Als filmmakers hebben we onze passie te danken aan de pioniers van film en fotografie, en daarna aan de filmmakers die volgden. Ik geloof in terugblikken om te innoveren en vooruit te gaan, om geïnspireerd te worden en te inspireren. Ik neem mijn inspiratie mee waar ik ook ga, waar ik ook werk, en ik geef mijn inspiratie door aan de mensen om me heen op de set en in mijn HA-team.
In de post van vandaag wil ik jullie allemaal voorstellen aan een opkomende filmmaker die deel heeft uitgemaakt van ons HA-team en die de afgelopen jaren naam heeft gemaakt als filmmaker, Brendan Sweeney. Hij komt uit Pittsburgh, maar ik zal dat niet tegen hem gebruiken! Ha ha! Hij kwam naar Los Angeles om zijn droom na te jagen en hij brengt zijn creativiteit en passie voor film – vooral old school film – elke dag naar ons HQ, en daar zijn we hem dankbaar voor! Zijn laatste film “Impossibility:Possibility” En nu gaat hij zijn passie met jullie allemaal delen en waar film begon. Hij houdt ervan om over de geschiedenis van film te praten en deze te delen. Het is zo belangrijk om te onthouden waar we zijn geweest, zodat we nieuwe wegen kunnen inslaan om verder te gaan.
Take it away Sweeney!
Fotografische film is een strook of vel transparante plastic filmbasis aan één kant bekleed met een gelatine-emulsie die microscopisch kleine lichtgevoelige zilverhalogenidekristallen bevat. De afmetingen en andere kenmerken van de kristallen bepalen de gevoeligheid, het contrast en de resolutie van de film. (Karlheinz Keller et al. “Photography” in Ullmann’s Encyclopedia of Industrial Chemistry, 2005, Wiley-VCH, Weinheim.)
Wacht eens, waar is een sensor? Hoe zit het met 1’s en 0’s? Hoe kan ik zien wat ik fotografeer? Kan ik mijn belichting controleren met valse kleuren?
De meesten van u herinneren zich waarschijnlijk de dagen van de film, althans in fotografische zin. Op een bepaald punt in onze industrie was het gebruik van celluloidfilm de enige optie voor onze projecten. Het was niet een keuze van het type beeldsensor, het was een keuze van het type film. Film was die “beeldsensor”, het chemische proces dat je beelden vasthield. De keuze was welke film je wilde gebruiken om je verhaal te vertellen en welke lenzen je ermee wilde combineren. De dingen stonden niet onmiddellijk voor je, zoals tegenwoordig in de digitale wereld. Er waren geen monitoren om de scherpstelling of de IRE-niveaus te controleren. Het was een wereld waarin je door de lens keek met een optische zoeker en de scène in zijn onveranderde perspectief zag.
Dit waren de dagen van het filmmaken… Een wereld waarin de cinematograaf één kon zijn met de camera en geen enkele producent ooit in twijfel kon trekken wat hij of zij aan het doen was. Het was een mentaal spel, een tijd van echte previsualisatie, en je vaardigheden op de proef stellen.
Dus waarom spreek ik zo lovend over film? Voordat ik inga op mijn persoonlijke liefde voor film, eerst de geschiedenis en het belang ervan voor de industrie waarin we nu werken.
Een korte blik in het verleden
De eerste algemeen verkrijgbare fotografische film heette Daguerreotype. Deze film werd in 1839 geïntroduceerd door Louis-Jacques-Mandé Daguerre en hield de markt ongeveer 20 jaar in handen totdat nieuwere/goedkopere fotografiemethoden werden ontwikkeld. In de jaren 1850 werd de glasplaatfotografie de standaard voor de meeste camera’s in het veld. Met een betere optische kwaliteit dan de vroege transparante kunststoffen en Daguerreotypie werd dit de beste methode voor fotografen totdat George Eastman zijn intrede deed. In 1885 introduceerde George de eerste “flexibele fotografische rolfilm”, maar deze film was eigenlijk papier met een coating erop. Het eerste transparante plastic rolletje kwam op de markt in 1889 en was gemaakt van zeer brandbaar nitrocellulose “celluloid” of nu bekend als “nitraatfilm”. Dit is het spul waarover iedereen in de filmgeschiedenis heeft gehoord en hoe het zou ontbranden!
Dit is waar Eastman Kodak Company de instelling werd die de beweging in fotografische film en hoe het moest in de fotografie leidde. Iedereen heeft op zijn minst gehoord van Kodak en hun lange geschiedenis op het gebied van speelfilms. Voor mij zijn ze een van de grootste Amerikaanse bedrijven die ooit hebben bestaan!
HET BEGIN VAN EEN INDUSTRIE
Alright, laten we beginnen met te bespreken hoe fotografische film werd opgepikt en in het decor van de bioscoopfilm werd geplaatst. De oudste opgenomen korte film dateert uit 1888 en heet Roundhay Garden Scene.
“Roundhay Garden Scene”
Deze korte scène werd opgenomen door uitvinder Louis Le Prince. De film werd opgenomen op locatie in Oakwood Grange in Roundhay, Leeds, en is naar men aanneemt de oudste bewaard gebleven film die er bestaat. Met zijn zwart-witte, ruwe uiterlijk is het verbazingwekkend om te zien hoe ver we zijn gekomen, van ons bescheiden begin in het vak tot onze huidige miljoenenproducties. Als je naar dit soort werken kijkt, kun je je alleen maar voorstellen waar we over nog eens honderd jaar zullen staan, waar dit medium naartoe zal stijgen en hoe het ons zal definiëren.
De film kreeg pas echt voet aan de grond tijdens de push van Thomas Edisons Kinetoscoop en de Cinematograaf van de gebroeders Lumiere. Deze twee uitvindingen stimuleerden wat toen nog een nieuwigheid was en legden mede de basis voor onze huidige industrie. De Kinetoscoop werd voor het eerst uitgevonden en was een eenpersoonstentoonstellingsapparaat voor bewegende beelden – het was geen filmprojector, maar introduceerde de basisbenadering die de standaard zou worden voor alle filmprojectie vóór de komst van video door de illusie van beweging te creëren door een strook geperforeerde film met opeenvolgende beelden over een lichtbron te laten schuiven met een snelle sluiter.
De familie Lumiere was al een reus in de fotografie-industrie en kreeg lucht van wat Edison en zijn team in de Verenigde Staten deden. Omdat ze in Europa woonden, besloten ze zijn concept over te nemen, maar wilden ze in staat zijn om een bewegend beeld aan meerdere mensen tegelijk te presenteren. Zij maakten een machine die niet alleen een bewegend beeld kon vastleggen, maar het ook kon afdrukken en projecteren voor een groter publiek. Het verbazingwekkende is dat hun uitvinding ongeveer ¼ zo groot zou zijn als die van Edison en een commerciële behoefte aan hun product zou creëren.
De vroege films van de gebroeders Lumiere
Door de compactheid van hun camera ontstonden er nieuwe manieren om opnamen te maken – en om de camera te verplaatsen. Filmmakers brachten deze camera over de hele wereld en brachten het publiek naar plaatsen die mensen in die tijd nog nooit eerder hadden gezien. Het was opwindend en het aantal films dat in de loop der jaren door de gebroeders Lumiere werd geproduceerd liep in de duizenden! Zij stelden de eerste blauwdrukken op voor de manier waarop een verhaal moest worden verteld met behulp van dit nieuwe medium. Gedurende een periode in de geschiedenis van de speelfilm, werd dit het standaard instrument om de klus te klaren.
Als u meer wilt weten over de gebroeders Lumiere, bekijk dan deze twee podcasts van Tracy V. Wilson en Holly Frey op Things You Missed In History Class:
The Lumiere Brothers, Part 1:
The Lumiere Brothers, Part 2:
THE SILENT YEARS
Naarmate de jaren 1900 vorderden, werd het maken van films de kunstvorm van de 20e eeuw om te verslaan! Productiemaatschappijen schoten uit de grond, nieuwe filmmakers deden hun intrede en beroemdheden waren geboren. 1910 – 1927 waren de jaren van de gestructureerde stille verhalende films – “Multiple-Reel Films” genoemd (die later speelfilms werden genoemd) – die de norm werden voor het publiek over de hele wereld. Het medium was al snel gelijkwaardig aan theatershows en was een uitlaatklep om romans op het grote scherm te brengen. Tegen 1916 waren er alleen al in de Verenigde Staten meer dan 21.000 filmtheaters.
Twee decennia lang doorkruiste de stomme film de ups en downs van de propaganda van de Eerste Wereldoorlog, bloeide op in Europese landen, en luidde toen een nieuwe evolutie van de film in…
PRE-WORLD WAR II SOUND ERA
Met de vrijwel onmiddellijke commerciële en culturele populariteit van de film bij een wereldwijd publiek, werd het duidelijk dat we iets nieuws nodig hadden na bijna twee decennia van succes met stomme films. In 1900 vond de eerste bekende openbare vertoning van geprojecteerde synchrone geluidsfilms plaats in Parijs. Dit was de eerste aanzet tot wat we in de 21e eeuw gewoon zouden worden.
Rand van een 35mm-filmprint waarop de soundtracks te zien zijn. De buitenste strook (links van de afbeelding) bevat het SDDS-spoor als een afbeelding van een digitaal signaal; de volgende bevat de perforaties die worden gebruikt om de film door de projector te sturen, met daartussen het Dolby Digital-spoor, de grijze vlakken met het Dolby Double-D logo. De twee sporen van de analoge soundtrack op de volgende strook zijn bilaterale variabele-gebieden, waarbij de amplitude als een golfvorm wordt weergegeven. Deze worden over het algemeen gecodeerd met Dolby Stereo matrixing om vier sporen te simuleren. Helemaal rechts tenslotte is de tijdcode te zien die wordt gebruikt om te synchroniseren met een DTS soundtrack CD-ROM.
In 1919 vroeg de Amerikaanse uitvinder Lee Dee Forest verschillende octrooien aan die de weg zouden banen naar de eerste optische geluid-op-film technologie. Deze nieuwe ontwikkelingen zouden worden toegepast in een commerciële omgeving.
Tegen 1923 maakte het publiek voor het eerst kennis met een commerciële vertoning van een korte speelfilm met “geluid op film”. Toen geluidsfilms met gesynchroniseerde dialoog werden geïntroduceerd, werd dit onmiddellijk “sprekende films” of “talkies” genoemd. Aanvankelijk werden zij uitsluitend in de korte film gebruikt en het duurde een tijdje voordat speelfilms op deze technologie overgingen.
Het duurde tot oktober 1927 voor de eerste speelfilm die van deze technologie gebruik maakte, op de markt kwam. Dit was de Warner Bros. Pictures productie, The Jazz Singer. Het was een grote hit bij het publiek in het hele land en werd gemaakt met Vitaphone, destijds het toonaangevende merk voor geluidstechnologie op schijf.
Toen het publiek steeds meer om “talkies” vroeg, werd het de studio’s duidelijk dat dit een blijvertje was en dat ze dit voorbeeld moesten volgen. Tegen de jaren 1930 waren de talkies een wereldwijd fenomeen en hielpen ze de positie van Hollywood als een van ’s werelds belangrijkste culturele/commerciële invloedcentra veilig te stellen.
COLOR AND THE NEW WAVE
Kleur in de bioscoopfilm was altijd al de richting waarin de industrie probeerde te gaan. De eerste kleurencinematografie gebeurde met additieve kleursystemen zoals die welke in 1899 door Edward Raymour Turner werden gepatenteerd en in 1902 werden getest. Het eerste commercieel succesvolle additieve kleurensysteem was Kinemacolor. Het was een vereenvoudigd systeem dat gebruik maakte van zwart-wit film voor fotografie en vervolgens twee of meer componentbeelden projecteerde door verschillende kleurenfilters. Het proces bloeide tussen 1908 en 1913.
Omstreeks 1920 werden de eerste praktische subtractieve kleurprocessen ontwikkeld en in de industrie geïntroduceerd. Net als bij Kinemacolor werd ook hier gebruik gemaakt van zwart-witfilm om meerdere in kleur gefilterde bronbeelden te fotograferen en het eindproduct was een meerkleurenafdruk waarvoor geen speciale projectieapparatuur nodig was.
In 1932 was de grootste vooruitgang op het gebied van kleurenfilm de introductie van het drie-stroken Technicolor-proces. Technicolor dateerde voor het eerst uit 1916 en werd in de loop van enkele decennia verbeterd. Het werd het op één na grootste kleurproces na Kinemacolor en werd vooral gebruikt in Hollywood-producties van 1922 tot 1952. Technicolor stond bekend om zijn prachtige, unieke uiterlijk. De zeer verzadigde kleuren werden onze nu nostalgische look die het publiek graag wilde zien. Technicolor werd vaak gebruikt in films als The Wizard of Oz (1939), Gone with the Wind (1939), en in tekenfilms als Snow White and the Seven Dwarfs (1937).
In 1932 was de grootste vooruitgang op het gebied van kleurenfilm de introductie van het driestrokenproces Technicolor. Technicolor dateerde voor het eerst uit 1916 en werd in de loop van enkele decennia verbeterd. Het werd het op één na grootste kleurproces na Kinemacolor en werd vooral gebruikt in Hollywood-producties van 1922 tot 1952. Technicolor stond bekend om zijn prachtige, unieke uiterlijk. De zeer verzadigde kleuren werden onze nu nostalgische look die het publiek graag wilde zien. Technicolor werd vaak gebruikt in films als The Wizard of Oz (1939), Gone with the Wind (1939), en in tekenfilms als Sneeuwwitje en de Zeven Dwergen (1937).
Kleur in speelfilm bleef aan populariteit winnen tot het de norm werd voor speelfilms. In de 21e eeuw is het zeldzaam dat we een volledige zwart-witfilm te zien krijgen. Kleur heeft zijn plaats veroverd in onze hoofden als kijkers en het is hier om te blijven.
Het BELANG VAN FILM
Waarom loop ik nu de geschiedenis van dit onderwerp door? Je hebt er waarschijnlijk al iets van gehoord, dus hoe vertaalt zich dit in het belang van film? Laten we het zo zeggen… film is het oorspronkelijke medium. Het is wat de groten al meer dan 100 jaar gebruiken en om welke reden dan ook is het gedegradeerd tot digitaal.
Digitaal is nu de koning te rijk, maar is dat een goede zaak? Dit is goed noch slecht! We hebben de sluizen opengezet voor een nieuwe generatie filmmakers die nooit aan film zou hebben kunnen komen. We hebben mensen een stem gegeven die zich mogelijk nooit eerder hadden kunnen uitdrukken. Het digitale medium is het gereedschap dat we nodig hebben om de industrie open te stellen voor diegenen die mee willen doen. Het heeft ons geholpen om een andere manier te begrijpen om films te maken en het is altijd geweldig om “opties” te hebben bij het maken van films.
Wel, laten we het even over die “opties” hebben…
In 2014 hadden we een van de lang bestaande kleurnegatief filmbedrijven die zijn productie van film stopzette. Dat was Fujifilm, de fabrikant van ETERNA, en wat sommigen beschouwen als een mooi ogende concurrent van Kodak. Nu zitten we opgescheept met een voorraad die uit productie is genomen en waarmee we mogelijk nooit meer zullen kunnen filmen.
Waarom is dit dan een probleem? Het probleem is dat we een “optie” voor filmmaken zijn kwijtgeraakt. Het enige overgebleven kleurnegatief is de Kodak Vision3-lijn en Wittner Agfachrome 200D voor kleuromkering. Afgezien van enkele kleine boetieks, experimentele voorraden, zijn dit ALLES wat we nog hebben voor kleurenfilm. Oh, heb ik vergeten te vermelden dat Kodak faillissement aanvroeg in 2012 en we bijna verloren dat ook …
Mijn probleem met digitaal is dat het heeft toegestaan de massa’s om gemakkelijk te vergeten wat “film” is, het is de rol in hoe filmmaken kwam tot nu toe, en wat is stond voor. In minder dan een decennium, werd film bijna de dood ingeschopt. Als een groep Hollywood-elites niet de handen ineen had geslagen, zouden we mogelijk een medium, een kunstvorm en een manier van denken zijn kwijtgeraakt.
Hier zijn wat sommige filmmakers over film te zeggen hebben:
Hoyte van Hoytema (Tinker Tailor Soldier Spy, Interstellar, Her)
Het debat zelf is gewoon dom, weet je? Een van de ergste dingen is het debat geweest, omdat het ervan uitgaat dat er een “beter” en een “slechter” is, dat er een “winnaar” en een “verliezer” is. Dat is niet de manier waarop ik er naar kijk. Die polarisatie en de voorstelling dat er iets beter en iets slechter is, is gewoon belachelijk. Iedereen kan een reden geven waarom iets goed of slecht is in technische zin. Maar de reden waarom filmmakers als Christopher Nolan op film schieten, heeft niets te maken met “beter” of “slechter.” Het heeft gewoon te maken met een zeer persoonlijke smaak. Iedereen wil een ander soort doek. Sommige mensen houden van schilderen met olieverf en andere van schilderen met acrylverf en weer andere mensen houden van schilderen met koeienstront, snap je? Die hele discussie is zinloos, en het enige wat die discussie heeft uitgelokt is dat mensen die er niets van weten gaan lobbyen voor een formaat. Een formaat is gewoon langzaam aan het verouderen en houdt een heleboel mensen van die keuze in de toekomst af, wat erg triest is, want ik denk dat die keuze beschikbaar moet zijn voor mensen als Chris of Quentin Tarantino of Scorsese of Spielberg, wie dan ook, of Paul Thomas Anderson. Hun keuzes in waarom ze film nemen is niet altijd een technische keuze.
(“‘Interstellar’ cinematographer on grounding Nolan’s movie and shooting Bond on film”)
Martin Scorsese (Goodfellas, Casino, The Departed)
We hebben veel namen voor wat we doen – cinema, films, speelfilms. En…film. We worden regisseurs genoemd, maar vaker worden we filmmakers genoemd. Filmmakers. Ik suggereer niet dat we het voor de hand liggende negeren: HD komt niet, het is hier. De voordelen zijn talrijk: de camera’s zijn lichter, het is veel gemakkelijker om ’s nachts te filmen, we hebben veel meer middelen tot onze beschikking om onze beelden te bewerken en te perfectioneren. En, de camera’s zijn betaalbaarder: films kunnen nu echt voor heel weinig geld worden gemaakt. Zelfs degenen onder ons die nog met film filmen, werken in HD af, en onze films worden in HD geprojecteerd. We zouden het er dus gemakkelijk over eens kunnen zijn dat de toekomst hier is, dat film onhandig en onvolmaakt is en moeilijk te vervoeren en gevoelig voor slijtage en verval, en dat het tijd is om het verleden te vergeten en afscheid te nemen – echt, dat zou gemakkelijk kunnen gebeuren. Te gemakkelijk.
Het lijkt wel of we er steeds aan herinnerd worden dat film per slot van rekening een bedrijf is. Maar film is ook een kunstvorm, en jonge mensen die gedreven zijn om films te maken, moeten toegang hebben tot de gereedschappen en materialen die de bouwstenen van die kunstvorm vormden. Zou iemand het in zijn hoofd halen om jonge kunstenaars te vertellen dat ze hun verf en doeken moeten weggooien omdat iPads zoveel makkelijker zijn om mee te nemen? Natuurlijk niet. In de geschiedenis van de speelfilm is slechts een minuscuul percentage van de werken in onze kunstvorm niet op film opgenomen. Alles wat we in HD doen is een poging om het uiterlijk van film na te bootsen. Film, zelfs nu, biedt een rijker visueel palet dan HD. En we moeten niet vergeten dat film nog steeds de beste en enige beproefde manier is om films te bewaren. We hebben geen zekerheid dat digitale informatie zal duren, maar we weten dat film zal, indien goed opgeslagen en verzorgd.
Onze industrie – onze filmmakers – verzamelde zich achter Kodak omdat we wisten dat we ons niet konden veroorloven om hen te verliezen, de manier waarop we hebben verloren zo veel andere filmvoorraden. Dit nieuws is een positieve stap naar het behoud van film, de kunstvorm waar we van houden.
(“Martin Scorsese Writes Letter Supporting Kodak and Film Stock”)
Veel van de filmmakers waar we vandaag naar opkijken, hebben hun mening over de zaak. De oorlog woedt voort met het “film versus digitaal” debat, maar dat is niet het punt waar ik naar toe wil. Het gaat om het belang van het behoud van zoveel mogelijk opties. Hoe minder opties we hebben, hoe minder manieren we hebben om ons uit te drukken. Als filmmaker weet ik dat ik niet creatief gebonden wil zijn door stopgezette producten.
De TOEKOMST VAN FILM
Naarmate we verder gaan op het pad van digitalisering van de rest van de wereld, zie ik een mooie toekomst voor film. In de laatste twee jaar hebben we een heropleving gezien van “film” in de industrie en interesse van een jongere demografie. Kodak is ontsnapt aan de greep van een bijna zekere dood en is niet langer in staat van faillissement. Meer en meer speelfilms kiezen ervoor om volledig op film te draaien of voor een hybride aanpak met digitaal. Indie-producties hunkeren naar een vintage, nostalgische look en zijn op zoek naar crews die weten hoe ze met het medium moeten werken. We zien dat steeds meer films filmprojecties toevoegen en dat het publiek naar buiten komt om ervan te genieten!
We creëren een wereld waarin BEIDE media samen kunnen leven en werken. Dit is de toekomst die ik zie en hij komt er aan. Nu Kodak nieuwe verwerkingslaboratoria opent in de VS en Groot-Brittannië, en Ektachrome nieuw leven inblaast, hoop ik dat dit Arri en Panavision de gelegenheid biedt een nieuwe filmcamera aan te kondigen. Als regisseurs en cinematografen zichzelf blijven pushen, kan het alleen maar een opwaartse trend zijn voor film en de duurzaamheid ervan.
Zelfs Blackmagic Design, een van de grootste fabrikanten van digitale cinemacamera’s, haalt ook het nieuws in de “film”-wereld van de industrie. In de afgelopen paar jaar hebben zij het film scanner bedrijf Cintel overgenomen en hun eerste 4K film scanner geïntroduceerd. De slanke en elegante Blackmagic Design Cintel Scanner kan prachtig aan een muur hangen en maakt moeiteloos verbinding via Davinci Resolve. Dit creëert een laan voor kosteneffectieve scans voor filmmakers die op zoek zijn om binnen te komen.
IN CONCLUSIE
Ik denk dat het er hier vooral om gaat te bestuderen wat ons is voorgegaan en de gereedschappen te proberen die de groten hebben gebruikt. Of je nu bij film blijft of besluit volledig digitaal te blijven, je hebt het medium in ieder geval uitgeprobeerd en begrijpt het belang ervan. Ik zou de hele dag kunnen doordrammen over dat er geen beter gevoel is dan de film door de camera te horen rollen, dat er niets bevredigenders is dan je beeld tot leven te zien komen wanneer het terugkomt van het lab. Het is een magische ervaring, maar als ik dat zeg, zul je het nooit begrijpen, totdat je het zelf gaat proberen.
We moeten manieren blijven bedenken om een bewegend beeld vast te leggen. Als er nieuwe manieren zijn om VR 360 graden video te gebruiken, wel, laten we die dan toevoegen aan de gereedschapskist. We hebben een toekomst zonder beperkingen nodig en dat begint met ons behoud, niet met ons veronachtzaming.
Eén laatste ding… digitale camera’s proberen “film” na te bootsen. Waarom niet gewoon op film schieten in plaats van doen alsof? Ga erheen en maak een film!
Geluk,
Brendan Sweeney
www.brendanjsweeney.com
@brenjamessween