Jako filmowcy, zawdzięczamy naszą pasję pionierom filmu i fotografii, a następnie filmowcom, którzy podążyli za nimi. Wierzę w spoglądanie wstecz, aby wprowadzać innowacje i iść naprzód, aby być inspirowanym i inspirować. Swoją inspirację zabieram ze sobą, gdziekolwiek jestem, gdziekolwiek pracuję i przekazuję ją tym, którzy mnie otaczają na planie i w moim zespole HA.
W dzisiejszym poście chciałabym przedstawić Wam początkującego filmowca, który jest częścią naszego zespołu HA i od kilku lat wyrabia sobie nazwisko jako filmowiec, Brendana Sweeneya. Pochodzi z Pittsburgha, ale nie będę miał mu tego za złe! Ha ha! Przyjechał do Los Angeles, by realizować swoje marzenia i każdego dnia wnosi do naszej siedziby swoją kreatywność i pasję do filmu – zwłaszcza starego kina – a my mu za to dziękujemy! Jego ostatni film „Impossibility:Possibility” A teraz podzieli się z Wami swoją pasją i opowie o tym, gdzie film się zaczął. Uwielbia mówić o historii filmu i dzielić się nią, a to takie ważne, aby pamiętać, gdzie byliśmy, abyśmy mogli wykuwać nowe ścieżki, którymi będziemy podążać.
Take it away Sweeney!
Photographic Film is a strip or sheet of transparent plastic film base coated on one side with a gelatin emulsion containing microscopically small light-sensitive silver halide crystals. Rozmiary i inne właściwości kryształów decydują o czułości, kontraście i rozdzielczości filmu. (Karlheinz Keller et al. „Photography” w Ullmann’s Encyclopedia of Industrial Chemistry, 2005, Wiley-VCH, Weinheim.)
Czekaj, gdzie jest czujnik? Co z 1’s i 0’s? Jak mogę zobaczyć, co fotografuję? Czy mogę sprawdzić ekspozycję za pomocą fałszywego koloru?
Większość z was prawdopodobnie pamięta czasy filmu, przynajmniej w sensie fotograficznym. W pewnym momencie w naszej branży, wykorzystanie filmu celuloidowego było jedyną opcją dla naszych projektów. To nie był wybór typu czujnika obrazu, to był wybór typu filmu. Film był tym „czujnikiem obrazu”, procesem chemicznym, który przechowywał twoje obrazy. Wybór polegał na tym, jakiej taśmy filmowej chciałeś użyć do opowiedzenia swojej historii i jakie obiektywy chciałeś do niej dobrać. Rzeczy nie znajdowały się od razu przed tobą, jak to ma miejsce dzisiaj w świecie cyfrowym. Nie było monitorów do sprawdzania ostrości czy poziomu IRE. To był świat patrzenia przez obiektyw za pomocą wizjera optycznego i oglądania sceny w niezmienionej perspektywie.
To były czasy kręcenia filmów… Świat, w którym operator mógł być jednością z kamerą i żaden producent nie mógł kwestionować tego, co robi. To była gra umysłowa, czas prawdziwej prewizualizacji i wystawiania swoich umiejętności na próbę.
Dlaczego więc mówię tak wysoko o filmie? Cóż, zanim przejdę do mojej osobistej miłości do filmu – omówmy jego historię i znaczenie dla przemysłu, w którym dziś pracujemy.
A BRIEF LOOK INTO THE PAST
The first publicly available photographic film was called, Daguerreotype. Film ten został po raz pierwszy wprowadzony w 1839 roku przez Louis-Jacques-Mandé Daguerre i utrzymał się na rynku przez około 20 lat, dopóki nie zostały opracowane nowsze/tańsze metody fotografowania. W latach 50-tych XIX wieku fotografia na płytkach szklanych stała się standardem dla większości aparatów fotograficznych w terenie. Dzięki lepszej jakości optycznej niż wczesne przezroczyste tworzywa sztuczne i dagerotypia, stała się ona najlepszą metodą dla fotografów do czasu, gdy na scenę wkroczył George Eastman. W 1885 roku George wprowadził na rynek pierwszy „elastyczny film fotograficzny w rolce”, ale film ten był w rzeczywistości papierem pokrytym powłoką. Pierwsza przezroczysta plastikowa rolka pojawiła się na rynku w 1889 roku i była wykonana z wysoce łatwopalnego nitrocelulozowego „celuloidu” lub obecnie znanego jako „film azotanowy”. Jest to materiał, o którym wszyscy słyszeli w historii filmu i jak by się palił!
To tutaj Eastman Kodak Company stała się instytucją, która prowadziła ruch w filmie fotograficznym i jak to miało być zrobione w fotografii. Każdy przynajmniej słyszał o Kodaku i ich długiej historii w filmach kinowych. Dla mnie, są one jednym z największych amerykańskich firm, które kiedykolwiek istniały!
THE BIRTH OF AN INDUSTRY
Alright, let’s start discussing how photographic film got picked up and placed into the setting of motion picture film. Najstarszy nagrany krótki film pochodzi z 1888 roku i nazywa się, Roundhay Garden Scene.
„Roundhay Garden Scene”
Ta krótka scena została nagrana przez wynalazcę Louis Le Prince. Film został nakręcony na miejscu w Oakwood Grange w Roundhay, Leeds, i uważa się, że jest to najstarszy zachowany film w istnieniu. Z jego czarnym & białym, szorstkim wokół krawędzi wygląd – to niesamowite, aby zobaczyć, jak daleko zaszliśmy, od naszych skromnych początków w rzemiośle do naszych obecnych wielomilionowych produkcji. Oglądając prace takie jak ta, można sobie tylko wyobrazić, gdzie będziemy za kolejne sto lat, gdzie to medium będzie przekraczać, i jak to będzie definiować nas.
Film naprawdę dostał swoją stopę podczas pchnięcia z Kinetoskopu Thomasa Edisona i Kinematografu braci Lumiere. Te dwa wynalazki napędzały to, co w tamtym czasie było tylko nowością i pomogły stworzyć podstawy naszego dzisiejszego przemysłu. Kinetoskop został wynaleziony po raz pierwszy i był jednoosobowym urządzeniem do wyświetlania ruchomych obrazów – nie był to projektor filmowy, ale wprowadził podstawowe podejście, które stało się standardem dla wszystkich projekcji kinowych przed pojawieniem się wideo, tworząc iluzję ruchu poprzez przenoszenie paska perforowanej folii z sekwencyjnymi obrazami nad źródłem światła z szybką migawką.
Rodzina Lumiere była już gigantem w branży fotograficznej i dowiedziała się o tym, co Edison i jego zespół robili w Stanach Zjednoczonych. Ze względu na ich europejskie położenie, zdecydowali się przyjąć jego koncepcję, ale chcieli być w stanie przedstawić ruchomy obraz wielu osobom jednocześnie. Stworzyli maszynę, która mogła nie tylko przechwytywać ruchomy obraz, ale także drukować i wyświetlać go dla szerszej publiczności. Niesamowitą rzeczą jest to, że ich wynalazek byłby o ¼ mniejszy od wynalazku Edisona i ustanowiłby komercyjne zapotrzebowanie na ich produkt.
Wczesne filmy braci Lumiere
Dzięki kompaktowemu charakterowi ich kamery, otworzyła ona nowe sposoby dla ludzi na komponowanie ujęć, jak również sposoby poruszania kamerą. Filmowcy przyniósł ten aparat na całym świecie i przeniósł widzów do miejsc w czasie ludzie nigdy nie widzieli wcześniej. To było elektryzujące, a ilość filmów wyprodukowanych przez braci Lumiere na przestrzeni lat liczy się w tysiącach! Stworzyli oni wczesne projekty tego, jak należy opowiadać historię za pomocą tego nowego medium. Na pewien czas w historii kina filmowego, stało się to standardowym narzędziem do wykonania pracy.
Jeśli chcesz dowiedzieć się więcej o braciach Lumiere, sprawdź te dwa podcasty autorstwa Tracy V. Wilson i Holly Frey na stronie Things You Missed In History Class:
The Lumiere Brothers, Part 1:
The Lumiere Brothers, Part 2:
THE SILENT YEARS
As the years progressed into the 1900s, filmmaking became the 20th century art form to beat! Firmy produkcyjne zaczęły powstawać, nowi filmowcy wchodzili na scenę, rodziły się gwiazdy. Lata 1910-1927 to okres, w którym nieme filmy narracyjne – zwane „filmami wielospektralnymi” (wkrótce nazwane pełnometrażowymi) – stały się normą dla widzów na całym świecie. Medium to wkrótce zrównało się z widowiskami teatralnymi i stało się miejscem adaptacji powieści na duży ekran. W 1916 roku w samych Stanach Zjednoczonych działało już ponad 21 000 kin.
Przez około dwie dekady nieme filmy przebrnęły przez wzloty i upadki propagandy pierwszej wojny światowej, rozkwitły w krajach europejskich, a następnie rozpoczęła się nowa ewolucja filmu…
PRE-WORLD WAR II SOUND ERA
Przy niemal natychmiastowej komercyjnej i kulturalnej popularności kina wśród publiczności na całym świecie, stało się oczywiste, że potrzebujemy czegoś nowego po prawie dwóch dekadach sukcesu niemych filmów. W 1900 roku w Paryżu odbyła się pierwsza znana publiczna wystawa projekcji zsynchronizowanych filmów dźwiękowych. Był to pierwszy krok na drodze do tego, do czego przyzwyczaił nas XXI wiek.
Krawędź odbitki filmowej 35 mm przedstawiającej ścieżki dźwiękowe. Najbardziej zewnętrzny pasek (po lewej stronie zdjęcia) zawiera ścieżkę SDDS jako obraz sygnału cyfrowego; następny zawiera perforacje używane do prowadzenia filmu przez projektor, a pomiędzy nimi ścieżkę Dolby Digital, szare obszary z logo Dolby Double-D. Dwie ścieżki analogowej ścieżki dźwiękowej na następnym pasku są dwustronne, o zmiennej powierzchni, gdzie amplituda jest przedstawiona w postaci fali. Są one zazwyczaj kodowane przy użyciu matrycowania Dolby Stereo, aby symulować cztery ścieżki. Na koniec, po prawej stronie, widoczny jest kod czasowy używany do synchronizacji z płytą CD-ROM ze ścieżką dźwiękową DTS.
W 1919 roku amerykański wynalazca Lee Dee Forest zgłosił kilka patentów, które utorowałyby drogę do pierwszej technologii optycznej dźwięku na taśmie filmowej. Te nowe osiągnięcia miały zostać zastosowane w warunkach komercyjnych.
Przy dalszym rozwoju w 1923 r. widzowie zostali wprowadzeni do pierwszego komercyjnego pokazu krótkiego filmu z wykorzystaniem „dźwięku na taśmie filmowej”. Kiedy wprowadzono filmy dźwiękowe z zsynchronizowanym dialogiem, natychmiast zaczęto je nazywać „gadającymi obrazami” lub „talkies”. Początkowo wykorzystywano je wyłącznie w filmach krótkometrażowych, a dopiero po pewnym czasie do technologii tej przekonały się filmy fabularne.
W październiku 1927 roku na rynek trafił pierwszy film pełnometrażowy wykorzystujący tę technologię. Była to produkcja Warner Bros. Pictures, The Jazz Singer. Był to wielki hit dla publiczności w całym kraju i został wyprodukowany z Vitaphone, który był w tym czasie wiodącą marką dla technologii sound-on-disc.
Jak wymagania publiczności dla „talkies” rosły, stało się oczywiste przez system studio, że to było tutaj, aby pozostać i musieli podążać za tym. W latach 30. talkies stały się globalnym fenomenem i pomogły zabezpieczyć pozycję Hollywood jako jednego z najważniejszych kulturalno-handlowych centrów wpływów na świecie.
KOLOR I NOWA FALA
Kolor w filmie kinowym zawsze był kierunkiem, do którego przemysł próbował się dostać. Pierwsze kinematografia kolorowa była przez dodawanie systemów kolorów, jak jeden opatentowany przez Edwarda Raymoura Turnera w 1899 roku i testowane w 1902 roku. Pierwszym komercyjnie udanym systemem koloru addytywnego był Kinemacolor. Był to uproszczony system, który wykorzystywał czarno-biały film do fotografii, a następnie wyświetlał dwa lub więcej obrazów składowych przez różne kolorowe filtry. Proces rozkwitł w latach 1908-1913.
Około 1920 roku opracowano i wprowadzono do przemysłu pierwsze praktyczne procesy koloru subtraktywnego. Podobnie jak Kinemacolor, również wykorzystywał czarno-biały film do fotografowania wielu kolorowo filtrowanych obrazów źródłowych, a produktem końcowym była wielokolorowa odbitka, która nie wymagała specjalnego sprzętu projekcyjnego.
W 1932 roku, największym postępem w filmie kolorowym było wprowadzenie procesu Technicolor z trzema paskami. Technicolor po raz pierwszy pochodzi z 1916 roku i został ulepszony w ciągu kilku dekad. Stał się drugim największym procesem kolorystycznym za Kinemacolor i był najczęściej używany w hollywoodzkich produkcjach od 1922 do 1952 roku. Technicolor był znany z pięknego, niepowtarzalnego wyglądu. Jego wysoce nasycone kolory stały się nostalgicznym wyglądem, który widzowie chcieli oglądać. Technicolor był powszechnie stosowany w filmach takich jak Czarnoksiężnik z Oz (1939), Przeminęło z wiatrem (1939), oraz w animowanych ruchów, takich jak Królewna Śnieżka i siedmiu krasnoludków (1937).
W 1932 roku, największy postęp w filmie kolorowym było wprowadzenie trzech pasków procesu Technicolor. Technicolor po raz pierwszy pochodzi z 1916 roku i został ulepszony w ciągu kilku dekad. Stał się drugim największym procesem kolorystycznym za Kinemacolor i był najczęściej używany w hollywoodzkich produkcjach od 1922 do 1952 roku. Technicolor był znany z pięknego, niepowtarzalnego wyglądu. Jego mocno nasycone kolory stały się nostalgicznym widokiem, który widzowie chcieli oglądać. Technicolor był powszechnie stosowany w filmach takich jak Czarnoksiężnik z Oz (1939), Przeminęło z wiatrem (1939) oraz w filmach animowanych, takich jak Królewna Śnieżka i siedmiu krasnoludków (1937).
Kolor w filmie motion picture nadal rosła popularność, aż stała się normą dla filmów fabularnych. W XXI wieku, to rzadko, że mamy kompletny czarno-biały film. Kolor wyrył swoje miejsce w naszych umysłach jako widzów i tak już zostanie.
WAŻNOŚĆ FILMU
Dlaczego więc przechodzę przez historię tego? Pewnie część z nich już słyszeliście, więc jak to się przekłada na znaczenie filmu? Cóż, ujmijmy to w ten sposób… film jest oryginalnym medium. To jest to, co wielcy wykorzystywali przez ponad 100+ lat i z jakichkolwiek powodów – został zdegradowany z powodu cyfrowego.
Cyfrowy jest teraz królem wzgórza, ale czy to dobra rzecz? To nie jest ani dobre, ani złe! Otworzyliśmy wrota dla nowej generacji filmowców, którzy nigdy nie byliby w stanie zdobyć filmu. Daliśmy ludziom głos, który potencjalnie nigdy wcześniej nie byłby w stanie wyrazić siebie. Cyfrowe medium jest narzędziem, którego potrzebujemy, by otworzyć branżę dla tych, którzy chcą w niej uczestniczyć. Pomogło nam to zrozumieć inny sposób robienia filmów i zawsze świetnie jest mieć „opcje” podczas robienia filmów.
Cóż, poświęćmy sekundę na rozmowę o tych „opcjach”…
W 2014 roku mieliśmy jedną z długoletnich firm produkujących filmy w negatywie kolorowym, która zamknęła swoją produkcję filmów. To był Fujifilm, producent ETERNY, i co niektórzy uważają za pięknie wyglądającego konkurenta Kodaka. Teraz zostaliśmy z wycofanym z produkcji materiałem, z którym potencjalnie już nigdy nie będziemy mieli okazji filmować.
Dlaczego więc jest to problem? Problemem jest to, że straciliśmy „opcję” dla filmowania. Jedyny pozostały kolor-negatywny lewo jest linia Kodak Vision3 i Wittner Agfachrome 200D do odwracania kolorów. Nie licząc kilku małych butikowych, eksperymentalnych kaset, to wszystko co nam pozostało dla filmu kolorowego. Och, czy zapomniałem wspomnieć, że Kodak złożył wniosek o upadłość w 2012 roku i prawie straciliśmy to, jak również…
Moja sprawa z cyfrowym jest to, że pozwolił mas łatwo zapomnieć, co „film” jest, to rola w jak filmowanie przyszedł do teraz, i to, co jest stał dla. W ciągu niespełna dekady film został niemalże wykopany na śmierć. Gdyby nie grupa hollywoodzkich elit łączących się razem – potencjalnie stracilibyśmy medium, formę sztuki i sposób myślenia.
Oto, co niektórzy filmowcy mają do powiedzenia na temat filmu:
Hoyte van Hoytema (Tinker Tailor Soldier Spy, Interstellar, Her)
Sama debata jest po prostu głupia, wiesz? Jedną z najgorszych rzeczy była debata, ponieważ zakłada, że jest „lepszy” i „gorszy”, że jest „zwycięzca” i „przegrany”. Ja wcale tak na to nie patrzę. Ta polaryzacja i przedstawianie, że jest coś lepszego i coś gorszego jest po prostu niedorzeczne. Każdy może podać powód, dla którego coś jest dobre lub złe w sensie technicznym. Ale powód, dla którego filmowcy tacy jak Christopher Nolan kręcą na taśmie filmowej, nie ma nic wspólnego z „lepszym” czy „gorszym”. To po prostu ma związek z bardzo osobistym gustem. Każdy chce mieć inny rodzaj płótna. Jedni lubią malować farbami olejnymi, inni akrylowymi, a jeszcze inni krowim gównem, wiesz? Cała ta dyskusja jest bezużyteczna, a jedyną rzeczą, jaką ona wywołała jest to, że ludzie, którzy nic o tym nie wiedzą, zaczynają lobbować za jakimś formatem. Jeden format staje się powoli przestarzały i powstrzymuje wielu ludzi przed takim wyborem w przyszłości, co jest bardzo smutne, bo uważam, że ten wybór powinien być dostępny dla ludzi takich jak Chris czy Quentin Tarantino, Scorsese czy Spielberg, ktokolwiek, czy Paul Thomas Anderson. Ich wybory dotyczące tego, dlaczego kręcą film, nie zawsze są wyborami technicznymi.
(„’Interstellar’ cinematographer on grounding Nolan’s movie and shooting Bond on film”)
Martin Scorsese (Goodfellas, Casino, The Departed)
Mamy wiele nazw na to, co robimy – kino, filmy, motion pictures. I… film. Nazywa się nas reżyserami, ale częściej jesteśmy nazywani filmowcami. Filmowcami. Nie sugeruję, byśmy ignorowali oczywistość: HD nie nadchodzi, ono już jest. Zalety są liczne: kamery są lżejsze, o wiele łatwiej kręcić w nocy, mamy do dyspozycji o wiele więcej środków do zmiany i udoskonalania naszych obrazów. Ponadto, aparaty są bardziej przystępne cenowo: teraz naprawdę można robić filmy za niewielkie pieniądze. Nawet ci z nas, którzy wciąż kręcą filmy na taśmie filmowej, kończą w HD, a nasze filmy są wyświetlane w HD. Tak więc, moglibyśmy łatwo zgodzić się, że przyszłość jest tutaj, że film jest kłopotliwy i niedoskonały, trudny w transporcie i podatny na zużycie i rozkład, i że nadszedł czas, aby zapomnieć o przeszłości i pożegnać się – naprawdę, można to łatwo zrobić. Zbyt łatwo.
Wydaje się, że ciągle przypomina się nam, że film to w końcu biznes. Ale film jest także formą sztuki, a młodzi ludzie, którzy chcą robić filmy, powinni mieć dostęp do narzędzi i materiałów, które były podstawą tej formy sztuki. Czy komukolwiek przyszłoby do głowy, by kazać młodym artystom wyrzucić farby i płótna, bo iPady są o wiele łatwiejsze do noszenia? Oczywiście, że nie. W historii kina tylko znikomy procent dzieł składających się na naszą formę sztuki nie został nakręcony na taśmie filmowej. Wszystko, co robimy w HD, jest próbą odtworzenia wyglądu filmu. Film, nawet obecnie, oferuje bogatszą paletę wizualną niż HD. Musimy też pamiętać, że film jest wciąż najlepszym i jedynym sprawdzonym w czasie sposobem na zachowanie filmów. Nie mamy pewności, że informacje cyfrowe będą trwać, ale wiemy, że film będzie, jeśli odpowiednio przechowywane i zadbane.
Nasz przemysł – nasi filmowcy – zjednoczył się za Kodak, ponieważ wiedzieliśmy, że nie możemy sobie pozwolić na ich utratę, jak straciliśmy tak wiele innych zasobów filmowych. Ta wiadomość jest pozytywnym krokiem w kierunku zachowania filmu, formy sztuki, którą kochamy.
(„Martin Scorsese Writes Letter Supporting Kodak and Film Stock”)
Wielu filmowców, których dziś podziwiamy, ma swoje zdanie na ten temat. Wojna toczy się dalej o debatę „film kontra cyfra”, ale nie o to mi chodzi. Chodzi o to, jak ważne jest zachowanie jak największej liczby opcji. Im mniej opcji mamy, tym mniej sposobów na wyrażenie siebie. Jako filmowiec, wiem, że nie chcę być twórczo ograniczony z powodu wycofanych produktów.
PRZESZŁOŚĆ FILMU
Jak dalej będziemy podążać drogą cyfryzacji reszty świata, widzę świetlaną przyszłość dla filmu. W ciągu ostatnich dwóch lat byliśmy świadkami odrodzenia się „filmu” w branży i zainteresowania nim młodszej grupy demograficznej. Kodak uniknął niemal pewnej śmierci i nie jest już w stanie upadłości. Coraz więcej filmów fabularnych decyduje się na kręcenie w całości na taśmie filmowej lub na podejście hybrydowe z cyfrowym. Produkcje niezależne pragną nostalgicznego wyglądu i szukają ekip, które wiedzą jak pracować z tym medium. Widzimy coraz więcej filmów dodających projekcje filmowe i publiczność wychodzącą, aby się nimi cieszyć!
Tworzymy świat, w którym oba media mogą żyć i pracować razem. To jest przyszłość, którą widzę, a ona właśnie nadchodzi. Wraz z otwarciem przez Kodaka nowych laboratoriów obróbki w USA i Wielkiej Brytanii, a także przywróceniem do życia Ektachrome, mam nadzieję, że będzie to okazja dla Arri i Panavision do ogłoszenia nowej kamery filmowej. Ponieważ reżyserzy i autorzy zdjęć kontynuują swoje wysiłki, jest to tylko tendencja wzrostowa dla filmu i jego trwałości.
Nawet Blackmagic Design, jeden z największych producentów cyfrowych kamer kinowych, również tworzy nagłówki w „filmowej” sferze przemysłu. W ciągu ostatnich kilku lat przejęła długoletnią firmę Cintel, zajmującą się skanowaniem filmów, i wprowadziła na rynek swój pierwszy skaner do filmów 4K. Smukły i elegancki skaner Blackmagic Design Cintel może wisieć pięknie na ścianie i bez trudu łączy się z Davinci Resolve. Stwarza to drogę do opłacalnego skanowania dla filmowców, którzy chcą wejść na rynek.
IN CONCLUSION
Chyba chodzi mi o to, żeby studiować to, co było przed nami i wypróbować narzędzia, których używali wielcy. Niezależnie od tego, czy pozostaniecie przy filmie, czy zdecydujecie się pozostać całkowicie cyfrowymi, przynajmniej spróbujecie tego medium i zrozumiecie jego znaczenie. Mógłbym cały dzień rozwodzić się nad tym, że nie ma lepszego uczucia niż słyszeć, jak film przewija się przez aparat, że nie ma nic bardziej satysfakcjonującego niż widzieć, jak obraz ożywa po powrocie z laboratorium. To magiczne doświadczenie, ale ja wyrażając to nigdy nie sprawi, że zrozumiesz, aż wyjdziesz i spróbujesz.
Musimy kontynuować rzemiosło sposoby przechwytywania ruchomego obrazu. Jeśli nowe sposoby wykorzystują wideo 360 stopni VR, dodajmy je do skrzynki z narzędziami. Potrzebujemy przyszłości bez ograniczeń i to zaczyna się od nas, zachowując, a nie lekceważąc.
Jedna ostatnia rzecz… aparaty cyfrowe starają się odtworzyć „film”. Dlaczego po prostu nie kręcić na kliszy zamiast udawać? Wyjdźcie tam i zróbcie film!
Cheers,
Brendan Sweeney
www.brendanjsweeney.com
@brenjamessween
.