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Como cineastas, devemos a nossa paixão aos pioneiros do cinema e da fotografia, e depois aos cineastas que se seguiram. Eu acredito em olhar para trás para inovar e seguir em frente, para ser inspirado e inspirar. Levo a minha inspiração para onde quer que vá, para onde quer que trabalhe, e passo a minha inspiração para aqueles que me rodeiam no cenário e para a minha equipa HA.
No post de hoje, gostaria de vos apresentar a todos um jovem cineasta que fez parte da nossa Equipa HA e que tem feito nome como cineasta nos últimos anos, Brendan Sweeney. Ele é de Pittsburgh, mas eu não vou segurar isso contra ele! Ha ha ha! Ele veio a Los Angeles para perseguir o seu sonho e traz a sua criatividade e paixão pelo cinema – especialmente pelo filme da velha guarda – para a nossa sede todos os dias, e nós agradecemos-lhe por isso! Seu último filme “Impossibilidade:Possibilidade” E agora ele vai compartilhar sua paixão com todos vocês e onde o filme começou. Ele adora falar e compartilhar a história do cinema e é tão importante lembrar onde estivemos para que possamos forjar novos caminhos de para onde ir.
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Tira-o Sweeney!
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Photographic Film is a strip or sheet of transparent plastic film base coated on one side with a gelatin emulsion containing microscopically small light-sensitive silver halide crystals. Os tamanhos e outras características dos cristais determinam a sensibilidade, contraste e resolução do filme. (Karlheinz Keller et al. “Photography” in Ullmann’s Encyclopedia of Industrial Chemistry, 2005, Wiley-VCH, Weinheim.)
Então espere, onde está um sensor? E o 1’s e 0’s? Como é que eu vejo o que estou a filmar? Posso verificar a minha exposição com cor falsa?
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A maioria de vocês provavelmente lembra-se dos dias do filme pelo menos no sentido fotográfico. Em um ponto da nossa indústria, utilizar película celuloide foi a única opção para os nossos projetos. Não era uma seleção do tipo de sensor de imagem, era uma seleção do tipo de filme. O filme era aquele “sensor de imagem”, o processo químico que mantinha suas imagens. A escolha estava em que tipo de filme você queria usar para contar suas histórias e que lentes você queria emparelhar com ele. As coisas não estavam imediatamente à sua frente, como estão hoje no mundo digital. Não havia monitores para verificar o foco ou para verificar os níveis de IRE. Era um mundo de olhar através da lente usando um visor óptico e ver a cena na sua perspectiva inalterada.
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Estes eram os dias do cinema… Um mundo onde o cineasta poderia ser um com a câmera e nenhum produtor poderia jamais questionar o que ele ou ela estava fazendo. Era um jogo mental, um tempo de verdadeira previsualização, e pôr à prova as suas capacidades.
Então porque falo tão bem de cinema? Bem antes de entrar no meu amor pessoal pelo cinema, vamos discutir a sua história e a sua importância para a indústria em que trabalhamos hoje.
Um BRIEF LOOK INTO THE PAST
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O primeiro filme fotográfico disponível publicamente foi chamado, Daguerreótipo. Este filme foi introduzido em 1839 por Louis-Jacques-Mandé Daguerre e manteve o mercado por cerca de 20 anos até que novos métodos de fotografia fossem desenvolvidos. Na década de 1850, a fotografia em chapa de vidro tornou-se o padrão para a maioria das câmeras no campo. Com melhor qualidade óptica do que os primeiros plásticos transparentes e o Daguerreótipo, este tornou-se o melhor método para fotógrafos até que George Eastman entrou em cena. Em 1885, George introduziu o primeiro “filme em rolo fotográfico flexível”, mas este filme era na verdade papel com revestimento sobre ele. O primeiro rolo de plástico transparente entrou no mercado em 1889 e era feito de nitrocelulose altamente inflamável “celluloid” ou agora conhecido como “filme de nitrato”. Este é o material de que todos ouviram falar na história do filme e como ele entraria em combustão!
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Foi aqui que a Eastman Kodak Company se tornou a instituição que liderou o movimento em filme fotográfico e como ele deveria ser feito em fotografia. Todos já ouviram falar da Kodak e da sua longa história em filmes cinematográficos. Para mim, eles são uma das maiores empresas americanas que já existiram!
O NASCIMENTO DE UMA INDÚSTRIA
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Muito bem, vamos começar a discutir como é que o filme fotográfico foi apanhado e colocado no cenário de filmes cinematográficos. A mais antiga curta-metragem gravada data de 1888 chamada, Roundhay Garden Scene.
“Roundhay Garden Scene”
Esta curta-metragem foi gravada pelo inventor Louis Le Prince. O filme foi rodado em Oakwood Grange, em Roundhay, Leeds, e acredita-se que seja o filme sobrevivente mais antigo que existe. Com seu preto & branco, áspero ao redor das bordas parece – é incrível ver o quão longe chegamos, do nosso humilde começo na arte às nossas agora produções multimilionárias. Ver obras como esta só pode fazer você imaginar onde estaremos em mais cem anos, onde este meio transcenderá, e como nos definirá.
Filme realmente conseguiu seu pé durante o empurrão do Kinetoscope de Thomas Edison e do Cinematógrafo dos irmãos Lumiere. Estas duas invenções impulsionaram o que na época era apenas uma novidade e ajudaram a criar os alicerces para a nossa indústria de hoje. O Kinetoscópio foi inventado pela primeira vez e era um dispositivo de exibição de imagens em movimento para uma única pessoa – não era um projetor de filmes, mas introduziu a abordagem básica que se tornaria o padrão para toda a projeção cinematográfica antes do advento do vídeo, criando a ilusão de movimento ao transmitir uma tira de filme perfurado com imagens seqüenciais sobre uma fonte de luz com um obturador de alta velocidade.
A família Lumiere já era um gigante na indústria da fotografia e descobriu o que Edison e sua equipe estavam fazendo nos Estados Unidos. Devido à sua localização europeia, eles decidiram levar o seu conceito, mas queriam poder apresentar uma imagem em movimento a várias pessoas ao mesmo tempo. Eles criaram uma máquina que não só pudesse capturar uma imagem em movimento, mas que fosse capaz de imprimir e projetar para um público mais amplo. O surpreendente é que a invenção deles seria aproximadamente ¼ do tamanho da Edison e estabeleceria uma necessidade comercial para o produto deles.
Os primeiros filmes dos irmãos Lumiere
Devido à natureza compacta da sua câmera, abriu novas formas para as pessoas comporem filmagens – bem como formas de mover a câmera. Os cineastas trouxeram esta câmera para todo o mundo e transportaram o público para lugares na época que as pessoas nunca tinham visto antes. Foi eletrizante e a quantidade de filmes produzidos ao longo dos anos pelos irmãos Lumiere foi aos milhares! Eles elaboraram os primeiros planos de como uma história deveria ser contada usando este novo meio. Durante um período na história do cinema, este se tornou o instrumento padrão para se fazer o trabalho.
Se quiser saber mais sobre os irmãos Lumiere, veja estes dois podcasts de Tracy V. Wilson e Holly Frey em Things You Missed In History Class:
The Lumiere Brothers, Parte 1:
Os irmãos Lumiere, Parte 2:
O ANO SILENCIOSO
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Como os anos progrediram até ao século XIX, a produção de filmes tornou-se a forma de arte do século XX a bater! Empresas de produção surgiram do chão, novos cineastas entraram em cena, e nasceram celebridades. 1910 – 1927 foram os anos dos filmes narrativos mudos estruturados – chamados “Multiple-Reel Films” (em breve chamados de longas-metragens) – que se tornaram a norma para o público de todo o mundo. O meio logo foi equivalente a espetáculos teatrais e foi uma saída para adaptar romances ao grande telão. Em 1916, havia mais de 21.000 salas de cinema só nos Estados Unidos.
Durante cerca de duas décadas, o cinema mudo atravessou os altos e baixos da propaganda da Primeira Guerra Mundial, floresceu nos países europeus, e então uma nova evolução do cinema introduziu…
PRE-WORLD WAR II SOUND ERA
Com a popularidade comercial e cultural quase instantânea do cinema junto ao público mundial, tornou-se evidente que precisávamos de algo novo após quase duas décadas de sucesso com os filmes mudos. Em 1900, teve lugar em Paris a primeira exibição pública conhecida de filmes sonoros sincronizados projectados. Esta foi a primeira base para aquilo a que nos acostumaríamos no século 21.
Edge de uma impressão de filme 35mm mostrando as trilhas sonoras. A faixa mais externa (à esquerda da imagem) contém a faixa SDDS como imagem de um sinal digital; a próxima contém as perfurações usadas para conduzir o filme através do projetor, com a faixa Dolby Digital, as áreas cinzas com o logotipo Dolby Double-D, entre elas. As duas faixas da trilha sonora analógica na faixa seguinte são áreas variáveis bilaterais, onde a amplitude é representada como uma forma de onda. Estas são geralmente codificadas usando a matriz Dolby Stereo para simular quatro faixas. Finalmente, à extrema direita, o timecode usado para sincronizar com um CD-ROM de trilha sonora DTS é visível.
Em 1919, o inventor americano Lee Dee Forest depositou várias patentes que abririam o caminho para a primeira tecnologia de som óptico em filme. Estes novos avanços seriam aplicados a um ambiente comercial.
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Com o desenvolvimento posterior em 1923, o público foi introduzido à primeira triagem comercial de uma curta imagem em movimento usando “sound-on-film”. Quando filmes sonoros com diálogo sincronizado foi introduzido, foi imediatamente cunhado como “imagens falantes” ou “talkies”. No início eram utilizados exclusivamente no cenário de curtas-metragens e demorou algum tempo para que os longas-metragens se agarrassem a esta tecnologia.
Levou até outubro de 1927 para que o primeiro longa-metragem que utilizava esta tecnologia chegasse ao mercado. Esta foi a produção da Warner Bros. Pictures, O Cantor de Jazz. Foi um grande sucesso de público em todo o país e foi feito com Vitaphone, que era na época a marca líder em tecnologia de som em disco.
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Como as demandas do público por “talkies” cresciam, tornou-se evidente pelo sistema de estúdio que isto estava aqui para ficar e que eles precisavam seguir o exemplo. Nos anos 30, os “talkies” eram um fenómeno global e ajudaram a assegurar a posição de Hollywood como um dos mais importantes centros de influência cultural/comercial do mundo.
COLOR E A NOVA VIA
Cor in motion picture film foi sempre a direcção a que a indústria tentava chegar. A primeira cinematografia a cores foi por sistemas de cor aditiva, como a patenteada por Edward Raymour Turner em 1899 e testada em 1902. O primeiro sistema de cor aditivo comercialmente bem sucedido foi o Kinemacolor. Era um sistema simplificado que utilizava filme a preto e branco para fotografia e depois projectava duas ou mais imagens componentes através de diferentes filtros de cor. O processo floresceu entre 1908 e 1913.
>Around 1920, os primeiros processos práticos de cor subtrativa foram desenvolvidos e introduzidos na indústria. Assim como a Kinemacolor, também utilizou filme preto-e-branco para fotografar múltiplas imagens a cores filtradas e o produto final foi uma impressão multicolor que não requeria equipamento especial de projeção.
Em 1932, o maior avanço no filme a cores foi a introdução do processo Technicolor de três tiras. A Technicolor data pela primeira vez de 1916 e foi aperfeiçoada ao longo de várias décadas. Tornou-se o segundo maior processo de cor por trás da Kinemacolor e foi usado principalmente na produção de Hollywood de 1922 a 1952. A Technicolor era conhecida pelo seu aspecto bonito e único. A sua cor altamente saturada tornou-se o nosso aspecto agora nostálgico que o público queria ver. A Technicolor era comumente usada em filmes como O Feiticeiro de Oz (1939), E Tudo o Vento Levou (1939), e em movimentos animados como Branca de Neve e os Sete Anões (1937).
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Em 1932, o maior avanço no filme a cores foi a introdução do processo Technicolor de três tiras. A Technicolor data pela primeira vez de 1916 e foi aperfeiçoada ao longo de várias décadas. Tornou-se o segundo maior processo de cor por trás da Kinemacolor e foi usado principalmente na produção de Hollywood de 1922 a 1952. A Technicolor era conhecida pelo seu aspecto bonito e único. A sua cor altamente saturada tornou-se o nosso aspecto agora nostálgico que o público queria ver. Technicolor era comumente usado em filmes como O Feiticeiro de Oz (1939), E Tudo o Vento Levou (1939), e em movimentos animados como Branca de Neve e os Sete Anões (1937).
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Cor em filme cinematográfico continuou a crescer em popularidade até ser a norma para longas-metragens. No século XXI, é raro que tenhamos um filme completo em preto e branco. A cor tem esculpido seu lugar em nossas mentes como membros do público e está aqui para ficar.
A IMPORTÂNCIA DO FILME
Então porque é que estou a passar pela história disto? Você provavelmente já ouviu um pouco, então como isso se traduz na importância do filme? Bem, vamos colocar desta forma… o filme é o meio original. É o que os grandes utilizaram por mais de 100+ anos e por qualquer razão – ele foi relegado devido ao digital.
Digital é agora o rei da colina, mas será uma coisa boa? Isto não é bom nem mau! Abrimos as comportas para uma nova geração de cineastas que nunca teria sido capaz de obter filme. Demos às pessoas uma voz que potencialmente nunca teria sido capaz de se expressar antes. O meio digital é a ferramenta de que precisamos para abrir a indústria para aqueles que querem participar. Nos ajudou a entender uma maneira diferente de fazer filmes e é sempre ótimo ter “opções” ao fazer filmes.
Bem, vamos tirar um segundo para falar sobre essas “opções”…
Em 2014, tivemos uma das empresas de filmes negativos coloridos que fechou sua produção de filmes. Era a Fujifilm, fabricante da ETERNA, e o que alguns consideram ser um belo concorrente da Kodak. Agora ficamos com um estoque descontinuado com o qual potencialmente nunca mais teremos a chance de filmar.
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Então por que isso é um problema? O problema é que perdemos uma “opção” para a realização de filmes. A única cor-negativa restante é a linha Kodak Vision3 e Wittner Agfachrome 200D para reversão de cor. Menos algumas pequenas boutiques, estoques experimentais, estes são TODOS os que nos restam para o filme colorido. Oh, esqueci de mencionar que a Kodak declarou falência em 2012 e quase perdemos isso também…
O meu problema com o digital é que ele permitiu que as massas esquecessem facilmente o que é “filme”, seu papel na forma como o cinema veio a ser até agora, e o que tem significado. Em menos de uma década, o filme quase foi chutado até a sua morte. Se não fosse um grupo de elites de Hollywood se unindo – teríamos perdido um meio, uma forma de arte e uma maneira de pensar.
Aqui está o que alguns cineastas têm a dizer sobre o filme:
Hoyte van Hoytema (Tinker Tailor Soldier Spy, Interstellar, Her)
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O debate em si é simplesmente estúpido, sabe? Uma das piores coisas tem sido o debate, porque ele assume que há um “melhor” e um “pior”, que há um “vencedor” e um “perdedor”. Não é assim que eu vejo as coisas de todo. Essa polarização e apresentação de que há algo melhor e algo pior é simplesmente ridículo. Qualquer pessoa pode dar uma razão pela qual algo é bom ou mau num sentido técnico. Mas a razão pela qual cineastas como Christopher Nolan estão filmando, não tem nada a ver com “melhor” ou “pior”. Só tem a ver com o gosto muito pessoal. Todo mundo quer um tipo diferente de tela. Algumas pessoas gostam de pintar com tinta a óleo e outras gostam de pintar com tinta acrílica e outras gostam de pintar com merda de vaca, sabes? Toda essa discussão é inútil, e a única coisa que essa discussão tem provocado é que as pessoas que não sabem nada sobre isso começam a fazer lobby por um formato. Um formato está lentamente se tornando obsoleto e mantendo muitas pessoas dessa escolha no futuro, o que é muito triste, porque eu acho que essa escolha deveria estar disponível para pessoas como Chris ou Quentin Tarantino ou Scorsese ou Spielberg, quem quer que seja, ou Paul Thomas Anderson. As suas escolhas no porquê de fazerem cinema nem sempre é uma escolha técnica.
(“‘Interstellar’ cineasta no filme do Nolan e filmando Bond no filme”)
Martin Scorsese (Goodfellas, Casino, The Departed)
Temos muitos nomes para o que fazemos – cinema, filmes, filmes. E…filme. Somos chamados de realizadores, mas mais frequentemente somos chamados de cineastas. Cineastas. Não estou a sugerir que ignoremos o óbvio: o HD não está a chegar, está aqui. As vantagens são numerosas: as câmaras são mais leves, é muito mais fácil filmar à noite, temos muito mais meios à nossa disposição para alterar e aperfeiçoar as nossas imagens. E, as câmeras são mais acessíveis: os filmes podem realmente ser feitos agora por muito pouco dinheiro. Mesmo aqueles de nós que ainda filmam em HD, e nossos filmes são projetados em HD. Portanto, poderíamos facilmente concordar que o futuro está aqui, que o filme é pesado e imperfeito e difícil de transportar e propenso ao desgaste e à decadência, e que é hora de esquecer o passado e dizer adeus – na verdade, isso poderia ser feito facilmente. Muito facilmente.
Parece que estamos sempre a ser lembrados que o filme é, afinal de contas, um negócio. Mas o filme também é uma forma de arte, e os jovens que são levados a fazer filmes deveriam ter acesso às ferramentas e materiais que foram os blocos de construção dessa forma de arte. Será que alguém sonharia em dizer aos jovens artistas para jogarem fora suas tintas e telas porque os iPads são muito mais fáceis de carregar? Claro que não. Na história dos filmes, apenas uma minúscula percentagem das obras que compõem a nossa forma de arte não foi filmada. Tudo o que fazemos em HD é um esforço para recriar o visual do filme. O filme, mesmo agora, oferece uma paleta visual mais rica do que o HD. E, temos que lembrar que o filme ainda é a melhor e única forma comprovada pelo tempo para preservar os filmes. Não temos nenhuma garantia de que a informação digital irá durar, mas sabemos que o filme irá, se devidamente armazenado e cuidado.
Nossa indústria – nossos cineastas – se reuniu atrás da Kodak porque sabíamos que não poderíamos perdê-los, da forma como perdemos tantos outros estoques de filmes. Esta notícia é um passo positivo para preservar o filme, a forma de arte que amamos.
(“Martin Scorsese Escreve Carta de Apoio à Kodak e ao Estoque de Filmes”)
Muitos dos cineastas que admiramos hoje têm a sua opinião sobre o assunto. A guerra continua com o debate “filme vs. digital”, mas não é aí que eu chego. É a importância de manter o maior número possível de opções. Quanto menos opções tivermos, menos formas teremos de nos expressar. Como cineasta, sei que não quero ser criativamente vinculado devido a produtos descontinuados.
O FUTURO DO FILME
À medida que avançamos no caminho da digitalização do resto do mundo, vejo um futuro brilhante para o cinema. Nos últimos dois anos vimos um ressurgimento do “cinema” na indústria e o interesse de uma população mais jovem. Kodak escapou das garras de uma morte quase certa e não está mais em bancarrota. Cada vez mais longas-metragens optam por rodar completamente em filme ou uma abordagem híbrida com o digital. As produções indianas anseiam por um look vintage, nostálgico e procuram tripulações que saibam trabalhar com o meio. Estamos vendo cada vez mais filmes adicionando projeções de filmes e público saindo para apreciá-los!
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Estamos criando um mundo onde AMBOS os médiuns podem viver e trabalhar juntos. Este é o futuro que eu vejo e que está a chegar. Com a Kodak abrindo novos laboratórios de processamento nos EUA e no Reino Unido, assim como revivendo o Ektachrome, espero que isso leve a uma oportunidade para Arri e Panavision anunciarem uma nova câmera de filmar. Como diretores e cineastas continuam a se esforçar, é apenas uma tendência ascendente para o cinema e sua sustentabilidade.
Even Blackmagic Design, um dos maiores fabricantes de câmaras de cinema digital, também está a fazer manchetes no domínio do “filme” da indústria. Nos últimos dois anos, eles adquiriram a empresa Cintel e introduziram seu primeiro scanner de filme 4K. O elegante e elegante Blackmagic Design Cintel Scanner pode ser pendurado em uma parede e se conecta sem esforço através do Davinci Resolve. Isto cria uma avenida para digitalizações rentáveis para os cineastas que procuram entrar pela porta.
EM CONCLUSÃO
Acho que o meu objectivo aqui é estudar o que nos foi apresentado e experimentar as ferramentas que os grandes usaram. Quer você fique com o filme ou decida permanecer completamente digital, pelo menos você já experimentou o meio e entendeu a sua importância. Eu poderia divagar o dia todo sobre como não há melhor sensação do que ouvir o filme rolar através da câmera, que não há nada mais satisfatório do que ver a sua imagem ganhar vida quando ela chega do laboratório. É uma experiência mágica, mas eu expressando isso nunca vai fazer você entender, até você sair e tentar.
Precisamos continuar a criar maneiras de capturar uma imagem em movimento. Se novas formas estão utilizando o vídeo VR 360 graus, bem, vamos adicioná-lo à caixa de ferramentas. Precisamos de um futuro sem limitações e isso começa conosco preservando, sem desconsiderar.
Uma última coisa… as câmaras digitais estão a procurar replicar “filme”. Porque não filmar apenas em filme em vez de fingir? Vai lá fora e faz um filme!
Cheers,
Brendan Sweeney
www.brendanjsweeney.com
@brenjamessween