The Scene
Something big is going on-.oddolny ruch muzyczny na tak wielką skalę, że sam jego impet wydaje się nie do zatrzymania. Nagle, naród neo-hipisów w kolorowych koszulach i pierścionkach na nosie, cuchnących olejkiem paczulowym i skunkweedem, grawituje na parkiety wszędzie, by cieszyć się dobrymi wibracjami i radością otwartego, zorientowanego na groove jammingu. I tak samo nagle, nowa generacja zespołów wyrosła, aby nakarmić ich pasję.
Wynikiem tego nagłego i żarliwego zainteresowania improwizacją opartą na tańcu jest rozrastająca się i żywotna scena „jam band”, która rozciąga się od wybrzeża do wybrzeża i jest połączona siecią klubów nocnych i stron internetowych, gdzie fanatycy groove’u handlują kasetami, płytami CD i plikami MP3, rozmawiając podekscytowani o nadchodzących koncertach swoich ulubionych grup. To niewidzialne imperium, które dotyka jazzowej tradycji, ale istnieje w równoległym wszechświecie, kilka lat świetlnych od starej (Van) gwardii. Witamy w przyszłości jazzu?
Podobni w duchu i wyglądzie zewnętrznym do Woodstock Nation, około 1970 roku, te beat-hungry hordes są dumnymi członkami Groove Nation 2000. Zbierają się w małych i dużych klubach, takich jak The Mellow Mushroom w Chapel Hill, Higher Ground w Burlington, Bop Shop w Chicago, Club One w Tulsa, Mama Einstein’s w Athens, Ohio, Elbo Room w San Francisco, Tipitina’s w Nowym Orleanie, Tinker Street w Woodstock, Wetlands Preserve w Nowym Jorku… lista ciągnie się w nieskończoność. Albo gromadzą się masowo na letnich festiwalach jam bandów, takich jak Gathering of the Vibes w Connecticut, All Good Festival w Maryland, BeatJam w Maine, High Sierra Festival w Północnej Kalifornii i Berkfest w górach Berkshire w Massachusetts. Tam groove’ują przy dźwiękach Deep Banana Blackout, Galactic, Soulive, Fat Mama, Schleigho, Michael Ray & The Cosmic Krewe, Jacob Fred Jazz Odyssey, Jiggle the Handle, String Cheese Incident, Ominous Seapods, The Hosemobile, The Slip, ViperHouse, Greyboy Allstars, The Jazz Mandolin Project, Rockin’ Teenage Combo, Percy Hill, Project Logic, The New Deal, Living Daylights, Karl Denson’s Tiny Universe…lista ciągnie się dalej i dalej i dalej.
Publiczność na tych koncertach jest niezwykle otwarta, na co zwróciło uwagę wielu muzyków z tej sceny. Są bardziej uczestnikami niż biernymi widzami, poddają się muzyce, miotając się i machając swoimi chudymi, młodymi ciałami na parkiecie w rodzaju spastycznego hipisowskiego rytuału groove. Wydaje się, że w równym stopniu czerpią z ducha improwizacji, co z tanecznych bitów. Dysonanse i muzyczna złożoność ich nie odstraszają. Dżemy mogą rozpłynąć się w przestrzennych abstrakcjach lub gęstych, swobodnych wycieczkach, a oni nadal będą tam siedzieć, bardziej zaciekawieni niż zdezorientowani. W istocie, wydaje się, że czerpią ładunek z „dźwięku niespodzianki”, który od dawna kojarzony jest z jazzem. W tym tłumie nie ma osądów. Nie ma szans na złe nuty czy złe wibracje. Wszystko jest z nimi w rytmie groovy, co jest bardzo wyzwalającym scenariuszem dla muzyków.
„To zdecydowanie otwarta rzecz i to jest to, co w niej kocham”, mówi Brian Haas, lider i klawiszowiec z zuchwałym septetem Jacob Fred Jazz Odyssey z Tulsy. „Nie mam wrażenia, że ci ludzie przychodzą na występy z jakimikolwiek oczekiwaniami. Nie obchodzi ich nawet to, że przez 45 minut nie będziemy się ruszać, a mój perkusista nie gra nic poza trójkątem, wiesz? Jest tu prawdziwa otwartość i wydaje się, że pomaga to scenie jazzowej wejść na wyższy poziom. To po prostu zupełnie nowa publiczność, w pewien sposób. Od początku byliśmy bardzo świadomi, że te wszystkie hipisowskie dzieciaki nagle pokochały jazz. A teraz zawsze mówimy: 'Dzięki Bogu za hipisów’, bo mają naprawdę nieosądzającą postawę, która jest po prostu idealna dla jazzu.”
„To jest jak inny świat”, mówi gitarzysta John Scofield, którego groove-heavy nowy projekt, Bump (Verve), zatrudnia obsadę młodych turków ze sceny jam band, w tym perkusista Johnny Durkin i perkusista Eric Kalb z Deep Banana Blackout, basista Chris Wood z Medeski Martin & Wood, Mark De Gli Antoni z Soul Coughing i rytmiczny tandem basisty Tony Scherr i perkusista Kenny Wollesen z Sex Mob. „To dzieciaki chodzące na te rzeczy i naprawdę otwarte na wiele różnych rodzajów muzyki i otwarte na eksperymenty, co jest naprawdę inne”, mówi Scofield.
„To gigantyczna rodzina”, mówi Arne Livingston, basista z tria Living Daylights z Seattle. „I to jest jedna rzecz, której nauczyłem się grając na tych koncertach: po pewnym czasie nie chodzi już nawet o muzykę. Chodzi o bycie częścią rodziny, o to, że ludzie chcą iść do klubu, w którym zobaczą swoich przyjaciół. Muzyka jest ważna, ale chodzi też o bycie częścią sceny towarzyskiej.”
Według Fuzza, 29-letniego gitarzysty Deep Banana Blackout, „To po prostu muzyka, przy której można się dobrze bawić i tańczyć. Większość muzyki na tej scenie jest oparta na groove’ie i ogólnie ma radosny i przyjazny klimat, więc utrzymuje ludzi w tym duchu. Ale nie jest to tylko radosna hipisowska muzyka przez cały czas. Myślę, że dostają się do wszystkich różnych smaków, które te grupy mają do zaoferowania.
„Żadna z muzyki, którą słyszałem nie jest mroczna lub przygnębiająca,” kontynuuje Fuzz, „więc jest to rodzaj alternatywy dla alternatywnej muzyki rockowej z lat 90-tych. Wiele z tej muzyki było bardzo przygnębiające, jakby wszyscy byli na złym heroinowym tripie i chcieli się zabić. Ale ta scena jam bandów jest bardziej o ludziach, którzy cieszą się sobą i czerpią z muzyki to, czym ona jest, a nie mają tego całego mrocznego, depresyjnego obrazu czy uczucia 'nienawidzę swojego życia, nienawidzę świata, świat się skończy’. Ten rodzaj mentalności zaczął przejmować popkulturę w latach 90-tych, ale teraz to już przeszłość.”
The Sound
While istnieją różne stylistyczne dopływy wychodzące ze sceny jam bandów, wspólną płaszczyzną wśród wszystkich zespołów jest ta idea rozciągania się i pozwalania muzyce rozwijać się organicznie, gdziekolwiek by ich to nie zaprowadziło. A publiczność jest bezpośrednio zaangażowana w tę muzyczną misję poszukiwania i odkrywania.
„Myślę, że ma to związek z dziedzictwem Grateful Dead w pewien sposób,” mówi Scofield. „To nowobogaccy hippisi… ludzie słuchający muzyki i tańczący, wczuwający się w fakt, że zespół wspólnie improwizuje i tworzy atmosferę, a publiczność jest tego częścią. Ale zasadniczo, to wszystko to różne podejścia do naprawdę kreatywnego rocka inspirowanego jazzem. Niektóre grupy brzmią jak The Dead, inne bardziej jak Herbie Hancock’s Headhunters, są też grupy takie jak Soulive, które jest fantastycznym młodym trio organowym, brzmiącym jak płyty Blue Note z wczesnych lat 60-tych. Jest nawet trochę improwizującego bluegrassu, jak Strangefolk. Więc to wszystko to różne rzeczy, a dzieciaki po prostu kopią to wszystko.”
Jeśli Grateful Dead ustanowili precedens dla tej hipisowskiej estetyki jamu z powrotem w latach 60-tych i 70-tych, pochodnia została później przekazana Phishowi, zespołowi rockowemu inspirowanemu Dead, który stał się latarnią dla awanturniczego rozciągania w latach 90-tych.
„Z powodu grupy takiej jak Phish, improwizacja stała się jedną z tych rzeczy, które są OK do zrobienia,” mówi Fuzz. „Teraz masz różne grupy przynoszące całkiem 'odjechane’ rzeczy na stół i ludzie to akceptują. Mówią: 'OK, to jest fajne. To brzmi jak ten Phish”. Więc nagle staje się OK, by robić takie rzeczy i to jest świetne dla wszystkich. To po prostu otwiera muzykę.”
Ale zarówno The Dead jak i Phish są wyraźnie z bardziej rockowego tła. Aby dowiedzieć się, gdzie jazzowy szczep przyszedł do tej estetyki Groove Nation, trzeba by spojrzeć na Medeski Martin & Wood (MMW), ojców chrzestnych całego zjawiska jam band. „Ci faceci zawsze byli idolami i trochę przed nami, po utworzeniu wcześniej niż my”, mówi perkusista Deep Banana Blackout, Johnny Durkin.
„Po prostu całkowicie patrzymy w górę do wszystkich trzech z tych braci,” Hass mówi o MMW. „Byli dla nas inspiracją odkąd jesteśmy razem, bez wątpienia. Oczywiście, patrzyliśmy na to, jak zaczynali – podróżując w vanie – i widzieliśmy, jak im to wyszło. Więc to nam mówi, żebyśmy po prostu przełknęli haczyk i kontynuowali to w taki sam sposób, jak oni to robili. I wygląda na to, że to się opłaca. To powolny proces, ale jest tak satysfakcjonujący.”
„Mówiąc o jazzie i muzyce groove i scenie Deadhead, oni są zdecydowanie mostem”, mówi Fuzz o wkładzie MMW. „Myślę, że są prawdopodobnie podobni do nas… ich pierwotnym zamiarem było bycie typem szalonego, jazzującego, robiącego swoje rzeczy zespołu. Chcieli po prostu tworzyć fajną muzykę. Ale w jakiś sposób słowo o nich się rozeszło i myślę, że był to jakiś związek z Phish. Myślę, że to naprawdę dał im prawdziwego kopa w spodnie i pomógł im dostać się na inne daty z innymi zespołami, które były na tej scenie.”
While to zostało błędnie zgłoszone, że kluczem do przełomu MMW był slot otwarcia na trasie Phish, prawda jest taka, że otworzyli na mega udanej grupy rockowej tylko na jednym koncercie, w Nowym Orleanie. Ale Phish regularnie puszczał kasety MMW przed swoimi występami, wystawiając ogromną nową publiczność na ich insynuacyjne, psychodeliczne groove’y. Jak przyznaje klawiszowiec MMW John Medeski, „Ich baza fanów rozprzestrzeniła słowo o nas.”
„Pierwszy raz widziałem,” Fuzz wspomina, „Byłem całkiem zdmuchnięty. To zespół, który ma naprawdę unikalne brzmienie i ma swój własny kierunek, ale po raz kolejny muzyka jest tak porywająca. Ma w sobie taki fajny klimat i może być jednocześnie tak psychodeliczna. I jest cała publiczność nowych hipisowskich ludzi, którzy naprawdę mogą się w to wczuć. Myślę, że MMW to wspaniała kolektywna rzecz. Oni po prostu eksplorują nieznane terytorium w wysoce improwizowanej sytuacji. Tak bardzo wczuwają się w moment, że mogą zagrać cały koncert improwizując, nie mając żadnej struktury utworów. Są dość niezwykli, jeśli chodzi o czystą improwizację. I myślę, że ich publiczność naprawdę to w nich docenia.”
Ewolucja MMW
„Pamiętam, że latem 1991 roku zagraliśmy koncert w Martha’s Vineyard,” wspomina Medeski. „To był nasz pierwszy koncert poza miastem. Potem zrobiliśmy mały jesienny swing na południu, żeby uciec od zimna, naprawdę. Co się stało, byliśmy w Nowym Jorku i zdaliśmy sobie sprawę, że w tamtym czasie mogliśmy zebrać 40 czy 50 osób, które przyszłyby zobaczyć nas grających w Knitting Factory. Więc zaczęliśmy myśleć, że może moglibyśmy pojechać do tych małych miasteczek studenckich i prawdopodobnie zebrać 40 czy 50 osób, które przyszłyby na nasze koncerty. Nie mieliśmy pojęcia, czy ludziom spoza Nowego Jorku się to spodoba, czy nie. Obawialiśmy się, że nikt nie będzie w stanie odnieść się do tej muzyki, ale kochaliśmy grać razem na tyle, żeby spróbować. Nasz pomysł był taki: 'Jeśli to zadziała, to możemy to robić cały czas’. Jedynym celem, jaki mieliśmy, było zarobienie wystarczająco dużo pieniędzy, aby kontynuować granie muzyki, którą chcieliśmy grać razem, zamiast konieczności zakładania smokingu i robienia koncertów weselnych i dorywczych, aby się utrzymać.
„Kiedy po raz pierwszy wyszliśmy, zrobiliśmy kilka klubów jazzowych i kawiarni oraz małych klubów rockowych,” kontynuuje. „Kluby jazzowe nie były dobrym doświadczeniem na każdym poziomie, ale kawiarnie i kluby rockowe były świetne. Młodsi ludzie byli o wiele bardziej otwarci i byliśmy naprawdę zszokowani reakcją publiczności. Ludzie zdawali się to rozumieć i cieszyli się, że przyjechaliśmy, nawet jeśli nie byli przyzwyczajeni do oglądania tego rodzaju muzyki. To pierwsze doświadczenie zachęciło nas na tyle, że postanowiliśmy wyruszyć ponownie. Na drugą trasę przyszło więcej ludzi i wszystko powoli się rozrastało. I co zabawne, w tym czasie musieliśmy grać free jazz, żeby wesprzeć naszą bardziej komercyjną karierę. Wracaliśmy z trasy z MMW, a Billy i ja graliśmy z Lounge Lizards lub Johnem Zornem, podczas gdy Chris grał z Markiem Ribotem w Rootless Cosmopolitans lub Shreck. Pojechalibyśmy z nimi na europejską trasę, zarobilibyśmy wystarczająco dużo pieniędzy, wrócilibyśmy, a potem ruszylibyśmy w trasę z MMW, które były dla nas jak małe wakacje.”
Ale nieco wyczerpujące wakacje, przynajmniej na początku, jak relacjonuje Medeski. „Po prostu wsiadaliśmy do vana i jechaliśmy. Mieliśmy małą kuchenkę w vanie, więc gotowaliśmy dla siebie, kiedy van był w ruchu. Dojeżdżaliśmy na koncert z ledwie wystarczającym czasem na próbę dźwięku. Spotykaliśmy kogoś na koncercie i kończyło się na tym, że spaliśmy na jego podłodze. Nigdy nie dostawaliśmy hoteli. Na naszej pierwszej trasie mieliśmy jeden koncert w Knoxville, gdzie dali nam hotel, a wszystko inne było na zasadzie „jedźmy i zobaczmy, co się stanie”. My naprawdę po prostu zrobić to wszystko, jak szliśmy dalej. „
Po kilku udanych trasach, MMW stopniowane z Billy Martin’s Ford van do używanego Coachman RV / Camper wyposażony w prysznic, kuchenka i lodówka. „Był okres dwóch lat, kiedy byliśmy w trasie przez większość czasu,” mówi Medeski, „i wtedy właśnie musieliśmy się wyprowadzić z naszych mieszkań w Nowym Jorku. Nie było nas już stać na ich utrzymanie, a ponieważ i tak cały czas byliśmy w trasie, zamieszkaliśmy w kamperze.”
Jako że kontynuowali szerzenie ewangelii groove’u i muzycznej spontaniczności, z biegiem czasu grupa zyskiwała coraz większe grono zwolenników, aż w końcu znalazła się na szczycie neo-groove’owego świata z autobusem, wściekłą międzynarodową publicznością i lukratywnym kontraktem płytowym z Blue Note, która wydała ich najlepiej sprzedający się album Combustication w 1998 roku. (Jak na ironię, ostatni album MMW dla tej wytwórni, Tonic, to żywy, swobodny projekt akustycznego tria fortepianowego, który ma więcej wspólnego ze sceną awangardową niż sceną groove, którą pomogli stworzyć.)
„Wszystko tak naprawdę zaczęło się od uczucia”, mówi Medeski z perspektywy czasu. „Kiedy mieszkałem w Bostonie, zagrałem kilka koncertów z Either Orchestra na Środkowym Zachodzie i zdałem sobie sprawę, że są tam dzieciaki z college’u, które po prostu chcą posłuchać muzyki… nowe pokolenie ludzi z głodnymi uszami. A większość naszych mentorów nie wychodziła i nie grała dla nich. Faceci po 40-tce, którzy byli prawdziwymi potworami, nie wychodzili i nie grali, bo zarabiali na życie w Europie. A my czuliśmy się tak, 'Stary, to jest Ameryka. Powinniśmy być w stanie robić to w naszym własnym kraju’. I wydawało się, że z mediami takimi, jakie są – komputerami i wszystkim – młodzi ludzie po prostu mają szerszą ekspozycję na różne rodzaje muzyki niż pokolenie przed nimi, więc ich umysły są naturalnie trochę bardziej gotowe, bardziej otwarte na to.
” Bob Moses powiedział kiedyś, i całkowicie się z nim zgadzam, że ci młodzi ludzie szukają dziś katarktycznego doświadczenia, które mogą uzyskać tylko z muzyki improwizowanej. To jest to, czego szukają, kiedy idą zobaczyć te zespoły. I myślę, że czasami im się to udaje, a czasami nie. Szukają tego uczucia, które można uzyskać tylko wtedy, gdy zespół jest na scenie i naprawdę improwizuje. I myślę, że to jest odpowiedzialność każdego z nas, także nasza, żeby naprawdę się starać, ćwiczyć i studiować muzykę, żeby mieć więcej do zaoferowania publiczności. Naprawdę czuję, że jeśli oni szukają tej katarktycznej rzeczy, to naszym obowiązkiem jest spróbować im to dać, naprawdę zagłębić się w improwizowaną muzykę i dotrzeć do jej duchowej strony.”
Ale czy to jest jazz?
„Chciałbym myśleć o jazzie jako o stale rozwijającym się stylu, który zapożycza od siebie i od wszystkiego innego” – mówi Livingston. „Jazz jest po prostu kulminacją wysiłków młodych ludzi w rodzaju kreatywnej, sięgającej dalej muzyki.”
„Wydaje mi się”, mówi Fuzz, „że w jazzie zawsze chodziło o indywidualną ekspresję. Więc wykonywanie go lub próba odtworzenia tego, jak zrobił to oryginalny facet, wydaje się być odbieraniem oryginalnej koncepcji. Chodzi mi o to, że masz wziąć tę muzykę i zrobić ją po swojemu, prawda? Jak możesz uczynić z tego część swojej osobistej ekspresji? Cóż, dla mnie rzeczą, którą naprawdę czuję od dłuższego czasu jest zdecydowanie funk i muzyka soul. Więc łączę funk, soul i hip hop z jazzem, a nawet odrobiną rockowej psychodelii. Dzisiaj nie ma twardych i szybkich zasad dotyczących tworzenia płyt jazzowych. Może kiedyś niektórzy ludzie podchodzili do tego trochę snobistycznie. Nie dzisiaj.”
W swoim solowym projekcie, On the Corner With Fuzz, gitarzysta ujawnia głębsze zrozumienie jazzu w swoich współczesnych coverach „Seven Come Eleven” Charliego Christiana, „Four on Six” Wesa Montgomery’ego i „Bloomdido” Charliego Parkera, w których udział biorą również czarodziej gramofonów DJ Logic i trębacz Michael Ray. „Studiowałem muzykę w college’u i miałem styczność z jazzem” – mówi Fuzz. „Jazz był raczej rzeczą, która podobała mi się sama w sobie. Doceniałem go i słuchałem wielu płyt jazzowych. Szczególnie przez ostatnie trzy, cztery lata byłem w nim naprawdę zanurzony. Więc z tym projektem mogę złożyć hołd pewnej muzyce, którą naprawdę lubię i umieścić w niej moją własną, osobistą ekspresję.”
Według perkusisty Stantona Moore’a z nowoorleańskiego Galactic, „Jam band to etykietka przyklejana zespołom, które mają podobne podejście, ale niekoniecznie podobne dźwięki. Jeśli weźmiesz zespół taki jak Greyboy Allstars, zespół taki jak Moe i zespół taki jak Soulive, to wszystkie one są dość mocno wrzucone do kategorii jam band, ale muzycznie niewiele się od siebie różnią. Ale rzecz w tym, że wszystkie te zespoły wyruszają w trasę i jeżdżą bez przerwy. Nie są zbyt często grane w radiu, więc zdobywają publiczność poprzez trasy koncertowe, tak jak MMW. Myślę, że wszystkie te zespoły zauważyły, że to podejście się sprawdziło, szczególnie w przypadku Grateful Dead. Byli w trasie przez lata i lata i nigdy nie odnieśli dużego sukcesu radiowego, ale byli jednym z największych zespołów w historii. Myślę więc, że cały jam band rozwinął się wokół zespołów, które lubią grać na żywo. I tak naprawdę jest wielu ludzi, którzy lubią przyjść i to zobaczyć i nie interesuje ich, ile dany zespół ma przebojów, ile złotych czy platynowych płyt. Chodzi o to, żeby przyjść i zobaczyć zespoły grające na żywo. Chodzi o zespoły występujące i eksperymentujące przed żywą publicznością, improwizujące na tym czy innym poziomie.”
„Cała scena jam bandów jest dość szeroka,” mówi Eric Krasno, 23-letni gitarzysta Soulive. „Zdecydowanie nie jesteśmy zespołem hipisowskim, a jednak podobamy się wielu ludziom z tego środowiska. Gramy na Berkshire Mountain Festival razem z Deep Banana Blackout, zespołami hip-hopowymi i new jungle. Zasadniczo gramy R&B i soul-jazz, ale i tak jesteśmy zdecydowanie w kręgu jam bandów. Myślę, że wspólną płaszczyzną jest czynnik groove’u.”
Pod przewodnictwem perkusisty Alana Evansa i jego grającego na organach B-3 brata, Neala, Soulive zyskało silną rzeszę zwolenników dzięki częstym występom na scenie jam bandów – ostatnio grali przez miesiąc w środy w Wetlands w Nowym Jorku – oraz dzięki sprzedaży swojej ultra-groove’owej debiutanckiej płyty, Turn It Out (Velour). Na nadchodzącym nagraniu grupy gościnnie pojawi się jeden z jej największych zwolenników, gitarzysta John Scofield.
Mówi Evans, dawniej perkusista Greyboy Allstars, „Jesteśmy pod wpływem wszystkich, od Jimmy’ego Smitha i Groove Holmesa do Granta Greena i wczesnego George’a Bensona. A mimo to, młodzi ludzie wciąż nas kopią. Jest coś w tym groovie, do którego mogą się odnieść. Osobiście zawsze chciałem tworzyć tego typu grupę. Pamiętam, że kiedy po raz pierwszy usłyszałem Granta Greena, pomyślałem: „Yo, to jest to. Więc to jest muzyka, którą zawsze kochałem. Dorastałem grając jazz, ale kochałem też Hendrixa i Jamesa Browna, więc to co robimy jest idealnym połączeniem .”
„Rzeczą, która czyni to nowym,” dodaje Krasno, „jest to, że dorastaliśmy z dostępem do tak dużej ilości muzyki. Słyszeliśmy Granta Greena i Sco grających fusion, a także reggae i hip hop. Wiele z tego, czego słuchaliśmy dorastając, to niekoniecznie był jazz, więc w naszym brzmieniu jest zdecydowanie wiele różnych elementów. Na naszej płycie można usłyszeć, że momentami jest bardziej rockowo i bluesowo. W niektórych utworach używam pedału wah i vocodera na gitarze, ale jednocześnie gram na jazzowej gitarze z pustym korpusem, więc możemy też pójść w coś, co brzmi jak stara płyta Granta Greena. Ale jest tam tak wiele innych elementów i to właśnie odróżnia nas od zwykłego wrzucenia starej płyty.”
„Wychodzimy z jazzowej tradycji i pozwalamy jej odzwierciedlać aktualne trendy muzyczne,” mówi Haas o Jacob Fred Jazz Odyssey. „Podejście, które wybraliśmy i które wybrało MMW, jest czymś, z czym nie spotykam się zbyt często, gdzie podchodzisz do tego z całkowicie improwizacyjnego punktu widzenia. Co oznacza, że czasami masz szczęście i wszystko idzie jak z płatka, a czasami, kiedy improwizujesz, wpadasz po uszy. Nie spotykam zbyt wielu zespołów, które podejmują takie ryzyko, gdzie po prostu wskakujesz na scenę i zaczynasz. Ale z Jacobem Fredem, powiedziałbym, że 98 procent rzeczy jest całkowicie improwizowanych. A w przypadku Welcome Home mieliśmy po prostu niesamowite szczęście. Daliśmy sobie w zasadzie dwie noce w małym klubie w Tulsa, żeby to zrobić. I boom – stało się, dzięki Bogu.”
Jazz Mandolin Project z Vermont to kolejna popularna atrakcja na scenie jam bandów. Początkowo postrzegany przez fanów jako spin-off projektu Phish, ze względu na obecność perkusisty Phish, Jona Fishmana we wcześniejszej edycji tria, JMP znacznie wzmocnił swoją jazzową wiarygodność w zeszłym roku, zatrudniając perkusistę Ariego Hoeniga i basistę Chrisa Dahlgrena, którzy są utalentowanymi młodymi adeptami nowojorskiej sceny jazzowej. I chociaż związek z jazzem stał się jeszcze bardziej wyraźny dzięki podpisaniu niedawno kontraktu z Blue Note (na swoim debiucie *Xenoblast* wznoszą się na nowe wyżyny), JMP zachował swoją bazę fanów jam bandów.
„Nigdy nie robiłem nic, aby promować ten związek”, mówi as mandoliny i założyciel JMP Jamie Masefield, „ale to właśnie większość ludzi, którzy przychodzą nas posłuchać to młodzi fani muzyki z bohemy. Czuję, że mamy szczęście mieć tak wspaniałą bazę fanów, ale to trochę dziwne, bo mam wrażenie, że społeczność jazzowa nie wie jeszcze o naszym istnieniu. Może słyszeli o nas, ale słyszeli, że to coś w rodzaju hipisowskiego, więc może ich to odrzuciło. Ale mam nadzieję, że połączenie z Blue Note sprawi, że fani jazzu będą chcieli to sprawdzić.”
W końcu, niezależnie od tego, czy zespół wywodzi się z Grateful Dead, Phish, P-Funk, Sun Ra czy Mahavishnu Orchestra, ostatecznie chodzi o wytrwałość, rozprzestrzenianie słowa na poziomie oddolnym i zbieranie konwertytów po drodze. Jak mówi Moore: „Wszystko, czego potrzebujesz, to pięć lub sześć chętnych kotów i furgonetka za tysiąc dolarów i już; możesz po prostu jeździć, jeździć, jeździć. Robisz to i robisz, i zanim się zorientujesz, masz już scenę jam bandu.”
JMP’s Masefield zgadza się z tym. „To właściwie bardzo staromodne pojęcie. Musisz sprawić, by to się stało tam, gdzie jesteś i rozprzestrzenić się jak tenacles. Odpowiedzialność jest twoja. Ruszaj w drogę, człowieku. To tam jest życie. Wsiadasz do vana i jesz w tłustych jadłodajniach, zaprzyjaźniasz się z każdym miastem i wracasz tam pół roku później i możesz się śmiać z tego, jak byłeś tam ostatni raz… żyjesz życiem. To trudne, ale hej, jeśli jesteś żonaty z muzyką i kochasz ją, to będzie to, co, miejmy nadzieję, będziesz chciał robić. Wsiadasz do vana i jeździsz bez końca przez długi czas i wszędzie wzniecasz 'pożary lasów’. Nie ma innego sposobu na zrobienie tego niż po prostu wyruszenie w trasę przez cały czas.”
The Future: MMW Jam Off It?
Ironicznie, ojcowie chrzestni sceny jam band dystansują się znacznie od groove thang na ich prowokacyjnym nowym wydawnictwie Blue Note, Tonic. Nagrany na żywo w ultra-hip klubie nocnym o tej samej nazwie (w miejscu, gdzie kiedyś znajdowała się koszerna winiarnia na Lower East Side na Manhattanie), ten śmiały projekt akustycznego tria fortepianowego ma więcej wspólnego ze spontanicznym spalaniem się tria Cecila Taylora niż z całą sceną jam band, którą pomogli rozwinąć.
Medeski, Martin & Wood zasugerował to radykalne odejście od neo-groove w „Latin Shuffle,” jedynym akustycznym utworze na Combustication z 1998 roku. Wpływ Cecila Taylora był rzeczywiście widoczny na tej dysonansowej wycieczce, wskazując drogę do bardziej ekscentrycznej estetyki, jaką jest Tonic. Chris Wood na kontrabasie, Billy Martin na perkusji, John Medeski na akustycznym fortepianie, intuicyjnie rozciągają się w abstrakcyjne sposoby, które mogą pozostawić tłumy jam bandów zdezorientowane i niezorientowane. Żadnych funkowych uderzeń perkusisty, żadnych chwytliwych, powtarzających się motywów, żadnych pulsujących, falujących groove’ów dla hipisów, których mogliby się tu chwycić (z możliwym wyjątkiem soul-jazzowego romansu Les McCann „Rise Up” lub wesołego, przypominającego Ahmada Jamala numeru „Buster Rides Again”). Ale wtedy, MMW nie jest wszystkim, że chętny do toczenia się z tym całym groove-jam bandwagon.
„Nie wiem, ja po prostu poruszam się w kierunku do przodu,” mówi Martin, który wydaje się niepomny na zjawisko, które nastąpiło w ślad za MMW. „Nie jestem świadomy tej sceny jam bandów i z pewnością nie przypisuję sobie zasług tych wszystkich różnych zespołów, które się nami inspirują. Bardzo mi pochlebia, kiedy słyszę, jak muzycy inspirują się tym, co robimy. Ale ja po prostu robię to, co robię, wiesz? Po prostu idę do przodu.”
A to, w co Martin idzie ze swoimi solowymi projektami, idzie całkowicie wbrew ziarnu groove. „Odkrywam teraz tak wiele rzeczy”, mówi z wielkim entuzjazmem. „Piszę naprawdę różną muzykę perkusyjną. Właśnie skończyłem utwór o nazwie 'Strijulations’, który bazuje na dźwięku świerszczy. To w zasadzie wszystkie te różne rytmy grane przez od czterech do ośmiu muzyków, które tworzą krajobraz wzorów. To jest coś, co zamierzam wydać w mojej własnej wytwórni. Zrobiłem też utwór na bęben basowy i gong o nazwie „Black Elk Speaks”. Wszystkie te rzeczy, nad którymi teraz pracuję, są tak dalekie od sceny jam bandowej i to naprawdę pomaga mi się zrównoważyć. Bo nie zrozumcie mnie źle, uwielbiam groove. Uwielbiam sprawiać, że ludzie tańczą i lubię uczucie grania takich groove’ów z Johnem i Chrisem. Ta scena jest interesująca. Ale potrzebuję tej innej improwizowanej muzyki, żeby to zrównoważyć.”
Basista Chris Wood skrzywił się, kiedy wspomniałem mu, że pracuję nad artykułem o scenie jam bandów, którą MMW pomogło zapoczątkować. Nasz wywiad zaczął się nieśmiało:
Chciałbym poznać twoje komentarze na temat tych wszystkich młodych jam bandów, które patrzą na was jako na wzór do naśladowania w tym groove’owym świecie. „Ohmigod!”
Zespoły z całego świata…Seattle, Tulsa, Montreal…oni wszyscy nazywają MMW ojcami chrzestnymi tej sceny.
„Teraz… jaka scena?”
Scena jam bandów.
„A tak.”
Jesteście ikonami, weteranami sceny.
„Ohmigod!”
I to jest interesujące, że pomogliście zapoczątkować cały ruch nie będąc tego świadomymi.
„A my nadal nie mamy pojęcia. Jesteśmy w naszym własnym świecie, jak sądzę.”
Mimo to, wasza nowa płyta nie ma nic wspólnego z tym całym jam bandem.
„Nic a nic. Staramy się być o krok przed tym.”
MMW planuje na wiosnę wybrać się na kilka koncertów, aby promować całkowicie akustyczny Tonic. Potem wracają do studia, by nagrać kolejną fazę funkowej muzyki, która powinna ukazać się późną jesienią. The beat goes on and on and on…
Start Your Free Trial to Continue Reading
Originally Published May 1, 2000