimentale et insouciante du film, se démarquant ainsi d’une distribution dynamique composée essentiellement d’acteurs non professionnels. Les deux professionnels du film sont Shia LaBeouf, qui joue un rôle dangereux mais indéniablement séduisant, et Riley Keough, qui a failli quitter le film en jouant le rôle d’une mère maquerelle. Le film d’Arnold est lâche et en roue libre, une expérience sensorielle qui murmure et crie avec une sociologie séduisante, bien que parfois fantaisiste. La sublime séquence d’embarquement dans une voiture avec la chanson titre est peut-être ma scène préférée de l’année. Tout comme le film qui l’abrite, cette scène saisissante est un doux et émouvant et inattendu hymne à la sauvagerie et à l’impermanence de la jeunesse oubliée.
4. Things to Come
J’adore les films de Mia Hansen-Løve. Ils sont si observateurs et alertes, ils en disent long alors qu’ils se déroulent avec une facilité fluide et décousue. Ses talents sont parfaitement exposés dans Things to Come, une étude du vieillissement, de la féminité, de l’intelligence, de la politique et, en fait, de toute la vie. Isabelle Huppert change de braquet après son travail brûlant dans Elle de cette année pour jouer le rôle d’une universitaire délaissée qui se fraye un nouveau chemin en toute indépendance. Huppert a toujours ses bords merveilleusement piquants, mais il y a aussi une bonté pragmatique et terre à terre à l’œuvre ici. L’intrigue du film de Hansen-Løve n’est pas très dense, mais elle englobe néanmoins un large éventail de thèmes et d’idées – notamment sur la mutabilité de nos conceptions de la vie – qui résonnent encore des mois après l’avoir vu. De plus, il y a un chat vraiment génial. Avec Things to Come, Hansen-Løve s’affirme comme l’une des réalisatrices les plus pointues et les plus assurées du moment. Et Huppert ? Eh bien, elle prouve une fois de plus ce que nous savions déjà : elle est nonpareille.
3. Feu en mer
L’étonnant documentaire de Gianfranco Rosi met en lumière une crise internationale de manière instructive et urgente, mais il n’est jamais pédant. Au contraire, c’est l’un des films les plus artistiquement réalisés de l’année – un regard sombre et méditatif sur l’île méditerranéenne de Lampedusa, où vivent des Italiens de condition difficile et, de plus en plus, des dizaines de réfugiés fuyant la guerre et d’autres horreurs en Afrique du Nord et au Moyen-Orient. La caméra attentive et sympathique de Rosi fait un zoom sur l’île pour nous raconter quelque chose d’expansif, en documentant une famille locale de Lampedusa, les sauveteurs qui répondent aux appels de détresse des navires en perdition remplis de demandeurs d’asile, et les réfugiés eux-mêmes. C’est une mosaïque de vies qui décrit à la fois notre interconnexion et les distances qui nous séparent. D’un point de vue technique, Fire at Sea est une œuvre d’une réelle beauté, mais elle ne se prélasse pas aux dépens de ses sujets. Rosi, qui est née en Érythrée, ne fait preuve que d’intelligence et de compassion, faisant le travail très important de faire la lumière sur ce qui est, pour beaucoup d’entre nous vivant confortablement de l’autre côté de l’Atlantique, une catastrophe lointaine dont on n’entend parler que brièvement aux nouvelles. Dans sa manière calme et probante, Fire at Sea demande de l’attention et de l’action.
2. Moonlight
Que dire sur le lumineux poème d’un film de Barry Jenkins qui n’a pas déjà été dit ? C’est un rêve à regarder, inondé de teintes charmantes et pleurantes, filmé avec une immédiateté triste et séduisante. Il est formidablement interprété, par les trois jeunes hommes qui jouent le héros du film et par les acteurs qui jouent les adultes imparfaits qui l’entourent. Et il y a l’importance de son histoire, qui contribue à élargir les notions de cinéma noir et de cinéma gay et leur intersectionnalité, à un moment où nous avons désespérément besoin que ces histoires soient racontées. C’est une merveille de film, un cadeau du ciel. Mais c’est aussi un film réel et tangible, avec une texture et des sentiments puissants qui démystifient et éclairent. Espérons que l’importance sociopolitique de Moonlight n’éclipsera pas la finesse et l’intensité de ce film. Jenkins est un talent majeur qui a fait quelque chose de remarquable.
1. The Meddler
Susan Sarandon est peut-être une sorte de paria politique en ce moment, mais à mon avis, il est indéniable qu’elle a donné la performance de l’année dans le film tout à fait parfait de la scénariste et réalisatrice Lorene Scafaria. Elle incarne Marnie Minervini, la mère indiscrète du titre du film, avec une telle spécificité et de tels détails – drôles, poignants, frustrants – que la regarder est presque surréaliste. À quand remonte la dernière fois où Sarandon a eu suffisamment d’espace pour être aussi bonne ? Mais The Meddler n’est pas simplement un véhicule pour le travail époustouflant de Sarandon. Le film de Scafaria est réalisé de manière experte, avec une écriture exigeante et crédible et un flair stylistique doux. (Le reste de la distribution est également formidable, notamment la fille dépressive de Rose Byrne et l’intérêt amoureux sensible de J.K. Simmons). Le film traite en partie du deuil – l’expérience quotidienne de faire le deuil d’une perte et d’essayer d’aller de l’avant avec positivité et optimisme – et Scafaria tire de nombreux enseignements discrets de son sujet. Non, The Meddler n’est pas le film le plus audacieux ou le plus révolutionnaire de l’année. (Ce serait The Shallows.) Mais à la fin d’une année sombre et angoissante, avec un avenir incertain qui se profile sinistrement devant nous, je prendrais The Meddler – avec sa performance centrale exceptionnelle et son esprit brillant et réconfortant – sur tout autre film de 2016. C’est, tout simplement, mon préféré.
VIDEO : Devenir Jackie Kennedy avec Natalie Portman
.