Kiedy termin „Americana” został włączony do prestiżowego słownika Merriam-Webster w 2011 roku, dyrektor wykonawczy Americana Music Association, Jed Hilly, zażartował, że będą sprzedawać koszulki z tym słowem, wraz z linią tagu „Look it up!”. „To wciąż jest trochę poza radarem”, dodał Hilly, „ponieważ nie jesteśmy super komercyjni.”
W ciągu kolejnych pięciu lat, muzyczny krajobraz został przekształcony jako muzyka Americana stała się bona fide hot property. Amerykańska płyta Traveller Chrisa Stapletona była siódmym najlepiej sprzedającym się albumem 2016 roku, ze sprzedażą sięgającą prawie półtora miliona egzemplarzy, stawiając ją tuż za płytami megagwiazd popu Adele, Beyoncé i Rihanny.
Merriam-Webster definiuje muzykę Americana jako „gatunek amerykańskiej muzyki mający korzenie we wczesnej muzyce folkowej i country”. Panorama tych korzeni jest szeroka, obejmująca country i western, Appalachian, gospel, roots-rock, folk, bluegrass, R&B i blues. Zespoły Americana są zazwyczaj zbudowane wokół instrumentów akustycznych, ale może zawierać pełny zespół elektryczny.
Wczesny folk i gospel muzycy ukształtowali grunt dla country i Americana muzyki, ale niektóre z nowoczesnych blueprints pochodzi z ruchu Western swing z 20s i 30s, a jego talizman, Bob Wills, którego wyraźnie Texan muzyki zyskał krajową popularność w 30s. Popisowy utwór Willsa i jego Texas Playboys, „San Antonio Rose”, był coverowany setki razy, przez wszystkich, od Johna Denvera po Clinta Eastwooda. Wills miał bezpośredni wpływ na Williego Nelsona i pomógł ukształtować jego całościowy pogląd na muzykę.
Nelson złożył pełny hołd Willsowi, a także uznał większy dług wobec jednego z prawdziwych pionierów muzyki: Hanka Williamsa. Williams, który miał zaledwie 29 lat, gdy zmarł 1 stycznia 1953 roku, zawarł tak wiele w swoim krótkim życiu, włączając w to 29 hitów, które nagrał, takich jak „Hey, Good Lookin'”, „Why Don’t You Love Me?” i „Long Gone Lonesome Blues”. Został uznany za światło przewodnie przez The Smithsonian Institution w 1999 roku, kiedy jego pierwsze w historii forum o muzyce country – A Tribute To Hank Williams – uhonorowało tę enigmatyczną ikonę i to, co zrobił, aby stworzyć podstawy nowoczesnej muzyki country.
Jak wielu przedwojennych muzyków, Williams nauczył się śpiewać w chórze kościelnym (w Alabamie), a jego muzyka syntetyzowała style muzyczne jego środowiska z Głębokiego Południa – zachodni swing, górską muzykę Appalachów, honky-tonk, country blues i muzykę gospel. Ale to jego niezwykły dar pisania rozdzierających serce, konfesyjnych pieśni narracyjnych, takich jak „Lovesick Blues”, wyróżniał go jako niezwykle utalentowanego rzemieślnika pieśni.
Williams był jednym z pierwszych amerykańskich singer-songwriterów, którzy w bezpośrednich i elegijnych tekstach wyrażali intensywne osobiste emocje, marzenia i bóle serca zwykłych ludzi. Leonard Cohen nazwał jego songwriting „wysublimowanym”, a Bob Dylan powiedział: „Piosenki Hanka były archetypem zasad poetyckiego songwritingu”. Twórczość Williamsa została pokryta przez artystów tak różnych jak Louis Armstrong, Elvis Presley i Al Green.
Williams zainspirował legiony muzyków: legendy country, takie jak Johnny Cash, który nagrał cały album w hołdzie ikonie; piosenkarzy takich jak George Jones; siły twórcze pokroju Grama Parsonsa; a nawet współczesne gwiazdy rocka, takie jak Beck, Keith Richards i Tom Petty. Kiedy Ryan Adams i jego koledzy, gwiazdy muzyki country lat 80. i 90. szukali swojej drogi, ponownie zwrócili się do człowieka, który potrafił napisać takie arcydzieło jak „I’m So Lonesome I Could Cry”. Lucinda Williams powiedziała: „Słuchałam Hanka odkąd sięgam pamięcią. Jego muzyka była jedną z pierwszych, z jakimi miałam styczność.”
Twardo pijący i mówiący wprost Williams był być może pierwszym buntownikiem muzyki country, cechą naśladowaną przez samozwańcze gwiazdy outlaw country lat 70-tych, które wniosły część buntowniczej postawy muzyki punk do głównego nurtu country. Hank Williams był Americana 70 lat przed słowo zyskał popularnego użytkowania.
Muzyka zmienia się, gdy gatunki zderzają się, a inny człowiek, który wyprzedzał swój czas w ciągnięciu razem różne pasma muzyki był Ingram Cecil Connor III, który wziął nazwę sceniczną Gram Parsons. Urodzony na Florydzie Parsons już jako dziecko był wielkim fanem Elvisa Presleya i założył swój pierwszy zespół, The Pacers, w Jacksonville’s Bolles High School na początku lat 60-tych. Luke Lewis, który później został prezesem Universal Music Nashville, powiedział, że ogromny wpływ na nich obu miał album Raya Charlesa z 1962 roku „Modern Sounds In Country And Western Music”, który sam w sobie jest wspaniałym przykładem muzyki Americana. „To był prawdopodobnie pierwszy raz, kiedy któryś z nas miał pojęcie o muzyce country” – powiedział Lewis, który później nagrywał Ryana Adamsa, Lucindę Williams i Johnny’ego Casha.
Parsons wywarł swój pierwszy prawdziwy wpływ z The Byrds, dla których napisał ponadczasowy „Hickory Wind”. Odegrał kluczową rolę w ich przełomowym albumie Sweetheart Of The Rodeo, przed odejściem z Chrisem Hillmanem, w 1969 roku, aby utworzyć The Flying Burrito Brothers. The Flying Burrito Brothers, którzy grali mieszankę tradycyjnej muzyki country i rocka, pomogli stworzyć coś, co nazwano „Kosmiczną Amerykańską Muzyką” z ich dwoma pierwszymi albumami, The Gilded Palace Of Sin i Burrito Deluxe. „Największym dziedzictwem The Flying Burrito Brothers i Grama jest to, że byliśmy alternatywnym zespołem country. Nie mogliśmy dostać się do radia country i nie mogliśmy dostać się do radia rockowego. Byliśmy zespołem outlaw country przez krótki okres” – powiedział Hillman.
The Flying Burrito Brothers połączyli country, rock’n’roll, R&B, folk i wpływy soulowe, a Parsons zyskał dużo pewności siebie tworząc coś tak silnego. W tamtym czasie Parsons chętnie korzystał z każdej okazji do rozwoju muzycznego. Latem 1971 roku przeniósł się do południowej Francji, gdzie przez krótki czas mieszkał w Villa Nellcôte jako gość swojego przyjaciela Keitha Richardsa, w okresie, gdy The Rolling Stones pracowali nad swoim klasycznym albumem Exile On Main St.
Parsons grał z Richardsem muzykę country i nauczył się poszerzać własne horyzonty; Stonesi pozwolili Burritosom nagrać piosenkę „Wild Horses”, jeszcze zanim ukazała się ich własna wersja. Mick Jagger i zespół mieli duży wpływ na decyzję Parsonsa o pójściu w solówkę. „Po prostu miałem przeczucie, że ten człowiek wkrótce wyjdzie z czymś niezwykłym”, powiedział Richards.
Jego solowe albumy, GP i Grievous Angel, były rzeczywiście niezwykłe i pomogły zapoczątkować karierę współpiosenkarki Emmylou Harris. Była ona zdumiona znajomością muzyki country przez Parsonsa i powiedziała: „Uczyłam się tych wszystkich piosenek country. Byłam jak religijna konwertytka. Nie mogłam się nasycić.”
Hillman uważa, że dzięki takim piosenkom jak 'Sweetheart Of The Rodeo’, Parsons „otworzył bramy powodziowe” dla boomów country-rocka, alternatywnego country i Americany, które nastąpiły później. Sam Parsons uważał, że muzyka jest albo dobra, albo zła i nie trzeba się zbytnio przejmować „etykietowaniem i definiowaniem” rodzajów muzyki. Jego przedwczesna śmierć, w wieku 26 lat, w 1973 roku, pozbawiła świat pionierskiego muzyka, ale jego wpływ – w twórczości innych muzyków i poprzez działalność The Gram Parsons Foundation – unosi się nad muzyką Americana, która przyszła w jego ślady. Wczesna twórczość Ryana Adamsa czy Jeffa Tweedy’ego z Wilco wyraźnie pokazuje wpływ takich piosenek jak „Sin City” i „One Hundred Years from Now”.
W tym samym czasie, gdy Parsons uczył się o Hanku Williamsie, The Band – Robbie Robertson, Levon Helm, Garth Hudson, Richard Manuel i Rick Danko – ostrzyli sobie zęby jako The Hawks. Zaczynali jako zespół wspierający wokalistę rockabilly Ronniego Hawkinsa, ale wkrótce zaczęli wykuwać własną ścieżkę i nabierać znaczenia, które trudno byłoby przewidzieć wczesnym fanom The Hawks. Robertson powiedział: „Jako The Band postanowiliśmy grać muzykę, którą zebraliśmy w trakcie tych wszystkich doświadczeń. Braliśmy trochę gospel stąd, trochę muzyki górskiej stamtąd, trochę bluesa z Delty tu, trochę bluesa z Chicago tam.”
Trasa koncertowa The Band z Bobem Dylanem w latach 1965-66 była jedną z najbardziej zmieniających i niesławnych tras w historii muzyki, jako że kontrowersje wybuchły wokół decyzji Dylana o wprowadzeniu muzyki folkowej w erę elektryczną. The Band byli szczęśliwi, że mogli rozwinąć swoje muzyczne skrzydła i odegrać swoją własną rolę w ewolucji amerykańskiej muzyki. Dziesiątki lat później Robertson wyznał: „Ludzie mówili: 'Jesteście Americana’. A ja na to, 'Jesteśmy z Kanady. We’re „NorthAmericana, maybe…”’ I’m still not sure I know what it is.”
Their brand of „North Americana” involved a Canadian band’s subtle and moving pastoral evocations of Southern American mythology in modern-day classics such as 'Up On Cripple Creek’, 'The Weight’ and 'The Night They Drove Old Dixie Down’.
The Band miał superlatywne umiejętności pisania piosenek Robertsona, uduchowiony głos Helma i muzyczną zręczność klawiszowca Hudsona. Ich debiutancki album, Music From Big Pink, wydany w 1968 roku, popchnął innych muzyków, w tym Eric Clapton i Grateful Dead, do bardziej roots-oriented dźwięku. Na słynnym koncercie sfilmowanym przez Martina Scorsese i nazwanym The Last Waltz, zespół genialnie wspierał takich artystów jak Van Morrison, Joni Mitchell, Muddy Waters i Neil Diamond, pokazując, że może zagrać wszystko z każdym.
Kiedy Clapton usłyszał ich po raz pierwszy, pod koniec lat 60-tych, był to punkt zwrotny w jego rozczarowaniu Cream. Podobnie jak The Band zareagował przeciwko psychodelii z dźwiękiem back-to-the-roots, tak Clapton utworzył Blind Faith jako ruch odwrotny, przed przejściem do dalszego odkrywania Americany w swojej pracy z Derek And The Dominos, który zawierał Duane Allman na gitarze slide.
W 2017 roku Clapton powiedział publiczności na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Toronto, „Dostałem acetat Music From Big Pink z powrotem w Anglii i to wstrząsnęło mną do rdzenia. Byłem wtedy w Cream, już z pojęciem, że to nie idzie w dobrym kierunku, i pomyślałem, Cóż, to jest to, co jest. Wiedziałem kim był Robbie Robertson, ale nie zdawałem sobie sprawy, że to była ich grupa. Myślałem, że oni po prostu się pojawili. Myślałem, że oni wszyscy są z Delty Mississippi… Byli dla mnie wspaniałymi bohaterami. Podszedłem do nich, żeby z nimi zagrać, a oni powiedzieli: 'My nie jamujemy, my piszemy piosenki i gramy je’. Pomyślałem, mój Boże, ci faceci są naprawdę poważni.”
Koło zatoczyło się niemal pełnym kołem w 1999 roku, kiedy Helm nagrał koncertowy album „Ramble At the Ryman” w ramach Americana Music Festival And Conference, uznając swój wpływ na Americana i sposób, w jaki The Band bezpośrednio zainspirował muzyków takich jak Ryan Adams, Lee Ann Womack, Rosanne Cash i The Allman Brothers Band.
Jak widzieliśmy, ikony Americany sięgają do ojców założycieli i matek muzyki country, tytanów takich jak Bob Wills, Hank Williams, Woody Guthrie i Patsy Cline. Ale w latach 70. i 80. grupa współczesnych wielkich postanowiła stworzyć własne dziedzictwo. Guy Clark, Glen Campbell, Don Williams, Dolly Parton, John Prine i Alan Jackson – ale najbliżej do supergrupy Americana było w 1984 roku. Willie Nelson, wtedy już weteran sceny songwritingowej Nashville, który wybił się na jednego z najbardziej charakterystycznych muzyków ery nowożytnej, stał się katalizatorem nowego kierunku w muzyce country, kiedy pomógł przekonać kolegów po fachu: Johnny’ego Casha, Waylona Jenningsa i Krisa Kristoffersona do wspólnego zespołu jako „outlaws”.
Nazwali siebie The Highwaymen (biorąc swoją nazwę z piosenki Jimmy’ego Webba) i oddali hołd bohaterom przeszłości z coverami piosenek Woody’ego Guthrie i Hanka Williamsa. The Highwaymen byli często określani jako „the Mount Rushmore of country music”, co skłoniło Emmylou Harris do stwierdzenia, że „właściwie powinni być tam na wielkiej skale z prezydentami”. Ich wpływ był ogromny, a powiązania trwają nadal: Gitarzysta stalowy The Highwaymen, Robby Turner, pracuje teraz z Chrisem Stapletonem.
W okresie aktywności The Highwaymen (1984 do 1995), zaczęła powstawać nowa forma muzyki Americana. Tak jak zespół The Band zareagował na panujące trendy w muzyce popularnej, przekraczając je swoimi piosenkami i stylem wykonawczym, tak muzycy, którzy uosabiali boom na alt.country w późnych latach 80-tych i 90-tych uważali się za przeciwników panującego w muzyce country establishmentu. Jak ujęła to Lucinda Williams: „Zdecydowanie nie czuję się częścią tego, co nazywam prostszym przemysłem muzyki country w Nashville.”
Steve Earle, który stworzył kwartet genialnych albumów w latach 1986-1990 (Guitar Town, Exit 0, Copperhead Road i The Hard Way) był pokrewną duszą Williamsa, i oboje byli częścią tego, co również stało się znane jako „powstańcze country” boom późnych lat 80-tych, wraz ze wschodzącymi gwiazdami takimi jak Rodney Crowell i Del McCoury. Copperhead Road to album, który naprawdę przedstawił Earle’a rosnącej europejskiej publiczności. Tytułowy utwór to wielka opowieść o bimbrowniku, który zmienia bazę swoich produktów, by wyhodować coś bardziej aromatycznego, i pokazał, że pisane przez Earle’a piosenki mają siłę narracji takich pisarzy starego stylu, jak Woody Guthrie, Lefty Frizzell i Hank Snow.
Earle powiedział, że choć on i Lucinda Williams zostali okrzyknięci „nowymi banitami”, sednem tego, co robili, było tworzenie innego rodzaju muzyki, a nie bunt społeczny. „Nie chodziło o narkotyki, które braliśmy i kłopoty, w które się wtedy pakowaliśmy” – powiedział Earle – „chodziło o wolność artystyczną.”
Guitar Town ukazało się w 1986 roku, w tym samym roku, w którym po raz pierwszy pojawili się KD Lang, Dwight Yoakam i Lyle Lovett, ze swoim wspaniałym debiutanckim albumem pod własnym tytułem, wydanym przez MCA. Lovett powiedział: „W tamtym okresie było wiele rzeczy, o których nie myślisz jako o tradycyjnie podpisywanych w Nashville. Widziałeś, że ludzie mają szansę nagrać płytę i to jest bardzo fajna rzecz.”
Mieszkająca w Minnesocie grupa The Jayhawks, której harmonie i twang-rockowe brzmienie stworzyły podstawy współczesnej muzyki Americana, również wydała swój debiutancki album w 1986 roku i wkrótce zdobyła dużą popularność w Europie. Kiedy Ryan Adams zaczął tworzyć muzykę Americana z zespołem Whiskeytown, powiedział, że zdał sobie sprawę, że są inni ludzie, którzy są „hip do Grama Parsonsa” i wymienił The Jayhawks jako wpływ. Whiskeytown powstali w 1994 roku w Północnej Karolinie i nagrali trzy albumy studyjne, zanim Adams odszedł w 2000 roku, aby rozpocząć karierę solową i obrać wiele interesujących kierunków muzycznych.
Lucinda Williams wydała kilka albumów w latach 80-tych, ale po długim okresie względnego zapomnienia, przykuła uwagę świata muzycznego swoim znakomitym albumem Car Wheels On A Gravel Road z 1998 roku, jej pierwszą płytą, która pokryła się złotem. Album zawiera serię hipnotyzujących, pełnych emocji piosenek, które brzmią równie dobrze w XXI wieku, jak wtedy, gdy zostały nagrane. Williams, która nagrała również inne doskonałe albumy, takie jak Essence i Blessed, powiedziała o „Car Wheels…”: „Nie chciałam zrobić ponownie tak samo brzmiącego albumu. Próbowałam pójść w kierunku pewnego brzmienia wokalnego, które czułam, że nie udało mi się jeszcze uzyskać na żadnym z moich albumów do tego momentu.”
Być może nie jest przypadkiem, że Joni Mitchell udzieliła wywiadu w roku wydania albumu, w którym powiedziała: „Kiedyś byłam monastyczna, prawie. Teraz jestem jak Tybetańczyk, który odkrył hamburgery i telewizję. I’m catching up on Americana.”
Williams jest częścią fantastycznego dziedzictwa kobiet śpiewających piosenki Americana, które napisały jedne z najpotężniejszych tekstów we współczesnej muzyce country. Nawiązując do tradycji takich sław jak Kitty Wells, June Carter Cash, Dolly Parton, Loretta Lynn, Patsy Cline, Bonnie Raitt, Linda Ronstadt i Emmylou Harris, w latach 80. i 90. pojawiło się wiele znakomitych artystek Americany, w tym Reba McIntyre, Mary Chapin Carpenter, Julie Miller, Mary Gauthier i Abigail Washburn. Jedną z najbardziej charakterystycznych była Nanci Griffith, poetka w piosence, która była równie pewna siebie pisząc własne kompozycje, jak i interpretując słowa innych znakomitych songwriterów Americany, takich jak Robert Earl Keen i Tom Russell.
Tendencja dla kobiecego talentu trwała w latach 90-tych, kiedy innowacyjne wykonawczynie, takie jak Gretchen Peters, Iris DeMent, Sheryl Crow, Rita Hosking, Dar Williams, Lee Ann Womack, Lori McKenna, Ani DiFranco i Gillian Welch zaczęły tworzyć tak wspaniałe albumy.
Jedną z najbardziej obiecujących autorek piosenek, które pojawiły się w tym okresie, była Patty Griffin, która była częścią lokalnej bostońskiej sceny folkowej, dopóki nie pojawiła się na radarze branży dzięki swojemu niezwykłemu debiutowi A&M z 1996 roku, Living With Ghosts. Griffin kontynuuje tworzenie potężnych i uduchowionych albumów, wkraczając na grunt gospel za sprawą nagrodzonego Grammy Downtown Church z 2011 roku. Ekscytujące nowe talenty, takie jak Sarah Jarosz, Aoife O’Donovan, Ruth Moody, Angeleena Presley, Maddie And Tae i Lady Antebellum piosenkarka i autorka tekstów Hillary Scott, nadal pojawiają się i rozwijają.
Ale stara gwardia nie pozostała w tyle. Dolly Parton powróciła do bluegrassu z kilkoma oszałamiającymi albumami na przełomie wieków, a album Loretty Lynn z 2004 roku, Van Lear Rose, był rewelacyjny. Jack White, muzyczny autor i mózg zespołu The White Stripes, miał zaledwie dwa lata, kiedy Lynn nagrała swój poprzedni album, w 1977 roku: hołd dla Patsy Cline. Lynn i White stanowili mało prawdopodobną parę, ale ten ostatni pomógł przybliżyć muzykę Lynn nowej publiczności, kiedy wyprodukował uznany powrót 72-letniej wówczas artystki.
Van Lear Rose odzwierciedlał inne oblicza współczesnej muzyki Americana – jej oryginalność i indywidualność. Muzyka ta może obejmować wszystko, od ostrego dowcipu Lyle’a Lovetta do kołyszących ballad Drive-By Truckers, obserwacji społecznych Jamesa McMurty’ego, Danny’ego Schmidta, Todda Snidera i Jasona Isbella, do poruszających emocjonalnych piosenek Billy’ego Joe Shavera, Dierksa Bentleya, Chrisa Stapletona, Sturgilla Simpsona i Amosa Lee, a także mniej znanych talentów, takich jak Robby Hecht i Richard Shindell.
Ciężko jest powiedzieć dokładnie, kto był inspiracją i pomysłodawcami muzyki Americana, takie jest bogactwo jej różnorodnego dziedzictwa, ale nie byłoby naciągane, aby powiedzieć, że Americana biegnie przez zespoły tak różne jak Grateful Dead i Los Lobos. Neil Young, wraz z Crosby, Stills And Nash, nie są od razu oznaczani jako zespół Americana, ale z pewnością pomogli popchnąć popularność nowoczesnego rocka opartego na korzeniach.
Dodatkowo, początki Americany biegną zygzakiem przez wszystkie stany kraju, od południowych pustyń z „Willin'” Little Feat do delty Mississippi z „Dixie Chicken”. Odzwierciedleniem jej korzeni jest sposób, w jaki Americana Music Trail oferuje turystom doświadczenie, które obejmuje wszystko, od centrum Muscle Shoals w Alabamie do barów muzyki country w Nashville i jazzowych stawów w Nowym Orleanie.
Czasami uduchowiony artysta spoza country może uchwycić muzykę Americana poprzez swoją interpretację wielkiej piosenki. Na jej Blue Note Records album Feels Like Home, Norah Jones robi Townes Van Zandt dumny z piękną wersją jego piosenki „Be Here To Love Me”. Alison Krauss, megagwiazda Grammy, ma niezwykle zręczne oko do wybierania tego, co najlepsze we współczesnym amerykańskim songwritingu. Krauss coverowała piosenki tak różnych artystów, jak Willie Nelson, Richard Thompson, Shawn Colvin, Sidney Cox, Mindy Smith, James Taylor, Tim O’Brien, Jackson Browne i Tom Waits – a jej niezrównany głos potrafi nawet wnieść coś nowego do klasycznej piosenki Woody’ego Guthrie.
Krauss była również integralną częścią triumfalnego albumu soundtrackowego O Brother, Where Art Thou?, wyprodukowanego przez T Bone Burnetta dla braci Coen. Członek zespołu Kraussa, Dan Tyminski, stworzył współczesny klasyk ze swoją wersją „Man Of Constant Sorrow”, na albumie, na którym legenda bluegrassu, Ralph Stanley, śpiewa przejmującą wersję „O Death”. Stanley zaoferował muzykę Americany w jej najsurowszej, najpotężniejszej formie, niczym głos bezpośrednio z minionych wieków.
Revival Gillian Welch, również wyprodukowany przez Burnetta, sięgnął do dziedzictwa Americany. Revival został nagrany w Nashville w wytwórni Woodland Sound, która swoje miejsce na muzycznej mapie zawdzięcza takim albumom z lat 70-tych jak „Will The Circle Be Unbroken” The Nitty Gritty Dirt Band. Burnett ćwiczył nawet nagrywanie głosu Welch na starożytnej maszynie Wollensak, takiej, jakiej kiedyś używał Hank Williams. Welch, autentyczny artysta Americany, zrobił wiele, by zachować świeżość i aktualność muzyki minionej epoki.
Burnett, nawiasem mówiąc, uważa, że współczesna era muzyki cyfrowej pomogła w postępie muzyki Americany, ponieważ umożliwia fanom dotarcie do oryginalnej muzyki źródłowej dla niektórych współczesnych wersji piosenek. Powiedział on: „Współcześni słuchacze, ponieważ mają tak wiele do czerpania, są o wiele bardziej bystrzy niż się im przypisuje… a z dawną muzyką, możesz ją wymyślić na nowo w każdej chwili.”
Najlepsi młodzi muzycy starają się zarówno uhonorować, jak i wymyślić na nowo muzykę swoich bohaterów. Kacey Musgraves, której album Same Trailer Different Park był oszałamiającym sukcesem w 2013 roku, mówi, że jej „idealny punkt krzyżowy muzyki” to The Beach Boys, Lee Ann Womack i John Prine.
Teksański zespół Midland, którego debiutancki album, On The Rocks, został wydany we wrześniu 2017 roku, został okrzyknięty przez Billboard za wniesienie współczesnego dźwięku „George Strait 1980s new traditionalist” do współczesnej epoki. Midland, a także utalentowani The Cadillac Three, może nie są stricte Americana, ale obaj wnoszą do muzyki country te same cechy charakterystyczne Americany – świeżość i empatię. The Cadillac Three zostały wyprodukowane przez niezwykle utalentowanego Dave’a Cobba, który wykonał wiele wspaniałej pracy z Chrisem Stapletonem, Lindi Ortegą, Colterem Wallem, Brandi Carlile, Jasonem Isbellem i Amandą Shires.
Jasne jest, że Americana idzie od siły do siły. Wzrost usług przesyłania strumieniowego, takich jak Spotify oznaczają, że gatunek ma dostępność i widoczność głównego nurtu, nawet jeśli nie jest odtwarzany w tradycyjnych stacjach radiowych muzyki country. Dodano do tego mnóstwo festiwali, które pojawiły się, aby towarzyszyć corocznemu AmericanaFest w Nashville, który będzie obchodził 19. rok we wrześniu 2018 roku. Wśród nowych przybyszów są The Long Road. Jako festiwal „country, Americana i roots” rusza on w Wielkiej Brytanii w tym samym miesiącu. Festiwale stały się kluczowe dla ewolucji nowych talentów.
Od 2010 roku Americana jest kategorią uznawaną przez Recording Academy. Levon Helm był pierwszym zwycięzcą Americana Grammy (twierdząc, że kolejny jeden w 2012 roku), a nagroda została również dwukrotnie wygrał Jason Isbell. Mavis Staples to, Bonnie Raitt, Emmylou Harris, Rodney Crowell i Rosanne Cash również byli zwycięzcami. Wszechogarniająca natura Americany została pokazana w 2016 roku w zwycięstwie legendy Stax Records Williama Bella. Robert Plant, były frontman Led Zeppelin, który nagrywał zarówno z Alison Krauss, jak i Patty Griffin, powiedział „nie ma granic co do tego, gdzie Americana może pójść”.
Wielostronna natura Americany będzie kontynuowana, ponieważ rozprzestrzenia się na kontynentach. Kiedy Americana została nagrodzona dedykowaną listą albumów przez Official Charts Company w Wielkiej Brytanii, w pierwszej dziesiątce znalazły się takie zespoły jak Ryan Adams, Lucinda Williams i szwedzki duet rodzeństwa First Aid Kit. Istnieją teraz Americana Music Associations w Wielkiej Brytanii i Australii – a
daleki płacz od 1999 roku, kiedy grupa DJ-ów radiowych, pracowników wytwórni i dziennikarzy muzycznych spotkała się nieformalnie na konferencji przemysłu muzycznego South By Southwest w Austin w Teksasie, aby omówić, w jaki sposób mogą promować muzykę, którą kochają, i postanowił utworzyć organizację.
Jimmie Fadden, z The Nitty Gritty Dirt Band, jest cytowany w książce The Americana Revolution, mówiąc, że „Americana była próbą zgrupowania wielu niewytłumaczalnych form muzyki korzeni w sposób, który mógłby być zamknięty, przedstawiony publiczności, ze zrozumieniem, że ma nazwę”.
Nazwa ta jest teraz znacząca. Muzyka Americana jest progresywna i krawędzi tnącej, a jeden z najlepiej sprzedających się gatunków muzycznych dla albumów – wyprzedzając R&B, hip-hop i taniec w 2016 roku, według Billboard – i uznany przez kulturowych heavyweights. Nagrodzona PEN/Faulkner powieściopisarka Ann Patchett powiedziała niedawno The New York Times, że Americana jest „najfajniejszą sceną muzyczną dzisiaj”.
New Americana będzie kontynuowana, słowami Hanka Williamsa, aby „pokazać ludziom zupełnie nowy taniec”, ale cokolwiek nadejdzie, muzycy zawsze będą mieli cenną historię, do której mogą się odwoływać. Znakomitym przykładem jest Ry Cooder, który od ponad pół wieku tworzy genialną muzykę Americany. Na najnowszym albumie Coodera (The Prodigal Son, wydanym przez Fantasy Records) znalazł się cover utworu Stanleya Cartera „Harbour Of Love”, piosenki po raz pierwszy wykonanej w latach 50. dla Mercury Records. „Jest jakiś rodzaj nastroju czci, który bierze górę, gdy grasz i śpiewasz te piosenki”, powiedział.
Ta cześć i entuzjazm jest dlaczego muzyka korzeni Americana będzie nadal kwitnąć.
Szukasz więcej? Odkryj 10 najlepszych albumów Americana wszech czasów.
.