Quando o termo “Americana” foi incluído no prestigiado dicionário Merriam-Webster em 2011, o diretor executivo da Americana Music Association, Jed Hilly, brincou que eles estariam vendendo camisetas brasonadas com a palavra, juntamente com a tag line “Look it up! “Ainda está um pouco fora do radar”, acrescentou Hilly, “porque não somos super comerciais”
Nos cinco anos seguintes, o cenário musical foi transformado à medida que a música da Americana se tornou uma propriedade quente de boa-fé. O disco americano Traveller, de Chris Stapleton, foi o sétimo álbum mais vendido de 2016, com vendas de quase um milhão e meio de cópias, colocando-o logo atrás dos discos dos megastars pop Adele, Beyoncé e Rihanna.
Merriam-Webster define a música americana como “um gênero de música americana com raízes na música popular e country primitiva”. O panorama dessas raízes é amplo, abrangendo country e western, Appalachian, gospel, roots-rock, folk, bluegrass, R&B e blues. As bandas americanas são geralmente construídas em torno de instrumentos acústicos, mas podem apresentar uma banda elétrica completa.
Early folk and gospel musicians shape the ground for country and Americana music, mas algumas das plantas modernas vieram do movimento de swing ocidental dos anos 20 e 30, e seu talismã, Bob Wills, cuja música distintamente texana ganhou popularidade nacional nos anos 30. A melodia de assinatura de Wills e suas Playboys do Texas, ‘San Antonio Rose’, já foi coberta centenas de vezes, por todos, desde John Denver até Clint Eastwood. O Wills teve uma influência direta sobre Willie Nelson e ajudou a moldar sua visão inclusiva da música.
Nelson prestou um tributo completo ao Wills e também reconheceu uma dívida maior para com um dos pioneiros genuínos da música: Hank Williams. Williams, que tinha apenas 29 anos quando morreu, em 1 de janeiro de 1953, embalou tanto em sua curta vida, incluindo os 29 hits que gravou, como ‘Hey, Good Lookin’, ‘Why Don’t You Love Me?’ e ‘Long Gone Loneome Blues’. Ele foi reconhecido como uma luz orientadora pelo The Smithsonian Institution em 1999, quando seu primeiro fórum sobre música country – A Tribute To Hank Williams – honrou este ícone enigmático e o que ele tinha feito para criar as bases da música country moderna.
Como muitos músicos antes da guerra, Williams aprendeu a cantar em um coro de igreja (no Alabama) e sua música sintetizou os estilos musicais de seu ambiente do Deep South – swing ocidental, música das montanhas Apalaches, honky-tonk, country blues e música gospel. Mas foi o seu notável dom para escrever canções narrativas confessionais de partir o coração, tais como ‘Lovesick Blues’, que o distinguiu como um artesão de canções supremamente talentoso.
Williams foi um dos primeiros cantores-compositores americanos a expressar, em letras directas e elegantes, as emoções pessoais intensas, os sonhos e as mágoas, do povo comum. Leonard Cohen chamou sua composição de “sublime”, e Bob Dylan disse: “As canções de Hank eram as regras arquetípicas da composição poética”. O trabalho de Williams foi coberto por artistas tão diversos como Louis Armstrong, Elvis Presley e Al Green.
Williams inspirou legiões de músicos: lendas country como Johnny Cash, que gravou todo um álbum de tributo ao ícone; cantores como George Jones; forças criativas como Gram Parsons; e até mesmo estrelas do rock moderno como Beck, Keith Richards e Tom Petty. Quando Ryan Adams e os seus colegas de rock country dos anos 80 e 90 encontraram o seu caminho, voltaram-se novamente para o homem capaz de escrever uma obra-prima como “I’m So Lonesome I Could Cry”. Lucinda Williams disse: “Eu estava ouvindo Hank desde que eu me lembro. A sua música foi uma das primeiras músicas a que fui exposta”
Hard-drinking and straight-talking, Williams foi talvez o primeiro rebelde da música country, um traço emulado pelas auto-proclamadas estrelas country dos anos 70 que trouxeram alguma da atitude rebelde da música punk para o mainstream country. Hank Williams foi Americano 70 anos antes da palavra ganhar uso popular.
Mudanças musicais quando os gêneros colidem, e outro homem que estava à frente de seu tempo em puxar juntos diferentes fios de música foi Ingram Cecil Connor III, que tomou o nome de palco Gram Parsons. Florida-born Parsons era um grande fã de Elvis Presley quando criança e formou sua primeira banda, The Pacers, na Jacksonville’s Bolles High School, no início dos anos 60. O colega Luke Lewis, que se tornou presidente da Universal Music Nashville, disse que ouvir o álbum Modern Sounds In Country And Western Music de Ray Charles, de 1962 – em si mesmo um glorioso exemplo inicial da música americana – teve uma enorme influência em ambos. “Foi provavelmente a primeira vez que qualquer um de nós teve uma pista sobre música country”, disse Lewis, que continuou a gravar Ryan Adams, Lucinda Williams e Johnny Cash.
Parsons fez seu primeiro impacto real com The Byrds, para quem ele escreveu o intemporal ‘Hickory Wind’. Ele desempenhou um papel fundamental em seu álbum seminal Sweetheart Of The Rodeo, antes de sair com Chris Hillman, em 1969, para formar The Flying Burrito Brothers. Os Flying Burrito Brothers, que estavam tocando uma mistura de música country tradicional e rock, ajudaram a criar algo chamado “Cosmic American Music” com seus dois primeiros álbuns, The Gilded Palace Of Sin e Burrito Deluxe. “O maior legado dos The Flying Burrito Brothers e Gram é que nós éramos a banda country alternativa. Não podíamos entrar na rádio country e não podíamos entrar na rádio rock. Nós fomos a banda de country fora-da-lei por um breve período”, disse Hillman.
Os Flying Burrito Brothers amarraram country, rock’n’roll, R&B, inflexões folclóricas e soul, e os Parsons ganharam muita confiança ao criar algo tão potente. Na época, Parsons estava avidamente abraçando cada oportunidade de crescer musicalmente. No verão de 1971 ele se mudou para o sul da França, onde viveu por um curto período na Villa Nellcôte como convidado de seu amigo Keith Richards, durante o período em que os Rolling Stones estavam trabalhando em seu clássico álbum Exile On Main St.
Parsons tocou música country com Richards e aprendeu a expandir seus próprios horizontes; os Stones deixaram os Burritos gravarem a música ‘Wild Horses’ mesmo antes de sua própria versão ter sido lançada. Mick Jagger e a banda tiveram uma forte influência na decisão dos Parsons de ir solo. “Eu tive a sensação de que este homem estava prestes a sair com algo notável”, disse Richards.
Os seus álbuns solo, GP e Grievous Angel, foram de facto notáveis e ajudaram a lançar a carreira do co-singer Emmylou Harris. Ela ficou espantada com o conhecimento da Parsons sobre música country e disse: “Eu estava aprendendo todas essas canções country. Eu era como uma convertida religiosa. Eu não consegui o suficiente”
Hillman acredita que com músicas como ‘Sweetheart Of The Rodeo’, Parsons “abriu as comportas” para o country rock, país alternativo e os boom Americana que se seguiram. O próprio Parsons acreditava que a música ou era boa ou má e não precisava se preocupar muito em “rotular e definir” os tipos de música. Sua morte prematura, aos 26 anos, em 1973, roubou o mundo de um músico pioneiro, mas sua influência – no trabalho de outros músicos e através do trabalho da The Gram Parsons Foundation – paira sobre a música Americana que veio em seu rastro. O trabalho inicial de Ryan Adams ou Jeff Tweedy de Wilco mostra claramente a influência de canções como ‘Sin City’ e ‘One Hundred Years from Now’.
Na mesma época em que Parsons estava aprendendo sobre Hank Williams, The Band – Robbie Robertson, Levon Helm, Garth Hudson, Richard Manuel e Rick Danko – estavam cortando os dentes como The Hawks. Eles começaram como a banda suporte do cantor de rockabilly Ronnie Hawkins, mas logo começaram a forjar seu próprio caminho e assumiram um significado que teria sido difícil de prever para os primeiros fãs dos The Hawks. Robertson disse: “Como The Band nós nos propusemos a tocar a música que tínhamos reunido em toda essa experiência. Estávamos levando um pouco de gospel daqui, um pouco de música de montanha dali, um pouco de blues Delta aqui, um pouco de blues Chicago ali”
A turnê de 1965-66 da The Band com Bob Dylan foi uma das turnês mais mudadoras e infames da história da música, enquanto irrompia a controvérsia sobre a decisão de Dylan de lançar a música popular na era elétrica. A banda ficou feliz em abrir as suas asas musicais e desempenhar o seu próprio papel na evolução da música americana. Décadas depois, Robertson confessou: “As pessoas disseram: ‘Você é Americana’. E eu disse: ‘Somos do Canadá’. Somos “NorthAmericana, talvez…” Ainda não sei bem o que é.”
A sua marca de “North Americana” envolveu as evocações pastorais subtis e comoventes da mitologia sul-americana em clássicos modernos como “Up On Cripple Creek”, “The Weight” e “The Night They Drove Old Dixie Down”.
A banda tinha as habilidades superlativas de Robertson, a voz comovente de Helm e a destreza musical do tecladista Hudson. O seu álbum de estreia, Music From Big Pink, lançado em 1968, empurrou outros músicos, incluindo Eric Clapton e Grateful Dead, para um som mais orientado para as raízes. Com o famoso concerto filmado por Martin Scorsese e apelidado de The Last Waltz, a banda apoiou brilhantemente artistas como Van Morrison, Joni Mitchell, Muddy Waters e Neil Diamond, mostrando que eles podiam tocar qualquer coisa com qualquer um.
Quando Clapton os ouviu pela primeira vez, no final dos anos 60, foi um ponto de viragem na sua desilusão com o Cream. Assim como a banda tinha reagido contra a psicodelia com um som back-to-the-roots, assim Clapton formou Blind Faith como um movimento de retrocesso, antes de continuar a explorar mais a Americana em seu trabalho com Derek And The Dominos, que incluiu Duane Allman na guitarra slide.
Em 2017, Clapton disse a um público no Festival Internacional de Cinema de Toronto: “Me deram um acetato de música do Big Pink de volta à Inglaterra e isso me sacudiu até o núcleo. Eu estava no Cream na época, já com a noção de que não estava indo na direção certa, e pensei: “Bem, isto é o que é”. Eu sabia quem Robbie Robertson era, mas não sabia que esse era o grupo deles. Pensei que eles tinham acabado de aparecer. Pensei que eram todos do Delta do Mississippi… eram heróis magníficos para mim. Subi para tocar com eles e eles disseram: “Nós não tocamos, escrevemos canções e tocamos as canções. Eu pensei, meu Deus, estes tipos são muito sérios.”
A roda chegou quase ao fim em 1999, quando Helm gravou o álbum ao vivo “Ramble At the Ryman”, como parte do Americana Music Festival And Conference, um reconhecimento da sua influência na Americana e da forma como The Band tinha inspirado directamente músicos como Ryan Adams, Lee Ann Womack, Rosanne Cash e The Allman Brothers Band.
Como vimos, os ícones da Americana remontam aos pais e mães fundadores da música country, titãs como Bob Wills, Hank Williams, Woody Guthrie e Patsy Cline. Mas, nos anos 70 e 80, um grupo de grandes nomes modernos decidiu criar o seu próprio legado. Havia indivíduos talentosos lavrando seus próprios campos – incluindo Guy Clark, Glen Campbell, Don Williams, Dolly Parton, John Prine e Alan Jackson – mas a coisa mais próxima de um supergrupo americano veio em 1984. Willie Nelson, então um veterano da cena compositora de Nashville, que tinha surgido para se tornar um dos músicos mais distintos da era moderna, tornou-se um catalisador para uma nova direção na música country quando ele ajudou a persuadir os colegas Johnny Cash, Waylon Jennings e Kris Kristofferson a se unirem como “foras-da-lei”.
Chamava-se The Highwaymen (tirando o nome de uma canção de Jimmy Webb) e prestava homenagem aos heróis do passado com covers de canções de Woody Guthrie e Hank Williams. Os Highwaymen eram frequentemente referidos como “o Monte Rushmore da música country”, o que levou Emmylou Harris a dizer “eles realmente precisam estar lá em cima no grande rock com os presidentes”. A influência deles era enorme e as ligações continuam: O guitarrista de aço dos Highwaymen, Robby Turner, agora trabalha com Chris Stapleton.
Durante o período em que os Highwaymen estiveram activos (1984 a 1995), uma nova forma de música Americana começou a surgir. Assim como a banda reagiu às tendências predominantes da música popular, transcendendo-as com suas próprias canções e estilo de apresentação, os músicos que vieram a encarnar o “alt.country boom” se no final dos anos 80 e 90 se consideravam desafiadores para o estabelecimento da música country dominante. Como Lucinda Williams disse: “Eu definitivamente não me sinto parte do que eu chamo a indústria da música country mais reta de Nashville”
Steve Earle, que fez um quarteto de álbuns brilhantes entre 1986 e 1990 (Guitar Town, Exit 0, Copperhead Road e The Hard Way) foi um espírito parente de Williams, e ambos foram parte do que também ficou conhecido como o “boom do país insurgente” do final dos anos 80, juntamente com estrelas em ascensão como Rodney Crowell e Del McCoury. Copperhead Road foi o álbum que realmente apresentou Earle a um público europeu em crescimento. A faixa título é uma grande narrativa narrativa narrativa sobre um lunático que muda sua base de produtos para cultivar algo mais perfumado, e demonstrou que a composição de Earle tinha o poder narrativo de escritores de estilo antigo como Woody Guthrie, Lefty Frizzell e Hank Snow.
Earle disse que, embora ele e Lucinda Williams fossem chamados de “os novos fora-da-lei”, o núcleo do que eles estavam fazendo era fazer um tipo diferente de música, ao invés de rebelião social. “Não era sobre as drogas que estávamos tomando e os problemas que estávamos tendo na época”, disse Earle, “era sobre liberdade artística”,
Guitar Town saiu em 1986, no mesmo ano em que kd lang, Dwight Yoakam e Lyle Lovett, com seu maravilhoso álbum de estreia auto-intitulado, no MCA, surgiu pela primeira vez. Lovett disse: “Naquele período de tempo havia muitas coisas que você não pensaria como sendo uma assinatura tradicional de Nashville a ser assinada”. Você via pessoas tendo a chance de fazer um disco, e isso é uma coisa muito legal”
Minnesota-based band The Jayhawks, cujas harmonias e som de twang-rock estabeleceram alguns dos planos para a música americana moderna, também lançou seu álbum de estréia em 1986 e eles logo ganharam um forte seguidor na Europa. Quando Ryan Adams começou a fazer música Americana com a banda Whiskeytown, ele disse que percebeu que havia outras pessoas que estavam “na moda para Gram Parsons” e citou The Jayhawks como uma influência. Whiskeytown foi formada em 1994, na Carolina do Norte, e fez três álbuns de estúdio antes de Adams partir em 2000 para lançar sua carreira solo e se levar em tantas direções musicais interessantes.
Lucinda Williams lançou um par de álbuns nos anos 80 mas, após um longo período de relativa obscuridade, ela capturou a atenção do mundo da música com seu soberbo álbum de 1998 Car Wheels On A Gravel Road, seu primeiro disco a ir ao ouro. O álbum contém uma série de canções de histórias hipnotizantes e emotivas que soam tão relevantes no século XXI como quando foram cortadas. Williams, que continuou a fazer outros excelentes álbuns, como Essence e Blessed, disse sobre Car Wheels…, “Eu não queria fazer o mesmo álbum de novo”. Eu estava tentando fazer um certo som vocal que eu sentia como se ainda não tivesse entrado em nenhum dos meus álbuns até aquele momento”
Não é talvez coincidência que Joni Mitchell tenha dado uma entrevista no ano do lançamento do álbum em que ela disse: “Eu costumava ser monástica, quase. Agora sou como uma tibetana que descobriu hambúrgueres e televisão”. Estou a pôr em dia a Americana”
Williams é parte de uma herança fantástica de cantoras-compositoras americanas que escreveram algumas das letras mais poderosas da música country moderna. Seguindo a tradição de grandes artistas como Kitty Wells, June Carter Cash, Dolly Parton, Loretta Lynn, Patsy Cline, Bonnie Raitt, Linda Ronstadt e Emmylou Harris, os anos 80 e 90 assistiram à ascensão de uma série de artistas americanas formidáveis, incluindo Reba McIntyre, Mary Chapin Carpenter, Julie Miller, Mary Gauthier e Abigail Washburn. Uma das mais distintas foi Nanci Griffith, uma poetisa na canção, que estava tão confiante ao escrever suas próprias composições quanto ao interpretar as palavras de outras belas compositoras americanas como Robert Earl Keen e Tom Russell.
A tendência para o talento feminino continuou nos anos 90, quando artistas inovadores como Gretchen Peters, Iris DeMent, Sheryl Crow, Rita Hosking, Dar Williams, Lee Ann Womack, Lori McKenna, Ani DiFranco e Gillian Welch começaram a fazer álbuns tão fantásticos.
Uma das compositoras mais promissoras a surgir neste período foi Patty Griffin, que tinha feito parte da cena popular local de Boston até aparecer no radar da indústria com a sua notável estreia em 1996 A&M, Living With Ghosts. Griffin continuou a fazer álbuns poderosos e cheios de alma, ramificando-se em evangelho com a Igreja do Centro da cidade vencedora do Grammy de 2011. Novos talentos excitantes, como Sarah Jarosz, Aoife O’Donovan, Ruth Moody, Angeleena Presley, Maddie And Tae, e Lady Antebellum cantora e compositora Hillary Scott, continuam a aparecer e prosperar.
Mas a velha guarda não foi deixada para trás. Dolly Parton voltou ao bluegrass com alguns álbuns impressionantes por volta da virada do século, e o álbum de Loretta Lynn de 2004, Van Lear Rose, foi sensacional. Jack White, auteur musical e mastermind of The White Stripes, era apenas dois quando Lynn tinha gravado seu álbum anterior, em 1977: um tributo a Patsy Cline. Lynn e White eram um par improvável, mas este último ajudou a levar a música de Lynn a um novo público quando ele produziu o aclamado regresso de 72 anos.
Van Lear Rose reflectiu outras facetas da música americana moderna – a sua originalidade e individualidade. A música pode abranger tudo, desde a sagacidade mordente de Lyle Lovett às baladas de rock dos Drive-By Truckers, a observação social de James McMurty, Danny Schmidt, Todd Snider e Jason Isbell, até as canções emotivas de Billy Joe Shaver, Dierks Bentley, Chris Stapleton, Sturgill Simpson e Amos Lee, bem como talentos menos conhecidos como Robby Hecht e Richard Shindell.
É difícil dizer exatamente quem foram as inspirações e os criadores da música Americana, tal é a riqueza de sua herança diversa, mas não seria esticá-la para dizer que Americana passa por bandas tão diversas como Grateful Dead e Los Lobos. Neil Young, juntamente com Crosby, Stills e Nash, não são imediatamente rotulados como uma banda Americana, mas certamente ajudaram a impulsionar a popularidade do rock moderno baseado em raízes.
Além disso, as origens da Americana ziguezagueiam pelos estados do país, desde os desertos do sul de ‘Willin’ de Little Feat até o Delta do Mississippi de ‘Dixie Chicken’. Um reflexo de suas raízes é mostrado pela maneira como a Trilha Musical Americana oferece aos turistas uma experiência que abrange desde o centro Muscle Shoals no Alabama até os bares de música country de Nashville e as casas de jazz de Nova Orleans.
Algumas vezes um artista sem alma pode capturar a música Americana através de sua interpretação de uma grande canção. Em seu álbum da Blue Note Records Feels Like Home, Norah Jones orgulha Townes Van Zandt com uma bela versão de sua canção ‘Be Here To Love Me’. A megastar Alison Krauss do Grammy tem um olho extremamente adroit para selecionar o melhor da composição moderna da Americana. Krauss tem coberto canções de artistas tão diversos como Willie Nelson, Richard Thompson, Shawn Colvin, Sidney Cox, Mindy Smith, James Taylor, Tim O’Brien, Jackson Browne e Tom Waits – e sua voz incomparável pode até trazer algo novo a uma canção clássica de Woody Guthrie.
Krauss também foi parte integrante do triunfante álbum de banda sonora O Brother, Where Art Thou?, produzido por T Bone Burnett para os irmãos Coen. Dan Tyminski, membro da banda Krauss, criou um clássico moderno com sua versão de ‘Man Of Constant Sorrow’, em um álbum onde a lenda do bluegrass Ralph Stanley canta uma versão assombrosa de ‘O Death’. Stanley ofereceu a música Americana na sua forma mais forte e poderosa, como uma voz directa de séculos passados.
Gillian Welch’s Revival, também produzido por Burnett, entrou na herança Americana. Revival foi gravado em Nashville no Woodland Sound, que devia seu lugar no mapa musical a álbuns dos anos 70 como The Nitty Gritty Dirt Band’s Will The Circle Be Unbreken. Burnett até praticou a gravação da voz de Welch em uma antiga máquina Wollensak, do tipo que já foi usada por Hank Williams. Welch, um autêntico artista americano, fez muito para manter uma era passada de música fresca e relevante.
Burnett, aliás, acredita que a era moderna da música digital ajudou a música americana a progredir porque permite que os fãs possam tocar a música de origem original para algumas das versões contemporâneas das músicas. Ele disse: “O público moderno, porque tem muito a tirar, é muito mais sábio do que o que lhes é dado crédito… e com música antiga, pode-se reinventar a qualquer momento”
Os melhores jovens músicos tentam honrar e reinventar a música dos seus heróis. Kacey Musgraves, cujo álbum Same Trailer Different Park foi um sucesso impressionante em 2013, diz que o seu “ponto de cruzamento ideal de música” é The Beach Boys, Lee Ann Womack e John Prine.
Banda baseada no Texas Midland, cujo álbum de estreia, On The Rocks, foi lançado em Setembro de 2017, foi saudado pela Billboard por trazer um som contemporâneo “George Strait 1980s new traditionalist” para a era moderna. Midland, e o talentoso The Cadillac Three, podem não ser estritamente americanos, mas ambos trazem o mesmo tipo de marcas americanas – frescor e empatia – à música country. O Cadillac Three foi produzido pelo talentoso Dave Cobb, que fez um grande trabalho com Chris Stapleton, Lindi Ortega, Colter Wall, Brandi Carlile, Jason Isbell e Amanda Shires.
É claro que a Americana está indo de força em força. A ascensão de serviços de streaming como o Spotify significa que o gênero tem acessibilidade e visibilidade mainstream, mesmo que não seja tocado em estações de rádio tradicionais de música country. Além disso, uma série de festivais surgiu para acompanhar o AmericanaFest anual em Nashville, que celebrará seu 19º ano em setembro de 2018. Entre os recém-chegados estão The Long Road. Fechando-se como um festival “country, Americana and roots”, ele se lança no Reino Unido nesse mesmo mês. Os festivais tornaram-se a chave para a evolução de novos talentos.
Desde 2010, Americana tem sido uma categoria reconhecida pela Academia da Gravação. Levon Helm foi o primeiro vencedor de um Grammy Americana (reivindicando outro em 2012), e o prêmio também foi conquistado duas vezes por Jason Isbell. Mavis Staples para, Bonnie Raitt, Emmylou Harris, Rodney Crowell e Rosanne Cash também foram vitoriosos. A natureza abrangente da Americana foi mostrada na vitória de 2016 do lendário William Bell da Stax Records. Robert Plant, o antigo frontman de Led Zeppelin, que gravou com Alison Krauss e Patty Griffin, disse que “não há limites para onde a Americana pode ir”.
A natureza multifacetada da Americana vai continuar à medida que se espalha pelos continentes. Quando a Americana foi recompensada com uma listagem de álbuns dedicada pela Companhia de Gráficos Oficiais no Reino Unido, os 10 melhores artistas incluíam Ryan Adams, Lucinda Williams e a dupla de irmãos suecos First Aid Kit. Existem agora Associações de Música Americana no Reino Unido e na Austrália – um grito de 7780>far de 1999, quando um grupo de DJs de rádio, trabalhadores de gravadoras e jornalistas musicais se encontraram informalmente na conferência da indústria musical South By Southwest em Austin, Texas, para discutir como eles poderiam promover a música que amavam, e decidiram formar uma organização.
Jimmie Fadden, da The Nitty Gritty Dirt Band, é citado no livro The Americana Revolution, dizendo que “Americana foi uma tentativa de agrupar um monte de formas inexplicáveis de música de raiz de uma forma que poderia ser encapsulada, apresentada a um público, com um entendimento de que tinha um nome”.
O nome é agora significativo. A música americana é progressiva e de vanguarda, e um dos gêneros musicais mais vendidos para álbuns – ultrapassando R&B, hip-hop e dança em 2016, segundo a Billboard – e aclamada pelos pesos pesados culturais. A romancista premiada PEN/Faulkner Ann Patchett disse recentemente ao The New York Times que Americana é “a cena musical mais legal hoje”.
New Americana continuará, nas palavras de Hank Williams, a “mostrar ao povo uma dança novinha em folha”, mas o que quer que venha, os músicos sempre terão uma história preciosa a ser invocada. Alguém que encapsula isso é o notável Ry Cooder, que tem feito música Americana brilhante por mais de meio século. O último álbum de Cooder, The Prodigal Son, na Fantasy Records) traz uma capa da música ‘Harbour Of Love’, de Stanley Carter, uma música que foi cortada pela primeira vez nos anos 50 para a Mercury Records. “Há algum tipo de clima de reverência que toma conta quando você toca e canta essas músicas”, disse ele.
Que reverência e entusiasmo é a razão pela qual a música de raiz americana continuará a florescer.
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