Une feuille de rythme peut vous aider à choisir les moments qui permettent à votre poussée narrative d’avancer. Alors pourquoi n’en utilisez-vous pas une ?
Votre scénario est construit à partir de battements individuels de l’histoire qui créent des réactions émotionnelles chez le lecteur et le spectateur. Ces battements sont basés sur la structure classique des scénarios. Les beats aident à guider les arcs des personnages, la structure de l’histoire et même votre elevator pitch. D’où viennent les temps forts ? Beaucoup de gens trouvent Save the Cat un peu surestimé et il semble que chaque site Web d’écriture a son propre modèle.
Eh bien, je suis fier d’apporter à No Film School son propre modèle de feuille de temps et à nos lecteurs une feuille de temps gratuite qu’ils peuvent utiliser pour aider à structurer leur travail d’écriture de scénario.
Plongeons-nous et parlons des parties importantes d’un scénario.
C’est quoi une feuille de route ?
Une liste de moments émotionnels dans un scénario de long métrage qui aide un écrivain à tracer son histoire.
Il y a des écrivains partout qui adorent suivre des battements et d’autres qui pensent que c’est une perte de temps. J’ai tendance à aimer tout outil qui m’aide à vraiment décortiquer un plan et à suivre les points des personnages et de l’intrigue. Les feuilles de rythme ne sont qu’un outil et ne fonctionnent qu’en fonction de votre histoire, alors réfléchissez à la manière de les mettre en œuvre à l’avenir. Faites ce qui fonctionne le mieux pour vous.
Maintenant, jetons un coup d’œil à ce qui fonctionne le mieux pour moi et, espérons-le, cela vous aidera.
Modèle de feuille de match
Écrire est terrible et difficile et exaspérant. Mais quand vous avez l’étincelle d’une idée, rien n’est plus agréable que de la battre et de mettre en place tous les gains émotionnels. J’aime battre une histoire parce que cela me donne vraiment quelque chose vers quoi travailler. Une bonne feuille de battement, couplée à notre carte de l’histoire, permet à mes brouillons d’être prêts à sortir dans le monde.
Voici un modèle que nous avons fait pour que vous puissiez l’utiliser comme guide.
Maintenant que vous avez vu le modèle, passons en revue les battements individuels et regardons quelques exemples de films pour marteler quelques points.
La feuille de temps du film
Le premier cadre
Nous connaissons l’importance des premiers et derniers cadres et nous avons couvert les meilleures scènes d’ouverture de tous les temps, donc je ne vais pas insister sur ce point. Vous devez saisir le public tout de suite. Un lecteur de scénario vous dira que c’est dans les dix premières pages qu’il décide de recommander ou non un scénario. Faites donc ressortir votre image d’ouverture et essayez de la relier au thème de l’histoire.
Réfléchissez à la façon dont Manchester By The Sea s’ouvre… comment l’histoire se déroule et comment le thème de la famille et de la résilience est introduit. Trouvez un moyen de vous démarquer, même subtilement, et de donner envie à tous de lire la suite.
Le monde qui nous entoure
Après nous avoir accrochés, imprégnez-nous du monde. Je veux savoir qui habite ces régions et ce qui se passe dans le monde. Sommes-nous dans le présent, le passé, le futur ? C’est aussi là que vous donnez vraiment le ton. Si vous écrivez une comédie, ces pages doivent faire rire les gens. Si c’est un drame, donnez-nous du drame.
Je ne pense pas qu’il y ait de meilleures scènes de « construction du monde » que celles de Blade Runner. Ce sont des coups rapides qui nous montrent un futur dystopique. Ces coups de théâtre se produisent avant la scène d’ouverture. Il serait maintenant important de souligner que les temps forts sont malléables. Ils peuvent venir dans un ordre différent et être intervertis pour correspondre à l’histoire que vous voulez raconter.
La vidéo n’est plus disponible : www.youtube.com/watch?v=itBfsIWXptc
Introduction du protagoniste
À un moment donné, nous devons rencontrer votre protagoniste. Il serait judicieux de nous donner une introduction et un nom de personnage qui soient également révélateurs du ton de l’histoire. Il n’y a pas de Gaylord Fockers dans American Beauty. Lorsque nous rencontrons votre personnage principal, nous voulons le connaître et connaître son histoire. Essayez de le mettre dans une situation qui nous fait nous soucier de lui ou comprendre sa lutte.
Regardez comment nous rencontrons le personnage de Craig Robinson dans Hot Tub Time Machine. Nous savons immédiatement qu’il est trop bien pour ce travail. On voit aussi un type avec une voiture de luxe se comporter comme un con avec lui. On est de son côté dès le début et on se marre.
Les traits de caractère
C’est un autre bon moment pour souligner que certains des battements peuvent se produire dans la même scène, ou une série de scènes ensemble. Lorsque vous rencontrez votre personnage, nous devons voir ce qui le motive, ce qui ressort de lui. Que pensez-vous qu’ils doivent changer ? Faites des allusions à des arcs possibles. Faites allusion à qui ils sont et comment ils interagissent avec les autres.
Game Night fait cela particulièrement bien. Nous connaissons le niveau de compétitivité des leaders et pourquoi ils travaillent bien ensemble. Donc, naturellement, le film est conduit par cette force et par les forces qui les séparent.
La vidéo n’est plus disponible : www.youtube.com/watch?v=h0WcBJOpRdA
L’obstacle émotionnel
Nous parlons beaucoup d’un conflit externe dans les histoires, mais qu’en est-il du conflit interne ? Nous voulons savoir ce qu’il y a à l’intérieur du personnage qui peut le retenir. Qu’est-ce qui doit sortir au cours du voyage ? Dans Love, Simon, il s’agit d’un coming out littéral. Simon est confronté à la lutte pour savoir qui il est, comment la société le perçoit, et à la peur de savoir si quelqu’un sera là quand il leur montrera qui il est vraiment à l’intérieur. Ces obstacles ne se produisent pas seulement dans le premier acte, mais c’est là que nous les mettons en place pour qu’ils puissent être payés plus tard.
L’obstacle physique
C’est le début des conflits externes de l’histoire. Encore une fois, ces temps sont répétés, mais nous avons besoin de savoir ce qui entrave les personnages. Mais même dans l’acte un, nous devons savoir ce qui sera sur le chemin. Dans un film d’aventure, il peut s’agir d’une scène d’ouverture qui montre le monde et le ton. Ou dans un film de science-fiction, cela pourrait être de naviguer dans un monde auquel on n’est pas habitué, dans un endroit où on n’a pas d’alliés.
L’une des versions les plus inventives de ceci est celle de The Terminator, lorsque Kyle Reese arrive sur terre, il doit naviguer entre les flics et les rues de la ville afin de trouver Sarah Connor.
La raison en avant
La quête de chaque protagoniste doit avoir une raison derrière elle. Quand passe-t-on de l’acte un à l’acte deux ? Quelle est la force motrice. Pour Indiana Jones, c’est le frisson et l’appel des services secrets de l’armée. Il veut arrêter les nazis, c’est sa force motrice externe, mais il veut aussi sécuriser la plus grande découverte de l’histoire de l’humanité. Donc, c’est quelque chose à prendre dans un avion à travers le monde pour… ça et Marion Ravenwood.
La décision d’essayer
Alors que vous entrez dans le deuxième acte, votre personnage doit décider pleinement de participer à la quête. Cette décision d’essayer, de tout mettre en jeu, est la plus importante du scénario. C’est ce qui fait partir le public à l’aventure, ou qui commence simplement à changer sa vie. Pas toujours pour le mieux. Il n’a pas suffi à Frodon d’amener l’anneau à Rivendale. Il doit saisir l’occasion et proposer de l’amener aussi au Mordor.
Pourquoi nous sommes ici
Les gens qui ont lu Sauvez le chat ont entendu parler de la promesse de la prémisse… voici ma version. Pourquoi les fesses seraient-elles dans les sièges pour voir votre film ? Quels sont ces moments de la bande-annonce qui attirent les foules ? C’est là que ça brille ! Mais je pense que nous avons besoin d’une série de scènes qui donnent vraiment aux gens ces moments de la bande-annonce. Si vous allez voir un film d’action, vous voulez voir de grandes scènes. Si vous allez voir une comédie romantique, vous voulez voir des gens tomber amoureux. Et si vous allez voir un film d’horreur, vous voulez des meurtres.
C’est là que Scream accumule le nombre de corps et vous donne les suspects. Ces scènes sont la raison pour laquelle vous avez choisi d’écrire le scénario. Alors amusez-vous, soyez audacieux, et restez intéressant.
Antics et Escapades
Ce sont les événements réels au sein de la promesse. Je pense qu’il est important de les regarder en deux temps différents. Voici le premier. Dans ceux-ci, vous voulez que les gains soient amusants et engageants. C’est là que les choses vont bien. Vos personnages peuvent même devenir un peu arrogants ici. On associe souvent ces pages au genre. Dans les casses, c’est l’effraction. Il peut y avoir des pièces maîtresses comiques, mais qu’en est-il au sein des drames ?
Prenez un film comme Spotlight. Si les réussites ici impliquent une enquête, les réponses aux questions sont accablantes. Ce n’est pas amusant et il n’y a pas de joie ici, mais comme l’équipe intrépide obtient des réponses, l’histoire avance.
Conséquences et pertes
Une chose que nous devons voir est un échec. Les choses ne peuvent pas se passer sans heurts. Les battements de l’échec sont la partie la plus importante d’un deuxième acte. C’est là que les grands personnages font face à leurs actions. Lorsque vous voyez votre personnage échouer, vous pouvez exposer les traits de caractère que vous voulez lui voir corriger. Vous pouvez également ajouter des éléments de contexte pour expliquer ces échecs. Plus nous en savons sur les gens dans le monde, plus nous les soutiendrons. Ou contre eux, en fonction de votre histoire.
Une chose que j’aime à propos des échecs dans Infinity War est qu’ils ont des conséquences. Si Peter Quill ne frappe pas Thanos ici, il aurait pu sauver plus de vies. Mais nous connaissons ses défauts… il est arrogant… et Thanos aussi. Lorsque Peter échoue, nous mettons en place la nécessité de le voir réussir, même si cela peut prendre un autre film pour cela.
La paille finale
À un moment donné, nous devons voir la paille qui a fait déborder le vase. Quel est le point le plus bas ? Celui où les gens veulent abandonner. Où la mission n’a plus de sens. Je pense que cela est traité avec élégance dans Saving Private Ryan. On voit des personnages perdre leurs amis, braver le danger, tout ça pour trouver ce seul type, qui, une fois sur place, ne reviendra pas.
Cela fournit une rupture non seulement pour les personnages mais pour le thème du film. Qu’est-ce que la guerre ? Pourquoi se bat-on ?
Est-ce que tout cela en vaut la peine ?
Rock Bottom
Après que votre personnage ait trouvé son pire échec, nous avons besoin de le voir se vautrer. Les scènes d’affaissement peuvent toujours être drôles, dramatiques ou pleines d’action. Pensez à la façon dont John McClane gère le fait de savoir que sa femme a été enlevée. Il court sur le toit, elle n’est pas là, il se fait tirer dessus par les fédéraux et les terroristes, c’est de la folie. Laissez-le croire que c’est fini. Laissez-le penser qu’il va perdre.
Laissez-le se complaire dans cette perte.
Et faire en sorte que cette perte fasse mal.
Faire en sorte que le pire moment de sa journée ou de sa vie reflète la pire chose qu’il traverse. Un divorce. Une prise de contrôle par des terroristes. La ville de Los Angeles. Faites en sorte que tout soit le pire.
Le rebondissement
Une fois que vous avez touché le fond, vous ne pouvez que remonter. Quand l’histoire rebondit, elle peut le faire de manière importante. Votre joueur était à terre, mais maintenant il se relève pour faire un dernier swing, ou une dernière course dans l’aéroport pour avoir la fille comme dans Love, Actually. Nous voulons voir cette passion et ce désir se transformer en action palpable.
Triomphes
Nous aimons tous un gagnant. Peut-être que ces triomphes se font aux dépens de quelqu’un d’autre, ou peut-être que ce ne sont que des victoires mineures. Peut-être que vos personnages perdent, mais thématiquement nous devrions voir ce que vous voulez communiquer au public triompher ici. C’est la leçon, la morale, la raison pour laquelle vous voulez que les gens regardent la série. C’est ici que vous délivrez cette leçon, amère, douce, ou quelque part entre les deux.
Ne laissez personne tomber. Nous avons couvert la première et la dernière image ci-dessus. Mais c’est ici que votre histoire se termine. Quelle image allez-vous laisser dans l’esprit de votre lecteur ? Qu’est-ce qui peut résumer l’histoire ou résumer les intentions de l’histoire et fermer la boucle du voyage du personnage ? J’adore les dernières images de Being There, le film de Hal Ashby. C’est un classique qui transforme Dieu en idiot. Ou peut-être que nous sommes des idiots pour croire en Dieu ? Il faut un peu de théorie du cinéma pour le comprendre, mais une fois que vous l’avez vu, vous ne l’oublierez jamais. Lorsque j’écris, j’aime estimer où je devrais me trouver à telle ou telle page du scénario. Ces estimations m’aident à découper et couper de l’histoire et me permettent d’explorer d’autres points de l’intrigue si je pense que j’ai l’espace et la configuration du rythme correctement. Bien que tous les calculs que je fais soient théoriques, un site Web appelé Beat Sheet Calculator vous permet de brancher des estimations tout en faisant votre feuille. Comme le dit leur site web : « Le Beat Sheet Calculator vous permet d’entrer le nombre total de pages projetées dans votre scénario, et vous renvoie ensuite une feuille de battement par battement des quinze événements majeurs de la feuille de battement de Blake Snyder. » Comme vous pouvez le voir, il est construit autour du Save the Cat, pas du nôtre, mais je voulais quand même l’approuver pour les gens qui cherchent un moyen mathématique de structurer leurs scénarios. J’aime écrire librement et couper plus tard, mais je voulais que vous ayez le maximum d’informations à portée de main. Après tout, plus il y a de grands films qui sortent, plus toutes nos vies seront meilleures. Il y a beaucoup de termes lancés quand on essaie d’écrire un personnage dans un scénario. Mais qu’est-ce qui distingue le développement des personnages du reste du peloton et pourquoi est-il crucial pour votre histoire ? Nous nous sommes tous assis pour regarder notre série télévisée ou notre film préféré et avons apprécié la façon dont les personnages progressent au fil du temps. Bien que ces arcs soient confinés à des périodes différentes ou à plusieurs épisodes, le cœur d’un personnage réside dans son développement. Le développement du personnage est le fondement de tout personnage génial et mémorable, et c’est quelque chose que vous devez maîtriser si vous voulez devenir un écrivain professionnel. Les personnages sont importants. Que vous développiez des protagonistes, des antagonistes ou des personnages mineurs, les détails sur leur vie et leurs luttes internes ont de l’importance. Cliquez sur le lien pour faire passer votre développement de personnages au niveau supérieur ! L’image finale
Le Beat Sheet Calculator
